Человек с гитарой кубизм

Человек с гитарой — 1911 Пабло Пикассо

Человек с гитарой

1911; 154х77,5 см
Музей Пикассо, Париж

Кубизм зародился в результате совместных творческих исканий Пикассо и Брака — их заслуги в этом приблизительно равны.

В 1909 году Пикассо удается достичь поразительных эффектов, разбивая пространство, предметы и человеческие фигуры на геометрические фрагменты. Таким образом, мастер находит качественно новые связи как между самими фрагментами, а точнее — их формами, так и внутри них.

Проще говоря, каждый объект разбивается на бесконечное множество маленьких квадратов и кубиков (фран. «cubes» — отсюда и название «кубизм»), представляющих один и тот же предмет с разных точек зрения одновременно.

Кубизм стал настоящей революцией в западноевропейской живописи. Он шокировал и сбивал с пути современных Браку и Пикассо художников, заставляя их по-новому воспринимать живопись.

В 1923 году Пикассо напишет: «Кубизм долгое время был непонятен — это факт, который, впрочем, не имеет никакого значения. Я не знаю английского, и для меня книга, написанная на этом языке, является пустой книгой. Но это совсем не означает, что английского языка не существует».

Среди первых кубистических опытов Пикассо преобладают натюрморты и, если можно так назвать, портреты — как правило, с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и проч. — все это атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала XX века.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кафе и борделей. Пикассо использует коллаж (композиция «Скрипка») — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем разнообразие вводимых фактур растет (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла и т.п.).

Женщина, играющая на мандолине

1909; 92х72,5 см
Эрмитаж, Санкт-Петербург

Мотив женщины, играющей на мандолине, пришел к Пикассо от Камиля Коро (1796-1875), картины которого были выставлены на парижском Осеннем салоне 1909 года. Однако, в отличие от своего предшественника, Пабло преследует иные цели: он создает пространство, в котором фигура и свет состоят между собой в математических отношениях.

Лицо, представленное схематически, раскладывается на простые геометрические формы — треугольник, круг, овал, квадрат, прямоугольник. Здесь все еще заметно влияние эстетики «примитивных цивилизаций». Резко обрывающиеся следы кисти (напоминающие полосы на лице одной из «авиньонских девиц») похожи на ритуальные порезы, которые делали представители некоторых африканских племен. С их помощью Пикассо вводит в картину свет и движение.

В «Человеке с гитарой» очертания фигуры музыканта зритель может уловить только благодаря определенным интеллектуальным усилиям. В свою очередь ограниченная цветовая гамма, сводящаяся к использованию лишь серого и охры, делает картину гармоничной, если не сказать — совершенной.

Источник

10 малоизвестных фактов о картине Пикассо «Старый гитарист»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Пикассо передал картиной свое душевное состояние

В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». Это видно по монохроматичности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.

2. Картина больше, чем считают многие люди

Из-за искаженной перспективы обычно все считают, что «Старый гитарист» — очень небольшое полотно. На самом деле, его размеры — 123 x 83 см.

3. Человек на картине слепой

Закрытые глаза, отрешенность от всего мира и только инструмент в руках имеет значение. «Старый Гитарист» стал одним из символов в литературе, который часто используется для того, чтобы передать то, как слепые видят что-то «за пределами этого мира».

4. Человеческие страдания – основная тема «голубого периода»

Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Особо его интересовала тема слепоты, а слепых людей можно найти в ряде его произведений. На «Скромной трапезе» (1904) изображены слепой мужчина и зрячая женщина, которые сидят перед практически пустым стволом. Похожая ситуация изображена на «Завтраке слепого» (1903). Наконец, на портрете «Селестина» (1903) нарисована женщина с бельмом на одном глазу.

5. Частично эту картину можно считать автопортретом

Единственным элементом «Старого гитариста» не синего цвета является гитара. Гитарист якобы находит утешение среди однообразия окружающего мира в своем инструменте. Точно так же и Пикассо рассматривал возможность вторить, как единственное светлое пятно даже в самые плохие времена.

