Арлекин с гитарой пикассо кубизм

Три музыканта, пабло пикассо, 1921

Если кратко о кубизме, то он возник как желание художников модернизма раздробить образы на простые формы в виде конусов, цилиндров, квадратов и других геометрических фигур.Кубизм полностью отказывается от подобия жизни, разлагая предметы на плоскости. Реальность здесь другая, переосмысленная.

Что повлияло на возникновение стиля и как он возникКубизм – это одно из предреволюционных направлений искусства. Художники периода хотели преобразовать привычный мир реализма. Чуть позже «изменение мира» подхватили и революционеры.

Сам термин «кубизм» появился в 1908, после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (от французского bizarreries cubiques). Есть еще одна версия возникновения термина.

В 1908 году, когда Анри Матисс увидел пейзажи Дома в Эстаке, которые написал Ж.Брак, воскликнул: «Что за кубики».

Так как в этот предреволюционный и постреволюционный период возникло много направлений искусства, то можно выделить закономерность. Художники уже не могли находиться в привычных рамках. Менялась политическая и экономическая ситуация, искусство адаптировалось под изменения, сводя все к схематическому прочтению.

«Весь мир насилья мы разрушим до основанья, а затем», — коммунистический лозунг будто бы звучит как гимн кубизма. Художники заговорили новым языком и упрощенными формами, а реальность «разложили» на кубы, цилиндры и пазлы.

В своем становлении кубизм прошел несколько периодов: сезанновский, аналитический и синтетический.Отправной точкой в появление кубизма явилось наследие Сезанна и его учение о геометрическом объеме как основе всякой формы.

В сезанновском кубизме художники стремились приблизить предметы к геометрическим фигурам: цилиндру, конусу или шару. На это направление повлияло первобытное и африканское искусство.

Пикассо. Авиньонские девицы

В аналитическом кубизме происходит исчезновение узнаваемых образов и стирание граней между пространством и формой. В основном применяется в технике аппликации.

Жорж Брак, «Мандора» (1909-1910)

Синтетический кубизм еще называют «коллажным кубизмом». Творцы этого направления смещали акцент с объекта на поверхность изображения, на его узоры, рисунки и цвета. Художники создают коллаж из разных фактур.

Пабло Пикассо, «Три музыканта в масках» (1921)

Кубизм в современном дизайне

Современная интерпретация кубизма в рекламе далека от классических сезанновских, аналитических и синтетических его течений. Здесь, скорее, представлен обобщенный образ направления.

Все зависит лишь от того, какие цели преследует тот или иной специалист.

Некоторые компании стараются привнести в образы лишь элементы кубизма, другие – смешивают его с современными знаковыми образами, третьи сокращают свой взгляд на объект до схемы.А, вот, и наша кубическая репа.

Необходимо учитывать, что кубизм будет понят не всеми, как и другие аналогичные модернистские направления.

Вряд ли в измененном пространстве, коим и является это течение, захотят пребывать консерваторы и люди пожилого возраста. Кубизм воспримет молодая аудитория, а также современные и активные жители города.

Кубизм в рекламе стал возрождаться в 2000-х годах. И связано это, прежде всего, с эпохой постмодернизма, периодом искажения привычных форм.

Реклама в наши дни уже не out-of-fashion, а, идет впереди планеты всей: говорит новым языком, изобретает другие выразительные средства.

Вот, как бренды выражают себя в кубизмеВ Adidas из кубизма позаимствовали метод дробления на части. Привычный всем логотип будто бы выполнен из стекла или льда, разбитого и хаотично склеенного. Все это приводит к ассоциациям с зимними видами спорта.

Спорт неоднократно обращался к кубизму, как к направлению, акцентирующему внимание на динамике. Так, для Паралимпиады 2012 года, проходившей в Лондоне, при создании логотипа использовали дробные геометрические фигуры, которые демонстрировали, что непривычные фигуры также могут быть полноценными. А яркие цвета указывали на праздник и радость, которые эти спортивные события принесут для всех.

Греческий графический дизайнер Черис Тэвис, в своих иллюстрациях часто использует мозаичное построение композиции, принятое в кубизме. Ниже представлены его работы для «Sports Illustrated».

На следующей афише перед нами «кубик-бургер». Молодая аудитория, на которую, как правило, и рассчитаны основные посылы сетей фаст-фуда, не смутится от подобного обращения.

Бренд Coca Cola создал рекламный плакат в этом направлении, который приурочен к празднованию 50-летней независимости Кении от колонизаторства. Следует обратить внимание, что в рекламе, выполненной в стиле «кубизм», изменяется лишь образ, а текст остается понятным и читаемым.

На обложках музыкальных афиш и журналов кубизм трансформирует лица, тем самым, делая акцент на альтернативность подаваемого материала. Лица не похожи на обычные изображения людей, также и музыка отличается от «попсы».

