Как звучит пианино в разных стилях музыки?
Пианино – это замечательный музыкальный инструмент с длинной и увлекательной историей, которая насчитывает более трех столетий. Оно не только завоевало любовь музыкантов благодаря красивому и гармоничному звучанию, но и внесло определенный вклад в развитие всего музыкального искусства. Несмотря на то, что классические акустические модели остаются для многих музыкантов в приоритете, цифровые пианино не отстают и все больше набирают популярность.
Купить пианино в Минске сегодня — не проблема, а вот подобрать клавиши для души – искусство, учитывая, что сам инструмент используется для воспроизведения широкого диапазона музыкальных произведений.
Вдохновленные этим инструментом, мы решили посвятить статью его многогранному звучанию!
Использование пианино в блюзовых произведениях
Особенность звучания пианино в блюзовых произведениях заключается, прежде всего, в характерной линии баса, исполняемой левой рукой, сильной и ритмичной, которая сочетается с не менее яркой партией правой руки. Вместе они создают иллюзию «сворачивания», когда басовые ноты, острые и четкие, звучат до нот импровизационной мелодии. Такая техника хорошо вписывается в формат соло выступлений, а также в составе ансамбля. Из пианино также получается идеальный аккомпаниатор блюзовых песен.
Пианино и джаз
Для этого музыкального стиля пианино может быть, как самостоятельным музыкальным инструментом, так и использоваться в составе джаз-бэнда. Разнообразие джазовых вариаций на пианино поражает и тем самым, возвышает его среди других акустических инструментов. Ведь его диапазон превышает 7 октав, а играть можно до 10 нот одновременно, именно поэтому на нем можно исполнять, как басовые, так и соло партии. Конечно, все зависит от мастерства исполнителя.
В том случае, если пианино выступает в качестве аккомпаниатора, важно понимать, что пианист, прежде всего, сосредотачивается на обрамлении соло другого инструмента, будь то, к примеру, саксофон или труба. Мелодия дополняется сложными аккордами и короткими мелодичными связующими пассажами, которые не перегружают основную тему.
Так как джазовая музыка построена на импровизациях, характерным для этого стиля фортепианным звучанием является сочетание мелодии в правой руке и аккордов в левой или наоборот.
Пианино в классической музыке
В этом музыкальном направлении с пианино очень трудно соперничать, так как именно оно чаще всего выступает замечательным аккомпаниатором для других музыкальных инструментов, а благодаря широкому диапазону звучания достаточно часто используется в качестве самостоятельного исполнителя. Именно для пианино написано большое количество классических произведений, а сам инструмент является номером один для композиторов и музыкантов. Пианино способно играть звуки, с одинаковой легкостью извлекая тончайшие выражения музыкальной идеи, согласованно, или, напротив, контрастируя с остальными инструментами в составе.
В классической музыке сложно выделить наиболее характерное звучание для пианино, а сами по себе классические жанры обладают совершенно разным темпераментом и настроением. Единственное, что точно можно сказать: у произведений есть мелодия и развитие, а вместе звучание инструментов представляют собой единый гармоничный организм, который пробуждает в нас лучшие чувства.
Пианино в популярной музыке
В популярных музыкальных жанрах чаще всего используются цифровые модели пианино, так как они наиболее удачно вписываются в электронное звучание большинства современных музыкальных направлений, будь то рок, поп, танцевальная музыка и многие другие стили. Сложно сказать, какое звучание пианино является наиболее характерным для каждого из них, но широкие возможности цифровых моделей позволяют воспроизводить на них полноценные композиции с использованием дополнительных звуков, тембров и аккомпанимента. Именно поэтому купить пианино в Минске, а именно их цифровые модели, для многих музыкантов и родителей, отдющих детей в музыкальную школы, намного выгоднее.
Пианино в популярной музыке также является идеальным аккомпаниатором и при умелой аранжировке композиций получает совершенно иную окраску звучания.
Источник
Подбор инструментов в аранжировке для дальнейшего сведения. Советы.