6. Композиция «Старого гитариста» намекает на творчество Эль Греко

Как и все картины голубого периода, это полотно непосредственно связано с художником Эль Греко. Пикассо был большим поклонником этого художника, несмотря на то, что на то время в фаворе были другие художники эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что Пикассо специально выбрал странную угловатую позу гитариста, а также изобразил его конечности преувеличенно удлиненными. Якобы это было сделано в качестве дани таланту Эль Греко.

7. Картина, возможно, послужила вдохновением для стихов

Через три года после того, как «Старый гитарист» был выставлен в художественном музее Уодсворт Атенеум в Хартфорде, штат Коннектикут, американский модернист Уоллес Стивенс опубликовал стихотворение «Человек с голубой гитарой». Несмотря на, казалось бы, очевидную связь между живописью и поэмой, Стивенс отрицает какую-либо причастность к работе Пикассо.

8. На картине есть скрытая женщина

Если внимательно присмотреться, то можно разглядеть за ухом гитариста едва заметные лоб и глаза. Ученые художественного музея при Институте Искусств Чикаго, где хранится картина, просветили картину с помощью инфракрасного излучения и рентгена. Они обнаружили, что под слоем краски скрывается недописанное изображение обнаженной молодой женщины, которая кормит грудью ребенка, а также изображения теленка и коровы.

9. «Старый гитарист» — самое знаковое произведение голубого периода Пикассо

В течение 1900-1904 годов Пикассо написал довольно много картин, в которых преобладали оттенки синего и голубого цветов. Но ни одна из них не стала столь популярна, как «Старый гитарист».

10. Институт Искусств Чикаго вошел в историю благодаря этой картине

Институт искусств Чикаго приобрел картину в 1926 году. «Старый гитарист» стал первой картиной Пикассо, которая была приобретена американским музеем, а также первой картиной Пикассо, которую любой музей мира приобрел для своей постоянной коллекции.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Источник

Старый гитарист — Пабло Пикассо (1903)

Картина «Старый гитарист» была написана Пикассо в Барселоне в 1903-ем году, сразу после самоубийства близкого друга Пабло — Касагемаса, в котором художник отчасти винил и себя, и потому переживал это трагическое событие особенно тяжело.

В это время Пикассо с пониманием относился к тяжелому положению обездоленных и написал множество полотен, изображающих страдания бедных, больных и изгнанных из общества.

Пикассо и сам, как никто другой, пониамал, что значит быть бедным, и существовать без гроша в кармане, поскольку весь 1902-ой год прошел для художника под знаком постоянной нищеты.

В кармане молодого Пикассо в ту пору редко водились деньги, и потому работы «Голубого периода» художника являются кропотливым и тщательным исследованием низов человеческого общества — к которым, безусловно, принадлежал и слепой гитарист, развлекавший публику игрой на гитаре на улицах Старого города Барселоны — в попытке заработать себе на кусок хлеба.

Интересно, что искаженные пропорции персонажа сразу же, с первого взгляда напоминают о работах великого Эль Греко, который пропорции намеренно не соблюдал, сделав свои работых мгновенно узнаваемыми в том числе и по этой причине.

На фоне абсолютного торжества всех оттенков синего в картинах Пикассо «Голубого периода» особенно выделяется «неестественный» цвет гитары, из которой излвекает звуки слепой гитарист. Гитара, написанная в желтовато-коричневых тонах, являет собой контраст с остальным пространство картины и сразу притягивает внимание к себе.

И в прямом, и в аллегорическом смысле гитара заполняет собой все пространство рядом с одинокой фигурой слепца, который, кажется, во время игры полностью погружается в иную реальность, забывая на хотя бы на время о собственной слепоте и о вопиющей бедности, в которой он вынужден существовать.

В то время, когда Пикассо писал «Слепого гитариста» всю большую популярность приобретала литература движения символистов, в которой часто использовался образ слепых персонажей, обладавших большой силой особенного, «внутреннего» зрения — что, несомненно, повлияло на процесс создания полотна.