В рекламе кубизм адаптируется под насущные нужды и потребности. Каким бы современным не называли этот стиль искусства, всем нам он годится в деды или даже прадеды.

Старыми художественными тенденциями это явление вряд ли можно назвать, однако без новых приемов и нововведений не обойтись. Такой адаптивный дизайн в стиле «кубизм», например, представляют в компании RayBan.

Очки как продукт остаются неизменными и выполненными в реалистичной манере. Изменяют только объект, их демонстрирующий.

Компания Oras Group, являющаяся поставщиком санитарно-технического оборудования, в рекламном сообщении представила свою продукцию в стиле «кубизм». Рекламисты приняли решение поиграть с линией Oras Cubista, где само название указывает на геометричность форм. Таким образом, четкость линий показана путем их разъединения на части.

В рекламе Volkswagen (Фольксваген) решили противопоставить друг другу 2 иллюстрации: классическое реалистичное изображение и женскую фигуру, нарисованную в стиле «кубизм».

На иллюстрации изображена дама, своим видом отсылающая нас к периоду создания компании, 1937 году. Это говорит о надежности и незыблемых ценностях, которые не меняются еще с тех времен.

Второй образ будто бы разбивает привычную картину на части, демонстрируя новый взгляд на привычные вещи. И это все о Фольксваген.

Табачная компания Nobel на упаковке с сигаретами изображает художника, пишущего портрет дамы в форме кубизма в реалистичной манере. Что хотел сказать автор? Что те, кто курит эти сигареты, попадает в привычную и классическую реальность. Основной посыл транслирует что-то вроде «приди в себя».

Джон Лопес, создавая знак почтовой службы для американского университета Fresno Pacific University, использовал приемы кубизма, для того, чтобы подчеркнуть динамичность посыла. Дробление на белое и черное – это отсыл ко времени суток. То есть служба работает и день, и ночь. Черно-желтая гамма символизирует скорость и напоминает шашечки такси.

Выставки кубизма тоже нуждаются в логотипе. Таким он был на выставке, проходившей в Санкт-Петербурге в 2010 году.

И еще несколько логотипов в рассматриваемом нами направлении. Как видим из приведенного ниже примера, логотипы, очерченные гранями, выглядят объемными. Это достигается благодаря приему, в котором они выполнены.

Американская шоколадная компания Nabisco, выпускающая печенья Oreo, создала серию иллюстраций, где под разными ракурсами представила печенья своей компании. Один из них кубизм. Компания таким образом подчеркнула свою давнюю историю. Когда был кубизм, печенья Oreo тоже были. В Nabisto показали, что какой бы не была форма, вкус печенья остается неизменным.

• Рекламное агентство из Украины для компании «Новые продукты» создало фирменный стиль в технике кубизм.

Кому и зачем может быть полезен кубизм

Каким направлениям подойдет кубизм?1. Спортивным2. Модным (одежда, обувь и аксессуары)3. Непопсовым (альтернативная музыка, музыка андеграунда, джаз)

4. Техническим и технологическим (техника, сантехника, автомобили, заводы-пароходы)

О чем может рассказать кубизм1. С помощью изломов линий и фигур можно продемонстрировать направление движения. А это подойдет для активных и динамичных компаний, для тех, кто что-то провозглашает о себе.2.

Кубизм придает объем фигурам. Если возникает вопрос «подоконник вровень или выпирает», то кубизм поможет на него ответить.3. Кубизм указывает на что-то современное.

Если компания хочет сделать акцент на что-то новое, отличное от других, то этот стиль ей подойдет.

4. На год основания компании. Какие-то компании, стремясь подчеркнуть свой возраст, транслируют узнаваемые консервативные элементы эпохи. Те, кто выбирают кубизм, делают более оригинальное заявление.

Кубизм, Жорж Брак, Пабло Пикассо, Фазы кубизма

«Это начало совершенно нового искусства, призванного спасти мир»

Пабло Пикассо «Три музыканта» 1921г.

Кубизм — это Авангардистское художественное направление изображавшее предметы действительности деформированными либо разложенными на простые геометрические формы. Основной идеей кубизма было отрицание трехмерной реальности.

Кубисты не хотели, чтобы их картины были похожи на фотографии, и не считали такие достижения академической живописи как «светотень», «переспектива», «оптический реализм» ведущими средствами художественной выразительности.

Таким образом, главное отличие кубизма от классического искусства является то, что он не основан на имитации.

Жорж Брак «Дома в Эстаке» 1908г.

Термин «Кубизм» появился в 1908г., мне известны две версии его появления. По первой, термин появился после того как Анри Матисс увидев пейзажи «Дома в Эстаке», написанные Жоржем Браком, воскликнул: «Что за кубики» (фр.

bizarreries cubiques); по второй — после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами».