Привет всем аранжировщикам и битмейкерам!:) Я расскажу о том, как можно сделать правильный звук инструментала с самых первых этапов его создания. Хочу сразу предупредить, что никаких правил тут не будет — каждый создаёт аранжировку и сводит её по-своему, и это очень хорошо. Я лишь делюсь своими некоторыми наблюдениями, которые любой прочитавший может себе взять на заметку. В этой статье я ориентируюсь на современный звук.
Подбор инструментов в аранжировке для дальнейшего сведения. Советы.
Многие начинающие музыканты полагают, что качество звучания микса зависит от его сведения и мастеринга, и совсем не подозревают, что работа над выразительностью и отчётливостью каждого инструмента начинается с самого начала создания минуса (или полноценной композиции). Каждый инструмент в миксе должен играть свою роль — ритмическую, мелодическую, аккомпанемирующую, придание динамики и т.д. Если никакой конкретной роли инструмент/звук не играет, то он в миксе не нужен. Каждый инструмент «сидит» в определённом диапазоне частот, точнее, определённые частоты каждого инструмента его и характеризуют в миксе как тот или иной инструмент. Очень важно не забывать про это.
Уже на этапе создания минуса при подборе какого-либо инструмента аранжировщик должен задумываться, не мешает ли он другим инструментам в частном плане, а если мешает, возможно ли это исправить на этапе сведения, не испортя всю прелесть его звучания. Солирующие инструменты (соло-партии пиано, духовых, скрипичных, синтетических инструментов и т.д.), играющие разные мелодии, должны звучать в разных октавах, иначе неизбежна неразбериха. Исправлять такую «кашу» на этапе сведения подрезанием частот — значит портить звук инструмента (-ов).
Итак, начнём с бочки и баса.
Бочка (kick).
К этому инструменту нужно подходить с особой ответственностью, потому что её характер, звучание задают «фирменность» инструментала. Хорошо звучащая пара «бочка-бас» — это 50% успеха микса. Можно сначала подобрать бочку, затем к ней подбирать бас, а можно наоборот.
Бочка в любой современной музыке имеет «вкусную» частотную часть в низах — 50-100гц. У некоторых бочек это настолько выразительно, что они даже имеют слышимую тональность. В этом случае нужно также работать с её высотой, чтобы она звучала «в ноту» с басом. Или просто подрезать очень узкой полосой эквалайзера ту частоту, которая отвечает за её принадлежность к какой-то ноте. Но если вам не нужна «тональная» бочка, то лучше сразу поискать другую, нежели подрезать эту частоту.
Если бочка имеет выраженную сабовую часть, например, в 70гц, то саб-басу следует звучать в 50-60гц или 80-90гц — на это ориентироваться следует уже при выборе бочки. Именно бочки, а не баса, т.к. сабовая часть баса любого тембра будет звучать на одной и той же частоте, т.к. у инструментала есть конкретная тональность, независимая от подбора инструментов.
Будьте осторожны при лееринге бочек – они могут звучать в противофазе. Низкочастотную основу следует оставлять только от одной бочки, срезая её у второй (это решит и проблему противофазы, и конфликт тональностей).
Бас (bass).
Сферический бас имеет 3 составляющие — саб, мид и высокие обертоны. Всё это может содержать один звук, но многие аранжировщики (включая меня) чаще всего составляют бас из отдельного саба (40-100гц) и мида (100-300гц, а также он и содержит высокие частоты). Но мид-бас актуален только в том миксе, где нет других инструментов, звучащих в этом диапазоне (контрабас, низкая виолончель, низкие октавы пиано, гитарные риффы и т.д.). Если такие инструменты есть, то следует повнимательней отнестись к выбору баса, т.к. его 100-300гц могут повредить их восприятию. Если же в аранжировке будет низкий бас (саб), но не будет никаких низких инструментов, то в диапазоне этих 100-300гц может возникнуть «пустота». Тогда, как хорошо был бы ни сделан и ни сведён микс, какие бы интересные мелодии бы в нём ни были, у слушателя будет возникать навязчивая мысль — «чего-то не хватает», при том чего именно — никакой слушатель не сможет ответить. В этом случае необязательно возиться с самим басом, пусть остаётся какой есть, а можно например этот частотный диапазон «забить» игрой, например, на низких октавах на виолончели. Стрингс, любой синтетический пресет — неважно, наша задача — просто заполнить эту пустоту в нижней середине. Главное, чтобы этот «заполняющий» инструмент не помешал с одной стороны низкому басу, а с другой — инструментам на более высоких частотах:).