Прекрасным дополнением является стихотворение Уоллеса Стивенса «Человек с синей гитарой». Поэт выражает словами мнение Пикассо о том, что искусство — это обман, который помогает нам увидеть правду. Стивенс пишет: «Они сказали:« У тебя синяя гитара, / Ты не играешь о том, что по-настоящему происходит в жизни». / Мужчина ответил: «То, что по-настоящему происходит в жизни / Меняет свой облик благодаря синей гитаре».

«Старый гитарист», вероятно, является самой знаковой картиной «Голубого периода» Пикассо, прожитого, как мы уже отметили, в бедности и эмоциональных потрясениях.

Картина также примечательна призрачным присутствием другого изображения, нарисованного на этом же холсте художником прежде. Техническая экспертиза в сочетании исследованиями искусствоведов и экспертов позволили выявить две более ранние композиции под изображением «Старого гитариста».

Эта информация позволяет нам лучше понять художественный процесс Пикассо. Исследования Института искусств Чикаго и выставка 2001 года в Художественном музее Кливленда пролили свет на эти изображения.

Наиболее очевидные детали включают в себя голову женщины, повернутую влево, вытянутую впрпавуо руку с раскрытой ладонью и голени женщины, по которым можно судить, что Пикассо изобразил её сидящей. вытянутую руку с раскрытой рукой вправо и голени, которые (особенно на рентгеновском снимке) кажутся сидящими.

Весьма вероятно, что Пикассо изначально начал писать портрет женщины, которая, возможно, пребывает в расстроенном или обеспокоенном настроении.

Картина Пикассо «Старый гитарист» в рентгеновском свете

В наши дни картина «Старый гитарист» находится в Институте искусств Чикаго в Мемориальной коллекции Хелен Берч Бартлетт.

Источник

Кубизм: история, особенности Раздел в процессе наполнения и корректировки

В изобразительном искусстве термин «кубизм» описывает революционный стиль живописи, изобретенный Пабло Пикассо (1881–1973) и Жоржем Браком (1882–1963) в Париже в период с 1907 по 1912 год. Их кубистские методы – первоначально под влиянием геометрических мотивов в пейзажных композициях художника постимпрессионистов, например, Поля Сезанна – радикально пересмотрели природу и сферу изобразительного искусства и, в меньшей степени, скульптуры и возвестили совершенно новые способы представления реальности. В этом смысле кубизм знаменует конец эпохи Возрождения и начало эпохи современного искусства.

Введение: революционное абстрактное искусство

В значительной степени это тип полуабстрактного искусства – хотя порой оно приближается к полномасштабному необъективному искусству – кубизм традиционно делится на три этапа:

Помимо Бракa и Пикассо, в число других известных художников, тесно связанных с этим движением, входят художники Хуан Гри (1887–1927), Фернан Леже (1881–1955), Роберт Делоне (1885–1941), Альберт Глайз (1881–1953), Андре Лоте (1885-1962), Роджер де ла Фресне (1885-1925), Жан Метцингер (1883-1956), Фрэнсис Пикабиа (1879-1953), художник-универсал Марсель Дюшан (1887-1968) и скульпторы Жак Липчиц (1891–1973), Александр Архипенко (1887–1964). (См. Художники-кубисты и Скульпторы 20-го века.) Кубизм был отправной точкой или существенным элементом ряда других движений современного искусства, включая футуризм (1909–14), орфизм (1910–13), ворцизм (1914-15), русский конструктивизм, (c.1919-1932) и дада (1916-1924).

Каковы были истоки кубистского искусства?