Насмешливое название вошло в обиход, но, акцентируя внимание на внешних признаках, оно уводило от подлинной новизны метода и художественного мышления.

• «Когда кубисты, в свою очередь, показали условный характер пространства, как его понимал Ренессанс, так же как импрессионисты в свое время показали условный характер цвета предметов, — их встретило такое же непонимание и такие же оскорбления»
• Роже Гароди
• Сезановский кубизм Аналитический кубизм Синтетический кубизм

Поль Сезанн -Гора Сент-Виктуар вблизи Гардана-1885

Сезановский кубизм 1907-1909г

Так обычно называется первая фаза кубизма, для которой характерна склонность к абстракции и упрощению форм предметов.

По словам одного из первых исследователей современного искусства Андре Сальмона, кубизм явился реакцией на отсутствие формы в импрессионизме, а его развитие обязано идеям постимпрессионистов, особенно художников-символистов, которые противопоставили чисто живописным целям и интересам импрессионистов явления смыслового порядка. Они утверждали, что настоящей реальностью обладает идея, а не ее отражение в материальном мире.

Роль художника, таким образом, состоит в том, чтобы создавать символические формы для воплощения идей, а не имитировать изменчивый облик вещей.

Поль Сезанн. «Гора Сент Виктуар». 1906г.

К первой стадии кубизма относятся произведения искусства, созданные под влиянием французского художника Поля Сезанна.

Сезанн подчеркиваем устойчивость и предметность мира: граненые объемы образуют подобие рельефа, а цвета выделяют определенные грани предметов, одновременно усиливая и дробя объем.

Сезанн говорил своему другу Иоахиму Гаске (Гаше), указывая на свою любимую гору Сент-Виктуар: «Какой взлет, какая властная жажда солнца и какая печаль, особенно вечером, когда вся тяжеловесность как бы опадает. Эти гигантские глыбы образовались из огня. В них до сих пор бушует огонь…»

Пабло Пикассо «Фабрика в Хорта де Эбро», 1909г.

Жорж Брак «Замок Ла-Рош-Гюйон» 1909 г.

Призматические постройки теснятся и громоздятся друг над другом, плоскости начинают раскачиваться и разворачиваться в разных направлениях. Геометрический костяг, не поддерживает а разрушает её промахами линий и произвольными переносами плоскостей.

Отличительная черта Сезановского кубизма, это упрощение объемов на основе пейзажей, фигур, натюрмортов, написанных непосредственно с натуры. В композициях этого периода, созданных Пабло Пикассо и Жоржем Браком, большие граненые объемы плотно раскладывались на плоскости полотна, что создавало ощущение рельефности в изображении.

Колористическая палитра, оттеняя отдельные стороны объекта, подчеркивала и дробила объем.

Пабло Пикассо «Авиньонские девицы», 1907г.

Осенью 1907 произошли два важных события: ретроспективная выставка Сезанна и знакомство Брака и Пикассо. Лето 1907 Брак провел в Эстаке, где увлекся живописью Сезанна. С конца 1907 Брак и Пикассо начали работать в кубистическом стиле.

В одном из писем Сезанн рекомендует молодому художнику Пабло Пикассо рассматривать нитуру как совокупность простых форм — сфер, конусов, цилиндров. Он имел в виду, что эти базисные формы нужно держать в сознании как организующее начало куртины, но Пикассо и Брак восприняли совет буквально.

Пабло Пикассо. «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г.

Аналитический кубизм 1909-1912г

Различия между пространством и формой стираются. Исчезают образы предметов. Кубизм переходит в следующую фазу — аналитического кубизма. Этот период характеризуется появлением переливчатых цветов полупрозрачных пересекающихся плоскостей.

Формы постоянно располагаются в пространстве по-разному. На полотне Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г. контрасты цвета и фактурысведены до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции, и картина с ее приглушенной тональностью кажется почти монохромной.

Построение усложняется, и последовательно проводится единый принцип.

Пабло Пикассо «Портрет Даниэля-Анри Канвайлера» 1910 г.

Предмет разбивается на мелкие части, легко отделимые друг от друга. Таким образом художник пытается представить объект вне времени и пространства, игнорируя привычные законы восприятия. В результате полотна приобретали разнообразные стереометрические эффекты: объем превращался в плоскость, передняя грань – в боковую, линии внезапно разрывались, формы смешивались.

То есть на аналитической стадии предмет полностью дробился на составляющие его части, расслаивался на мелкие грани, отделенные друг от друга. Р.

Делоне по этому поводу говорил: «Элементы объемов еще более распадаются, палитра сводится к черному, белому, к их распаду на промежуточные тона и к землистым краскам.