Сведение бочки и баса.
Итак, когда подходящая бочка с басом были подобраны, нужно довести звучание этой пары до хорошего профита. Любая бочка имеет низкочастотный пинок в диапазоне 90-120гц. Эту частоту необходимо найти узкой полосой эквалайзера, а потом её же глубоко срезать такой же узкой полосой у баса. Можно её даже приподнять у бочки, чтобы усилить этот пинок. Т.к. срез очень узкий, то бас от этого среза не пострадает, зато бочка будет бить более отчётливо. Зачастую даже после этого бочке не хватает отчётливости, тогда добавляем ей атаку любым звуковым дизайнером или компрессором. Я бы порекомендовал именно первый вариант, т.к. все шоты бочек в современных интернетах по умолчанию уже достаточно «прижаты» компрессором. Пример плагина — SPL Transient Designer.
Уже на этапе сведения бочки с басом можно повесить на мастер-секцию басовый сатуратор (например waves rbass) и выставить в нём частоту, согласно тональности вашей композиции, исходя из небольшой таблицы:
c = 66 Гц,
d = 74.25 Гц,
e = 82.5 Гц,
f = 88 Гц,
g = 49,5 или 99 Гц (самая неудобная, с точки зрения звукорежиссёра, тональность)
a = 55 Гц,
b = 61,875 Гц. Все кратные числа также подходят, как можно заметить.
Если используется waves rbass, то в нём по умолчанию очень большой уровень сатурации, поэтому ручку intensity опускаем до вменяемого предела. Именно сейчас вешать этот плагин следует потому, что остальные инструменты микса нужно обрабатывать уже учитывая эту сатурацию. Некоторые звукорежиссёры предпочитают не вешать подобные плагины на мастер-секцию, объясняя это тем, что эта обработка будет действовать и на те инструменты, которым это не нужно. Но запомните, если инструмент вообще не имеет низких частот (или если их срезать напрочь), то они и не будут «сатурироваться».
Если используется несколько тембров баса, то их тоже необходимо обработать, чтобы они звучали полноценно и не мешали друг другу. Но прежде, чем это делать, убедитесь, что каждый из этих басов действительно выполняет важную роль, исходя из частот. Один из них будет отвечать за сабовую часть, у всех остальных следует её щедро подрезать (включая и все низко звучащие инструменты). Мид-бас я могу посоветовать обработать каким-нибудь ламповым «утеплителем». Только этот процесс очень тонкий, и общими клише тут не отделаешься, поэтому всё зависит от вашего «звукового вкуса»:). Если композиция динамичная, то синтетический мид-бас также можно обработать любым овердрайвом (плагин, который делает зубчики пилы более острыми — например, Voxengo Tube Amp) — это сделает звучание баса более современным. Хотя злоупотреблять этим не стоит, т.к. может получиться слишком «грязно». Далее, у любого мид-баса есть довольно интересно звучащие частоты в районе 1-3кгц, можно попробовать поискать их и чуть приподнять полосой средней ширины. Если мид-басов несколько и они синтетические, то их все необходимо «прижать» общим компрессором (я бы рекомендовал несложный waves rvox).
Если всё сделано верно, то на данном этапе мы имеем хорошо бьющую бочку со вкусным басом.
Подбор других инструментов.