После трех десятилетий вдохновленного импрессионистами искусства, кульминацией которого стало фовистское колористское движение (членом которого, кстати, был Брак), Пикассо начал беспокоиться о том, что этот тип живописи является тупиком с все меньшим потенциалом для интеллектуального исследования. В этом умонастроении он познакомился с африканским племенным искусством, в то время как в Испании он начал рисовать Les Demoiselles D’Avignon (1907, MoMA, Нью-Йорк), его новаторский шедевр, плоские расколотые плоскости заменили традиционную линейную перспективу, что сигнализировало о его разрыве с натуралистическими традициями западного искусства. В то же время, Жорж Брак, бывший студент престижной Школы изящных искусств в Париже, был ошеломлен выставками картин Сезанна 1907 года в парижском Салоне д’Отом и в галерее Бернхейм-Жюна . Особенно его вдохновили Большие купальщицы (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905). Затем они познакомились в октябре 1907 года и в течение следующих двух лет разработали так называемый кубизм – совершенно новый метод изображения визуального мира.

ПРИМЕЧАНИЕ. Чтобы увидеть, как не натуралистическая живопись импрессионистов привела к абстрактному искусству, подобному кубизму, см.: От реализма к импрессионизму (1830-1900). Чтобы понять, почему кубизм связан с классицизмом, см. статью «Классическое возрождение в современном искусстве» (c.1900-30).

Происхождение термина «кубизм»

Летом 1908 года, находясь в L’Estaque около Марселя, Брак написал серию пейзажей, которые были показаны в том же году в галерее в Париже, принадлежащей арт-дилеру Даниэлю-Анри Канвайлеру. Рассматривая эту выставку, известный искусствовед Луи Воксель прокомментировал, как Брак сводит все достопримечательности, фигуры и дома к геометрическим очертаниям в виде кубов. В следующем году Воксель использовал выражение «bizarreries cubiques» (кубические эксцентричности) – фразу, якобы впервые использованную Анри Матиссом, – и к 1911 году термин «кубизм» вошел в английский язык. Описание вполне подходит для блочных форм в некоторых ранних пейзажах Брака и в нескольких похожих работах Пикассо, написанных в Орта-дель-Эбро в Испании, но не для их более поздних кубистских картин, в которых формы разбиты на грани, а не кубики. Этот термин использовался двумя практикующими кубистами, Глейзесом и Метцингером, в их влиятельной книге 1912 года « Кубизм» .

Как понять кубизм

Во-первых, очень трудно оценить кубизм без изучения его картин. Хорошее начало – сравнить ранние кубистские натюрморты с традиционными натюрмортами, скажем, из барочных или голландских реалистических школ. Кроме этого, вы по достоинству оцените радикальную природу кубизма по сравнению с традиционным западным искусством. Отметим также, что кубизм не был единственным стилем живописи: аналитический кубизм полностью отличается от более позднего синтетического кубизма . Первый – касается структуры – как картина должна изображать объект; второй касается исключительно поверхности изображения и того, что может быть включено в него. Последний совет: не отчаивайтесь из-за его странности. Кубизм символичен, сложен и полон идей, но это не очень красивая форма визуального искусства.

Каковы характеристики кубизма?

Со времен Ренессанса, если не раньше, художники писали картины с единой фиксированной точки зрения, как будто они делали фотографии. Иллюзия глубины фона создавалась с использованием стандартных условных обозначений линейной перспективы (например, объекты показывались меньшими по мере отступления) и путем рисования фигур и объектов с закругленными затененными поверхностями для создания трехмерного эффекта. Кроме того, сцена или объект изображались в определенный момент времени.

Напротив, Брак и Пикассо считали, что полное значение объекта можно уловить, только показав его с нескольких точек зрения и в разное время. Таким образом, они отказались от идеи единой фиксированной точки и вместо этого использовали множество точек зрения. Затем объект повторно собирался из фрагментов этих различных видов, как сложная головоломка. Таким образом, много разных видов объекта были одновременно изображены на одном и том же изображении. В некотором смысле это все равно, что сделать 5 разных фотографий (в разное время) одного и того же объекта, затем разрезать их и заново собрать на плоской поверхности.