Линии становятся более ломанными, формы являющегося мира – менее артикулированными… Перед нами эпоха аналитического кубизма».

Пабло Пикассо «Девушка, играющая на мандолине» 1910 г.

Альбер Глез «Две женщины сидящие у окна»

Перспектива окончательно сломана. Вместо предмета, изображенного в ракурсе, художник стремится перенести на полотно его след, геометрическое место точек, плоский отпечаток, и притом с разных сторон одновременно. Таким образом, картина становится коллекцией отдельных аспектов формы, разрезанной на мелкие куски.

Аналитический кубизм развили авторы из художественного объединения «Золотое сечение»: Альбер Глез, Марсель Дюшан, Раймон Дюшан-Вийон, Жан Метценже и Жак Вийон.

Жорж Брак. Газета, бутылка, пачка табака («Курьер»). 1914 г

Синтетический кубизм 1912-1914 г

Синтетическим называют эту фазу кубизма из-за того, что формы в этом случае воссоздаются заново.

Но есть и другое название — «коллажный кубизм», от французского слова «collage» — техники склеивания, с которой все началось.

В течение года Пикассо и Брак создавали натюрморты, почти полностью составленные из приклеенных кусочков разных материалов, с последующим приданием композиции завершенности всего несколькими линиями.

Характерной особенностью синтетического кубизма является отрицание третьего измерения в живописи и акцент на живописной поверхности. Фактура поверхности, линия и узор – все используется для того, чтобы сконструировать новый объект.

Пабло Пикассо «Гитара». 1920 г.

Картины становятся более декоративными и красочными. Когда разложение форм достигает максимума, угрожая перейти в абстракцию, появляются графические знаки — надписи, цыфры, ноты, буквы, а так же газеты, цветная бумага.

Французский критик Ален Жуфруа заметил, что они заимствованы из типичного антуража кафе — ценники, этикетки, меню, вывески, газеты на столе. Картина становится похожей на коллаж.

Нередко художники не составляли коллажи из дополнительных материалов, а полностью рисовали его.

Пабло Пикассо — «Бутылка Басса, кларнет, гитара» 1913 г.

Пикассо любил играть со словами, превращая, например livre fleur (книга-цветок) в ivre fleur (пьяный цветок); или этикетку со словами Bass (марка вина) в Pass (ставка, ход).

Жорж Брак «Ария Баха» 1913 г.

1. В картинах Брака чаще встречаются надписи из сферы музыки — «Моцарт», «Концерт», «Соната», «Этюд», «Вальс», «Ария Баха».
2. Считая традиционную живопись исчерпавшей свои возможности, кубисты взялись за каждый из элементов, образующих словарь этого искусства, — форму, пространство, цвет, технику исполнения — и заменили традиционное их применение своей собственной интерпретацией. «Системе перспективы, — пишет Голдинг, — которая господствовала в европейской живописи со времен Ренессанса, кубисты противопоставили право художника двигаться вокруг его предмета, включая в его облик информацию, почерпнутую из предшествующего опыта или знания…»
3. «Время -форма», пишет католический мистик Глез, становится на место «пространства-формы».

Х. Грис. Рюмки, газета и бутылки вина, 1913

Хуан Грис испанский декоратор, живописец иллюстратор, скульптор в 1913 году создает натюрморты в стиле синтетического кубизма, отказавшись от монохромности. Подражая Ж.Браку и П.Пикассо он использовал прием коллажа – аппликации из газетных вырезок, кусочков обоев или разбитого стекла.

Каpтины Пикассо

Пабло Пикассо ставят на одну ступеньку с великими художниками XX века. Разноплановый и уникальный в своей манере, он считается вдохновителем и создателем кубизма. Он оставил миру около сотни тысячи работ, включая рисунки, скульптуру и керамику. Его произведения искусства хранятся во многих музеях мира. Картины – одни из самых дорогих и часто похищаемых.

Биография Пабло Пикассо

Ниже представлены знаменитые и известные картины Пикассо с названиями и кратким описанием.

Наряду с другими пятьюдесятью полотнами испанского художника, приобретенными российским эмигрантом Сергеем Щукиным, картина хранится в Эрмитаже. Именно он стал одним из первых щедрых покупателей Пикассо и помог ему выбраться из нищеты.

По мнению искусствоведов, картина открывает «голубой период» творческой деятельности Пикассо, наполненного драматическими событиями в его жизни. Вокруг работы до сих пор не утихают споры, а в Париже на рубеже веков, она вообще шокировала многих.

Не только манерой исполнения, смешением красок, но и эмоциональной напряженностью, в которую погружал зрителей художник.

Эта картина оказалась первой из произведений художника, которую приобрел музей. С 1926 года она хранится в Чикаго. Пикассо написал ее в возрасте 22-х лет, после того, как его друг застрелился из-за несчастной любви.