Весь дальнейший подбор инструментов в минусе зависит от задумки аранжировщика. Следует сразу представить, что мы хотим поместить в нижнюю и верхнюю середину, в область высоких частот. Вся дальнейшая обработка полностью зависит от характера игры на каком-либо инструменте и его роли в миксе. Помните, слушатель внимательно слушает только диапазон примерно 300гц-4кгц, остальные частоты как бы аккомпанемируют тому, что он слушает. Ниже 300гц — басы, которые создают кач. Выше 4кгц — верхи, которые создают эффект близости, живости. Поэтому не стоит в эти частоты помещать такие инструменты и мелодии на них, во что слушатель по вашей задумке должен вслушиваться и вникать. Исключение — импровизация на бас-инструменте, например, в джазе — возможна только при отсутствии других инструментов, играющих на более высоких частотах (не считая барабанов).
Игра на любом инструменте на нижних октавах целесообразна только в случае, если бас-инструмент концентрируется только в самых нижних частотах (до 100гц), а выше имеет только необязательные обертоны, которые всегда можно подрезать. Также, у всех инструментов, кроме бочки и баса, необходимо значительно подрезать низы.
Если в инструментале задумывается лидирующий инструмент, то в те частоты, которых он концентрируется, следует не «сажать» другие инструменты. Проще говоря, на каждой октаве в идеале должен быть только один инструмент. Однако это не относится к фоновым аккомпанемирующим инструментам — пады, стринги и т.д., потому что у них всегда можно будет подрезать даже их основную частоту. На восприятие микса это повлияет слабо, т.к. слушатель их не слушает, слушатель их просто слышит.
Крайние верхи (от 8кгц).
Первое, что отличает плохое качество аудио от хорошего — характер звучания крайних верхов. Их должно хватать, но они не должны быть навязчивы, иначе слушатель воспримет это как резь (и правильно сделает). Я анализировал качественное аудио западных исполнителей и могу сказать, что практически всегда в этих частотах звучат только барабаны, никаких инструментов. Это: малый барабан (snare), хэты (hat), шейкеры (shaker), треугольник (triangle), другая высокочастотная перкуссия. Барабаны, звучащие на таких верхах, не должны быть тягучими (это будет резать уши), они должны быть короткими и чёткими. Если подбирается хэт, то чем он выше звучит, тем короче должен быть. Что касается коротенькой и редко бьющей высокочастной перкуссии — такие инструменты очень любят, когда их раскидывают по панораме, даже очень сильно. Коротенький звук треугольника, иногда звучащий из правой колонки — уже классика жанра любых композиций в медленном темпе:).
Расчёт на голос.
Необходимо помнить, что аранжировка для песни и полноценная музыкальная композиция, не подразумевающая голос — совершенно разные вещи. Голос — такой же инструмент, требующий для выразительного звучания частотную «яму» под себя.
Если минус создаётся под голос конкретного человека, целесообразно проанализировать его голос на тембральность, оставив в минусе соответствующий диапазон частот пустым. Если голос высокий, значит, поменьше сосредотачиваем инструменты на высоких октавах, при этом щедро забивая зону середины и нижней середины. В случае низкого голоса как раз нижнюю середину оставляем пустой. Бывает, что отличный по качеству фирмовый минус никак не сочетается с голосом не менее отличного вокалиста, и никаким сведением это не исправить.
Пара слов об эквализации.
По интернету блуждает клише, что в плюс работать эквалайзером нельзя. Почему же, очень даже можно. Но бессмысленно поднимать те частоты какого-либо инструмента, которых в нём нет или ничтожно мало. Появится только гул или режущие уши призвуки. Работа в плюс эквалайзером — это подъём только доминантных частот инструмента, которых просто чуть не хватает в миксе или которые надо получше выделить. Однако, если требуется выделить какую-то частоту, то сначала следует попробовать подрезать обертона, и только если это не приводит к хорошему результату, поднимать нужную.
Сведение — это не создание западного качества из какофонии, это всего лишь корректировочная обработка для лучшего звучания. Поэтому хорошо звучащий микс — это, прежде всего, очень тонко настроенный слуховой аппарат аранжировщика для грамотного подбора инструментов и звуков в миксе.
Источник