Такая фрагментация и перестановка формы означали, что картину теперь можно рассматривать не как своего рода окно в мир, а скорее как физический объект, на котором создается субъективная реакция на мир. Что касается художественной техники, кубизм показал, как можно создать чувство солидности и изобразительной структуры без традиционной перспективы или моделирования.

Таким образом, стиль фокусировался на плоской, двумерной поверхности плоскости изображения и отвергал традиционные условные обозначения пространства и техники линейной перспективы, кьяроскуро (использование затенения, чтобы показать свет и тень) и традиционные идеи подражания природе. Вместо создания естественных трехмерных объектов, художники-кубисты предложили совершенно новый набор изображений, собранных из двумерных фрагментов, на которых объекты были видны с нескольких сторон одновременно. Если фовисты и импрессионисты стремились выразить свое личное ощущение определенного объекта или сцены, кубисты стремились изобразить интеллектуальную идею или форму объекта и его связь с другими предметами.

Другие важные стилистические тенденции, подобные кубизму, ищите в разделе Художественные движения, периоды, школы (примерно с 100 г. до н.э.).

Кубистские выставки

Кубизм имел две идентичности: публичную и частную. Стиль был разработан совместно Пабло Пикассо и Жоржем Браком на основе наблюдений, полученных от Сезанна, а также, в некоторой степени, от этнографического примитивизма, подобного тому, который исследовал Пикассо в период его интереса к африканскому искусству. Брак дебютировал с персональной выставкой, организованной Канвайлером в ноябре 1908 года. Но после этого он и Пикассо более или менее пошли на попятную, но знамя кубизма было поддержано другими – так называемыми «салонными кубистами», это Роберт Делоне, Альберт Глейз, Фернан Леже, Анри Ле Фоконье и Жан Метцингер в Салоне Независимых в 1911 году.

В 1912 году группа кубистов, называющая себя Секцией Ор, с Делоне во главе, была выставлена ​​в галерее La Boetie . Рассматривая это шоу, искусствовед Гийом Аполлинер (1880-1918) придумал термин «орфизм», применив его, в частности, к работам Делоне. С первым опубликованным заявлением о кубистской теории выступили « Метизингер и Глейз» – « Du Cubisme» , опубликованное в 1912 году; за ним последовало « Les Peintres Cubistes» Аполлинера, опубликованное в 1913 году. В 1913 году также состоялась знаменитая оружейная выставка, проходившая в феврале-марте на Лексингтон-авеню, Манхэттен, Нью-Йорк, в которой « Обнаженная лестница» (№2) Марселя Дюшана (1912) была спорным, даже скандальным, притяжением. (Работа была позже куплена Филадельфийским художественным музеем.)

Примерно в начале 1912 года Пикассо и Брак перешли от аналитического кубизма, с которого они начали, к синтетическому кубизму – новому, более декоративному и ориентированному на поверхность стилю, созданному с использованием новых техник, таких как коллаж и папье-колли. Включение детрита в их картины можно рассматривать как начало искусства барахла (джанк-арт). На этом этапе к ним присоединился Хуан Гри.

Во время Первой мировой войны вынужденный отъезд Даниэля-Генри Канвайлера привел к тому, что Леонс Розенберг (1879-1947) стал главным дилером художников-кубистов в Париже. Его брат Пол Розенберг (1881-1959) был главным дилером Пикассо в межвоенные годы.

Символ художественной и интеллектуальной моды

Кубизм был стилем с претензией. Это было иконоборчество, вызов. Он был сосредоточен на идеях, а не на красивых картинках. Но он захватил дух эпохи – эпохи сложных французских музыкантов Клода Дебюсси (1862-1918), Эрика Сати (1866-1925) и Мориса Равеля (1875-1937), и аналитический кубизм, в частности, соответствовал идеям французского философа Анри Бергсона (1859-1941), чья концепция одновременности утверждала, что прошлое перекликается с настоящим, которое впадает в будущее. Между тем изобразительное искусство находилось на распутье. Импрессионизм был вчерашней модой, Belle Epoque парижского плаката закончилась, Тулуз-Лотрек был мертв, модерн находился в упадке и даже красочный фовизм иссякал. В то же время политическая температура в Европе повышалась, открывая ужасные стороны войны и хаоса. В своем нападении на старые черты искусства эпохи Возрождения, кубизм отражал призывы к переменам во многих других дисциплинах, а также в мире в целом. Объяснение некоторых великих кубистских работ Пикассо и других: Анализ современной живописи (1800-2000).