Можно было б назвать ее «Слепой музыкант», но художник сделал акцент на старости, в которой единственной отдушиной является творчество. Инструмент он подчеркнул другим цветом в мире грязно-голубого: оттенка, характеризующего бедность и отсутствие надежд.

Старика он нарисовал поверх другой работы: кормящей матери, контуры которой можно заметить на холсте.

Начало оживления жизни. Розовый цвет становится на два года главным в творчестве Пикассо. Он написал несколько произведений на тему бродячего цирка, которым был увлечен.

В 1913 году ее приобрел коллекционер и потомок Саввы Морозова у писательницы Гертруды Стайн, которая открыла для молодого художника двери в богемную жизнь. Она была не только его другом, но и покровителем, покупая его картины за небольшие деньги.

Ивану Морозову она продала картину за 13 тысяч франков. Работа хранится в Пушкинском музее, куда она попала из национализированной коллекции Морозовых.

Рекордсменка по стоимости в 2004 году, картина была куплена частным лицом с аукциона за $104 млн у коллекционера, американского посла в Великобритании. Его семья хранила работу более полувека, заработав на ней $74 млн.

Пикассо писал картину в общежитии молодых художников, куда частенько заглядывал подросток, изображенный в венке из роз. Эта деталь пришла в голову художника после мучительных размышлений о том, чем завершить работу.

Ранние картины художника практически все находятся в музеях, так что эта стала редким исключением. Имя частного коллекционера, купившего ее, не разглашается из-за опасений воровства.

Известна как одно из первых проявлений кубизма в творчестве художника. Обнаженные тела лишены им гибкости умышленно, а по их позам не трудно догадаться, что девушки списаны с обитательниц борделя, куда частенько наведывался автор.

В ней четко виден переход мастера с его увлечения голубым и розовым в африканский период, который вскоре перечеркнул новый жанр. Почти год работы. С этого времени Пикассо узнаваем: фишка, хоть и не понравилась публике и критике, но стала визитной карточкой для художника, а впоследствии послужила отправной точкой для целого направления в искусстве.

С ней художник расстался в 1920 году. Через семнадцать лет мир впервые увидел эту работу, а вскоре ее приобрел музей Нью-Йорка.

Пикассо был женат на русской балерине Ольге Хохловой и его жизнь, наконец-то утопала в роскоши, когда он писал эту картину.

Никогда не признававший рамки и условности, он и в творчестве старался расширять границы. Картина относится к синтетическому кубизму – очередной самобытной манере художника.

Он изобразил вполне конкретных людей, зашифрованных в символах: это друзья Гийом Аполлинер и Макс Жакоб – свидетели на его свадьбе. Третий персонаж, который с гитарой – сам Пабло. Пьеро уже умер, Монах отрекся от мира, а Арлекин прощается с беззаботностью.

Картина хранится в музее современного искусства в Нью-Йорке.

С 1936 года дважды менялись ее владельцы. Пока она не была выставлена на аукцион. С него в 2010 году «Обнаженная…» ушла за $106,5 млн неизвестному частному лицу.

Еще одна рекордсменка по стоимости, как и многие работы Пикассо.

Ее писал художник тайно от своей жены с Марии Терезы Вальтер, молоденькой возлюбленной, подарившей ему дочь. Художнику было 46 лет, и начало романа было многообещающим.

Существует более полусотни ее портретов и скульптурных бюстов. Эта картина была написана всего за сутки в его сюрреалистической манере.

Вдохновение придает и подготовка к очередной выставке, посвященной 50-летию именитого художника. Он хочет превзойти своего конкурента и друга Матисса, который также намерен поразить публику своими выставочными работами.

Самая узнаваемая и трагическая картина, а также самая масштабная по смыслу и размеру. Известны антифашистские взгляды Пикассо, ее вступление в коммунистический союз Франции и смелый ответ нацистам, которые пришли в его мастерскую с обыском и все там перевернули. Один из них спросил, глядя на огромное полотно, сделал ли эту работу именно Пикассо. На что он ответил: «Нет, сделали это вы».

Герника – название городка на родине художника, которое стерла с лица земли немецкая авиация вместе с жителями. Боль, страдания, ужас войны – Пикассо работал над этой объемной картиной месяц.

Все это время его вдохновляла новая возлюбленная Дора Маар. Она же сняла весь процесс работы на фотоаппарат, и эти кадры облетели весь мир.

Картина выставлялась в основном в Америке, только в 1981 году переехала в музей Мадрида.

Картина хранится у частного лица в Грузии. Миллионер приобрел ее за более $100 млн в 2006 году.

На ней изображена та самая Дора, с которой судьба свела художника на семь лет. Роман был ярким как комета, а закончился ее психическим расстройством. Она никогда не позировала, но ее образ запечатлен во многих портретах.