Кубистская скульптура

Как и конструктивизм, она была слишком радикальной, чтобы стать неотъемлемой частью художественного мейнстрима. Несмотря на это, идеи кубизма были также поглощены и адаптированы теми, кто работал в других дисциплинах, таких как абстрактная скульптура, а также архитектура и прикладное искусство. Кубистская скульптура развивалась из коллажа и папье-сосуда , и подавалась в сборку. Новые методы не только освободили скульпторов для использования новых предметов, но и побудили их думать о скульптурах как о построенных, а не только смоделированных объектах. Математические и архитектурные качества, найденные в работах Гриса, были здесь очень влиятельными, как это видно из работ Архипенко и Осипа Задкина, Раймона Дюшана-Виллона и Анри Лоренса, литовца Жака Липшица, французского скульптора венгерского происхождения Жозефа Чаки (1888-1971), а также чешских скульпторов Эмиля Филлы (1882-1953) и Отто Гутфройнда (1889-1927).

Известные произведения в стиле кубизм

Пикассо (1881-1973)
Голова женщины (1909) МоМА, Нью-Йорк.
Гитара (1912) Музей Пикассо, Париж.

Раймонд Дюшан-Виллон (1876-1918)
Большая Лошадь (1914) Национальный музей современного искусства, Париж.

Анри Лорен (1885-1954)
Голова женщины (1915) МоМА, Нью-Йорк.

Александр Архипенко (1887-1964)
Ходьба женщины (1912) частная коллекция.
Походный солдат (1917) частная коллекция.

Наум Габо (1890-1977)
Голова женщины (1917-20) МоМА, Нью-Йорк.

Жак Липчиц (1891-1973)
Человек с гитарой (1915) МоМА, Нью-Йорк.
Матрос с гитарой (1915) Национальный музей современного искусства, Париж.
Купальщики III (1917) Фонд Барнса.

Кубистский дизайн в Чехословакии

Чешские художники, скульпторы, дизайнеры и архитекторы с энтузиазмом восприняли кубистские теории дизайна, которые перевели характеристики кубистской живописи (упрощенные геометрические формы, контрасты света и темноты, призматические грани, угловые линии) в архитектуру и декоративное искусство. В том числе мебель, ювелирное искусство, посуду, керамику и ландшафтный дизайн. Самыми заметными были члены группы художников-пластиков , которая была основана в 1911 году Филлой, чтобы сосредоточиться на кубизме. Группа работала в Праге до 1914 года и включала в себя скульпторов Филлу и Гутфройнда, а также архитекторов и дизайнеров Павла Янака, Йозефа Гокара (1880-1945), Йозефа Хохоля (1880-1956), Власлава Хофмана (1884-1964) и Отокара Новотны. Гутфройнд публиковал влиятельные статьи в ежемесячном журнале группы.

Дом Черной Мадонны (1911-12), универмаг, спроектированный Гокаром, был первым произведением кубистской архитектуры. Расположенный на первом этаже Grand Cafe Orient с кубистским интерьером и кубистскими светильниками, он быстро стал местом встречи авангарда вплоть до его закрытия в середине 1920-х годов. В настоящее время здание является частью Чешского музея изобразительных искусств. Здесь находится Музей чешского кубизма, который был открыт в 1994 году и содержит постоянную выставку картин, мебели, скульптур и фарфора. Чешский музей кубизма также содержит выставку коллажей чешского художника и поэта Иржи Колара, который также работал во Франции. Его идеи позже представили коллаж в более широком контексте. Париж, возможно, был местом рождения кубизма, но именно в Праге его возможности были исследованы наиболее полно.