В последние годы их отношений – улыбку на холсте сменили слезы. Плачущая Дора – персонаж целой серии его работ. Но эта дама в шляпке вполне энергична, уверена и чувствует себя победительницей.

Черная кошка на плече демонстрирует ее независимый характер.

Сочетание цветов помогает зрителю погрузиться в настроение, разгадывая символы.

Эта картина побила все рекорды, когда ее купили два года назад за сто семьдесят девять миллионов долларов!

Причем она стала не только хитом творчества Пикассо, но возглавила список самых дорогих картин. Кто выложил за нее баснословную сумму – не раскрывается, но некоторые уверяют, что она была куплена по просьбе экс-министра Катара.

Пикассо создал несколько версий, но знаменитой стала последняя, с инициалом «О».

Образы женщин – собирательные с полотен Делакруа, Ренуара, Матисса. Хотя в одной из них некоторые искусствоведы видят последнюю возлюбленную художника Жаклин Рок.

Что Вы думаете о творчестве и работах Пикассо? Пишите в х!

Лучшие картины в стиле кубизм

Кубизм – модернистское течение в искусстве, в большей степени в живописи, иногда в скульптуре и архитектуре, которое заставило художников по-другому посмотреть на примитивное искусство. Особенностью кубизма является то, что он, в отличие от классического искусства, не основывается на имитации.

Кубизм в живописи

Картины кубистов всегда легко узнаваемы благодаря их плоскому, двумерному виду. В этом стиле применяется стандартная цвето- и световоздушная среда и довольно простая линейная перспектива: кубистические картины характеризуются обилием геометрических форм, линий и острых углов, а также преднамеренно скромной, нейтральной цветовой гаммой.

В отличие от традиционных натюрмортов, пейзажей или портретов, кубистические картины не должны выглядеть реалистично. Вместо того, чтобы рассматривать объект с одного возможного угла, художник как бы дробит изображение на части, а затем уже складывает вместе фрагменты с разных выгодных точек обзора в одну картину.

Многие считают, что кубизм – некое ответвление абстракционизма, в то время как он является таким же самодостаточным направлением авангардного искусства.

Стадии кубизма

Как правило, выделяют две основные стадии стиля кубизм: аналитический и синтетический.

• В аналитическом кубизме художник пытается представить более полное, детализированное пояснение объекта, нарушая барьеры пространства и времени. Он разбивает предмет на отдельные блоки и реконструирует его согласно собственному видению. Именно такой вид кубизма обычно приходит на ум, когда люди думают про картины в этом стиле.

• Синтетический кубизм – естественное продолжение аналитического кубизма, берущее начало в 1912 году. Он заключается в том, что на основе картины формируется коллаж из отдельных частей, обычно с использованием газет, цветной бумаги и т. д. Эти части представляют собой разные блоки изображаемого объекта. Но нередко художники не составляли коллаж, используя дополнительные материалы, а полностью рисовали его.

Кубизм: художники

Наиболее известной фигурой в направлении кубизм является испанский художник Пабло Пикассо; именно он – основоположник кубизма, наравне с французским кубистом Жоржем Браком.

Возникло это направление во Франции, в 1906-1907 годы. Название направления появилось благодаря французскому художественному критику Луи Вокселю, который в 1908 году описал серию картин Жоржа Брака (изображения деревьев и гор в виде кубов и пирамид) как «кубические причуды».

Другие представители кубизма: Хуан Грис, Марсель Дюшан, Фернан Леже. Однако не все работы этих художников выполнены строго в стиле кубизм; чаще всего они включают в себя элементы и других направлений.

Известные картины в стиле кубизм

Жорж Брак, «Мандора» (1909-1910)

Это пример ранней живописи в стиле кубизм – его аналитической стадии. Брак решает отказаться от написания пейзажных сюжетов и остановиться на натюрмортах. На картине изображен музыкальный инструмент – маленькая лютня под названием мандора.

Нейтральная цветовая гамма картины является индикатором первых попыток Жоржа Брака в создании разных взглядов на один и тот же предмет – художник экспериментировал скорее с композицией и репрезентацией музыкального инструмента, чем с яркими цветами.

Пабло Пикассо, «Три музыканта в масках» (1921)

Хотя основной период кубизма в творчестве Пикассо приходится на 1909-1917 годы, в 1921-м, незадолго до погружения в сюрреализм, он пишет эту кубистическую картину.

Ее интерпретируют как ностальгические воспоминания художника о былых временах: в центре картины сидит сам Пикассо, переодетый в Арлекина, и по обе стороны от него сидят старые друзья: Гийом Аполлинер (в костюме Пьеро), который умер в 1918 году, и Макс Жакоб (монах), с которым Пикассо перестал поддерживать связь.