Наследие

В конечном счете, кубизм сам по себе менее важен как художественный стиль и более важен как показатель того, что возможно в изобразительном искусстве. Он расширил границы искусства, включив альтернативы традиционной единой точке зрения; он продемонстрировал, что изобразительное искусство могло быть сделано из чего угодно, даже обломков мусора; и он поднял важные вопросы о природе реальности в искусстве. Это было одно из самых важных движений, связанных с Парижской школой и внесло значительный вклад в авангардное искусство в начале 20-го века. В частности, кубизм оказал широкое и постоянное влияние на самые разнообразные движения живописи, в том числе, что наиболее важно, футуризм (c.1909-14) – см., Например, « Женщина на балконе» (1912, частная коллекция) Карло Карра (1881-1966). Другие движения и стили под влиянием кубистских мотивов включают в себя: французский орфизм (c.1910-13), английский вортицизм (c.1913-19), русский лучизм (c.1912-15) и конструктивизм (c.1914-25), голландская дизайнерская группа Де Стейл (1917-31), а также американские стили, такие как синхромизм (c.1913-18) и Прецизионизм (1920-е годы). Его анти-художественные элементы стимулировали появление Дада в 1916 году и сюрреализма в 1924-м.

Величайшие кубистские картины

Пабло Пикассо
Дома на холме (1909) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Женщина с веером (1909) Музей Пушкина.
Портрет Амбруаза Воллара (1910), Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина.
Девушка с мандолиной (Фанни Телье) (1910) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Натюрморт с креслами-стульями (1911-12) Музей Пикассо, Париж.
Три музыканта (1921) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Герника (1937) Музей королевы Софии, Мадрид.
Плачущая женщина (1937) Коллекция Тейт, Лондон.

Жорж Брак
Дома в L’Estaque (1908) Kunstmuseum, Берн.
Large Nude (1908) Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду.
Натюрморт с сельдями (1909-11), МоМА, Нью-Йорк.
Португалия (1911) Художественный музей, Базель.
Фруктовое блюдо и бокал (1912) частная коллекция.

Хуан Гри (1887-1927)
Портрет Мориса Райнала (1911) частная коллекция.
Портрет Пабло Пикассо (1912) Художественный институт Чикаго.
Скрипка и гитара (1913) частная коллекция.
Натюрморт с фруктами и бутылкой воды (1914) Музей Кроллера-Мюллера, Оттерло.
Упаковка кофе (1914) Музей Ульмера, Ульм.

Фернан Леже (1881-1955)
Обнаженная в лесу (1909-11) Кроллер-Мюллер, Оттерло.
Свадьба (1911) Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду.
Солдаты за игрой в карты (1917) Государственный музей Кроллера-Мюллера, Оттерло.

Марсель Дюшан (1887-1968)
Обнаженная, спускающаяся по лестнице (№2) (1912) Филадельфийский художественный музей.
Король и королева перед быстрым обнаженным на высокой скорости (1912) Филадельфия.

Робер Делоне (1885-1941)
Окно (1912) Коллекция Мортона Дж. Неймана, Чикаго.
Круговые формы: Солнце и Луна (1912) Kunstmuseum, Цюрих.

Фрэнсис Пикабиа (1879-1953)
Удни, молодая американская девушка (1913) Национальный музей современного искусства.

Альберт Глезес (1881-1953)
Портрет Жака Найрала (1911) Тейт Модерн, Лондон.
Женщина с животными (1914) Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция.

Жан Метцингер (1883-1956)
Время чая (Женщина с чайной ложкой) (1911) Филадельфийский художественный музей.
Танцор в кафе (1912) Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало.

Лионель Фейнингер (1871-1956)
Францисканская церковь (1924) Staatsgalerie, Штутгарт, Германия.

Роджер де ла Фресне (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Музей Метрополитен, Нью-Йорк).

Источник