Картина представляет собой квинтэссенцию синтетического кубизма. Фигуры персонажей выглядят так, будто бы они приклеены на полотно, отдельно одна от другой.

Увидеть эту работу можно в Художественном музее Филадельфии.

Хуан Грис, «Фантомас» (1915)

Хуан Грис разработал технику коллажирования, при которой он вставлял элементы из газет и журналов в абстрактную живопись. Иногда это бывали настоящие коллажи, а иногда — картины этих коллажей. В этой технике выполнена работа «Фантомас».

Она изображает вид сверху на деревянную столешницу, заваленную периодическими изданиями, включая роман из популярной криминальной серии под названием «Фантомас». Так, Грис стал первым кубистом, использовавшим яркий цвет и свет в своих работах, что впоследствии вдохновило Пикассо и Брака на синтетический кубизм.

Находится эта картина в Национальной галерее искусства в Вашингтоне, США.

Фернан Леже, «Дама в голубом» (1912)

Леже демонстрирует ранний интерес к геометрической абстракции, которая словно плавает внутри холста. Элементы произведения раздроблены на отдельные части, чтобы передать впечатление художника от современной жизни – таким образом Леже хотел выразить суть характера главного персонажа картины, женщины, а не ее внешний облик.

• Увидеть эту работу можно в Базельском художественном музее в Швейцарии.
• Видео, раскрывающее историю жизни художника Пабло Пикассо, можно посмотреть далее:

Пабло Пикассо: «Я – лишь клоун. Будущее в искусстве за теми, кто сумеет кривляться»

Кто же он такой? Гений или авантюрист? Художник или продавец своего имени. «Пикадор» – так назвал свою первую работу восьмилетний Пабло Пикассо. В 16 лет он поступил в Академию искусств, но жил с мадридскими друзьями по местным правилам: «утром – церковь, днём – коррида, вечером – бордель». В 19 лет он написал на автопортрете «Я – король» и отправился покорять Париж.

«Мама сказала: «Если ты изберёшь путь солдата, быть тебе генералом, захочешь быть монахом – станешь Папой». Но я стал Пикассо».

ПиккассО, на французский манер. Маленький вспыльчивый андалузец буквально распугал Монмартр своей одарённостью. Однако денег она не приносила, и зимними вечерами Пабло топил камин своими работами. Эмоциональными, гармоничными, никому не нужными. И тогда он придумал кубизм.

«Прощай, сходство!» – воскликнул художник. Глядя на жуткие маски вместо лиц, друзья шутили, что скоро Пабло заставит людей есть паклю и пить керосин. Тем не менее дело пошло быстрее. Однажды какая-то дама пришла покупать его работу: «Маэстро, лошадь не похожа на лошадь». – «Дорогая, я же вам не лошадь продаю, а картину». – ответил Пикассо.

Своим успехом Пикассо обязан русскому миллионеру Сергею Щукину, который, шарахаясь от его картин, всё же купил одну. Когда он к ней привык, все художники мира вмиг показались ему пресными. После этого Щукин купил ещё 50 его произведений.

«Для меня существует лишь два типа женщин – богини и тряпки для вытирания ног».

Его богиней стала русская балерина Ольга Хохлова – их познакомил Сергей Дягилев. Они обвенчались и зажили как буржуа, которых раньше терпеть не мог Пикассо. Он выходил в свет, носил смокинг и золотые часы в кармане жилета, пока вдруг всё это ему не надоело. И тогда он превратил Богиню в тряпку.

«Каждый раз, когда я меняю женщин, я должен сжечь последнюю. Так я продлеваю молодость».

Ольга не давала Пабло развод, несмотря на бесконечных любовниц. Обезумев от горя, она атаковала его письмами, но ни разу не получила ответа. Он даже не приехал на её похороны.

На женщинах демонического испанца было словно проклятье: Мария Тереза Вальтер повесилась, Дора Маар сошла с ума, Жаклин Рок застрелилась. Страшной участи избежала лишь Франсуаза Жило. Она успела уйти сама, не в силах жить со «всемирно известным памятником».

«Мир сегодня не имеет смысла. Так почему я должен рисовать картины, в которых смысл есть?»

Русский философ Бердяев сказал, что на картинах Пикассо видно, что с миром что-то не то. Взять хотя бы знаменитую «Гернику», на которой изображена бомбардировка баскского городка во время гражданской войны в Испании.

В 1940 году через некоторое время после вступления германских войск в Париж к Пабло Пикассо пришли из гестапо. На столе художника находились открытки с репродукцией «Герники». «Это Вы сделали?» – задали мастеру риторический вопрос о картине. «Нет, – ответил он, – это сделали вы».

«Настоящие художники – Рембрандт, Джотто. А я – лишь клоун. Будущее в искусстве за теми, кто сумеет кривляться».

Кем же он был, Пабло ПикассО, он же ПикАссо? Пикадором? Или Быком? А может, красной тряпкой для коллег и публики. Художником, который одной рукой рисовал голубку, а другой – взрывал сознание своим кубизмом? Мир будет спорить ещё долго.

Пабло Пикассо «Три музыканта». Описание картины

В 1921 году Ольга рожает сына, и вместо традиционного отдыха на море, чета Пикассо снимает роскошную виллу в Фонтенбло. Ни для кого не секрет, что художника мало заботила семейная рутина, и в уединённом семейном гнезде ему дышалось не свободно – его манил Париж.

Но ничего не поделаешь, Пикассо остаётся подле жены и целиком погружается в работу. «Три музыканта» — самое яркое произведение этого периода.

Картина написана в своеобразном стиле – синтетический кубизм. Пикассо всегда была тесно в рамках какого-либо определённого жанра и манеры, в каждом направлении он стремился расширить рамки и отойти от канонов.

Считается, что три музыканта на полотне непросто абстрактные личности, а конкретные люди.

В образе кларнетиста Пьеро художник изобразил недавно ушедшего из жизни поэта-авангардиста, близкого друга Гийома Аполлинера.

Монах с аккордеоном — это Макс Жакоб, французский поэт и художник, который трагически погибнет в лагере во времена оккупации в 1944 г. А арлекин со скрипкой – это сам Пабло Пикассо.

Необычная фактура, удивительные образы создают неповторимую динамику, и кажется, что можно уловить звуки заводного джаза, льющегося с полотна.

Все герои изображены в шутовских нарядах, которые относят нас к традиционным персонажам «камеди дель арте». История сохранила тот факт, что эту идею Пикассо подсмотрел у труппы одного из римских театров.

Техника исполнения поразительна — одном пространстве изображены три разные фигуры, и трудно избавиться от впечатления, что они не только созданы по отдельности, но и как будто наклеены на полотно. Ещё одной удивительной особенностью является то, что фигуры, выполненные в стиле кубизма, не теряют при этом объёма.

Что касается средств выразительности, то эта картина отличается подчёркнутой простотой формы и использованием небольшого круга цветов – красный, жёлтый, чёрный, голубой, белый.

После представления работы на суд зрителей, в адрес картины посыпались хвалебные отзывы. Так, Морис Рейналь утверждал, что работа Пикассо является «шедевром интеллекта и изящества», а также определял её как некий успешный итог всех художественных поисков в рамках кубизма, прекрасно демонстрирующий всю силу, широкую гамму граней и откровений этого стиля.

Существует два варианта «Трёх музыкантов». Более завершённая работа сейчас находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Картина испанского художника Пабло Пикассо «Три музыканта» 1921 г. Холст, масло. 204.5 x 188.3 см. Художественный музей Филадельфии, США

Описание картины Пабло Пикассо «Три музыканта»

Описание картины Пабло Пикассо «Три музыканта»

Эта работа, написанная Пикассо в стиле синтетического кубизма, была создана им в Фонтенбло летом 1921 года. Принято считать, что она изображает умершего Гийома Аполлинера, Макса Жакоба и самого художника. Аполлинер изображен в виде Пьеро с кларнетом, Жакоб написан в образе монаха с аккордеоном, а Пикассо предстает перед нами как Арлекин со скрипкой. Сейчас полотно висит в Художественном музее Филадельфии.

Начало двадцатых годов, несмотря на стремительно развивающиеся военные события, стали наиболее плодотворными в жизни автора холста.

Художник не подлежал военному призыву, поэтому в этот период он полностью посвятил себя творчеству. Первые годы мировой войны принесли ему покой и неиссякаемое творческое вдохновение.

Он погрузился в работу и в уединении экспериментировал в формами и цветовыми палитрами.

Картина выполнена реалистично, но в ней нельзя не заметить неоклассицизм. Фигуры словно смоделированы отдельно друг от друга, нас не покидает ощущение, что они по отдельности наклеены на полотно.

Благодаря выбранному автором стилю границы персонажей не выглядят жесткими. Они тяжеловесны, но контуры их тел словно расходятся в пространстве, позволяя увидеть объем, текстуру, настроение и движение.

Традиционные шутовские одеяния в стилистике «комедиа дель арте» для главных персонажей своего полотна известный испанский художник подсмотрел в труппе римского театра.

Он пытался уловить каждую мельчайшую деталь, что позволило ему максимально реалистично передать образы друзей в своей работе. Он страдал от ограниченности выбранного стиля, который не позволял ему в полной мере воплотить все творческие мысли.

Именно поэтому Пикассо стремится к тому, чтобы модернизировать сформировавшиеся каноны и добавить в них индивидуальности.

(4 votes, average: 5.00

Источник