Гатри гован гитара творческий подход

Название: Гитара — творческий подход. В 2-х книгах (+CD)
Автор: Гатри Гован
Издательство: Креатон
Год: 2013
Страниц: 145 + 137
Формат: pdf + mp3
Аудио: 2 часа 15 мин. (128 кбит/сек.)
Размер: 165 mb + 151 mb

Серия «Гитара — творческий подход» состоит из двух книг, цель которых показать отчаявшемуся рок — гитаристу новые направления в исследовании искусства игры. Данная книга подробно расскажет о том, как расширить свой потенциал путем оттачивания техники, что позволит вам овладеть более сложными риффами и соло.

Книга 1. Базовая техника
В книге «Гитара — творческий подход 1» рассматривается также вызывающий наибольшее количество страхов вопрос о музыкальной теории, и показываются способы ее применения в реальных ситуациях. Вооружившись записанными на CD — диске примерами каждой пентатоники, минорных арпеджио и аккомпанемента, вы сможете сделать гораздо больше, чем просто заучить все соло и лики нота в ноту. Пошаговые инструкции, представленные здесь, в сочетании с вашим собственным стилем игры помогут вам развить ваши творческие способности, и вырасти в своей игре на гитаре.

Книга 2. Продвинутая техника
Во второй книге этой серии рассматриваются понятия более высокого порядка, с опорой на знания, полученные из первой книги. В книге «Гитара — творческий подход 2» глубоко исследуются различные техники, находящиеся в арсенале современных звездных гитаристов, среди них — восьмипальцевый тэппинг, имитация губной гармошки и других инструментов. На прилагающемся к книге CD — диске вы найдете огромное количество рифов и примеров, иллюстрирующих упражнения и техники, так гитарист сможет значительно расширить свой лексикон новыми музыкальными идеями и стилями игры, звучащими профессионально, но ничуть не усложняющими жизнь. Каждой новой техникой, разложенной «по полочкам» и представленной максимально просто, «Гитара — творческий подход 2» выведет ваши навыки игры на гитаре на новый уровень.

Гитара — творческий подход. Книга 1. Базовая техника (+CD)

Гитара — творческий подход. Книга 2. Продвинутая техника (+CD)

Источник

Игра на гитаре руками

Гатри Гован. Гитара – творческий подход. (Глава 2. Техника. Часть 6.)

Когда мы просто слушаем музыку, то большинство из нас легко может кивать или топать в такт музыке — признаюсь, одна из моих самых радражающих черт это склонность выстукивать ритм по столу каждый раз когда меня захватывает какой-нибудь музыкальный фрагмент. Проблема многих гитаристов в том, что они моментально забывают о своей способности чувствовать музыку, когда вешают на шею гитару.

Оригинал: Creative Guitar 1: Cutting Edge Tech by Guthrie Govan

Тайминг

Тайминг это ещё один ключевой аспект игры на гитаре, который, я думаю, упускают многие «диванные» гитаристы. Представьте что через каждый музыкальный отрывок проходит эдакая ритмичная пульсация, а ваша задача музыканта, почувствовать её, топать под неё ногой как уличный музыкант, раскачиваться как металюга или кивать как басист (посмотрим правде в глаза, каждый басист на этой планете предрасположен к тому, чтобы периодически «фанково» кивать. У меня есть друг басист, когда кто-то комментирует его неотразимый стиль кивания во время игры, он всегда отвечает одинаково: гордо улыбается и заявляет «Это я научил голубей!»).

Когда мы просто слушаем музыку, то большинство из нас легко может кивать или топать в такт — признаюсь, одна из моих самых радражающих черт это склонность выстукивать ритм по столу каждый раз когда меня захватывает какой-нибудь музыкальный фрагмент. Проблема многих гитаристов в том, что они моментально забывают о своей способности чувствовать музыку, когда вешают на шею гитару. Я понимаю что игра музыки требует кучу разных специальных умений, которые не нужны когда вы её просто слушаете, но не забывайте, что если кто-то другой услышит вас и ваш ритм не будет звучать и ощущаться правильно, то ему не понравится.

В качестве занимательного отступления. Я как-то читал об одном этномузыковеде, который ездил по миру изучая разные формы народной музыки. Так вот он обраружил, что средний темп музыки зависит от среднего роста и телосложения в племени, где её исполняют. В общем, получалось, что музыка Пигмеев быстрее и энергичнее, чем музыка Тутси, поскольку у Тутси длиннее конечности и размахивать ими получается медленнее, чем короткими конечностями Пигмеев. Каждому телосложению присущ свой диапазон темпа, в котором танцевать легче и комфортнее.

Почему я об этом упомянул? Просто потому, что, мне кажется, это хорошо иллюстрирует насколько важно чувствовать грув (слово groove в данном значении не имеет прямого аналога в русском языке, в одном хорошем словаре оно описывается как «ритмические характеристики душевной, хорошо передающей эмоции музыки» — прим. переводчика). Если вы обратите внимание на музыку, так называемых, «примитивных» культур, то заметите, что она развилась исходя из того, чтобы её было легко воспринимать, и людям было удобно и приятно танцевать под неё. И конечно, если вы сначала сходите на выступление Slipknot, потом на бальные танцы, а затем сравните средний возраст аудитории со средним темпом музыки на каждом представлении, то придёте к подобным же выводам.

В конечном счёте вы начнёте чувствовать пульсацию внутри, и вам не нужно будет для этого никаких физических движений, но никогда не будет лишним делать какие-нибудь не относящиеся напрямую к гитаре ритмичные движения — чем больше ваших чувств задействовано в создании музыки, тем лучше вы звучите. Основная цель в том, чтобы какая-нибудь часть вашего тела чувствовала основную пульсацию музыки, независимо от ритма или технической сложности, собственно, гитарной партии. Можете называть это «бэкбит» (задний=аккомпарующий ритм) или «внутрениий ритм», да как хотите называйте, главное зарубите себе на носу, что это важнейший аспект качества вашей игры, независимо от музыкального контекста.

NB: Последующие идеи применимы к любому музыкальному размеру, но для ясности я оговорю, что вся музыка, о которой мы будем говорить, содержит 4 доли в такте — т.е. четыре сильных, равномерных пульса, которые повторяются снова и снова. Большинство популярной западной музыки так и устроено. Полагаю, тот факт, что чаще всего композиторы выбирают четное число долей, не должен удивлять. Это не просто традиция, которую на нас наложила теория музыки; просто это ощущается нормально. (Полагаю, это следствие того, что человеческое тело работает подобным образом — вспомните сердечный ритм, чередование «левой-правой» при ходьбе, цикл «внутрь-наружу» при дыхании или цикл «внутрь-наружу» связанный с другой фундаментальной человеческой активностью, о которой поётся в большинстве популярных песен…).

Человечность

Ни для кого не секрет, что лучший способ отточить свой тайминг это использовать какое-нибудь устройство отмеряющее время в процессе игры. Чаще всего это метроном, но очень неплохо играть также вместе с CD, либо под какой-нибудь минус — а их сейчас очень много в магазинах — либо под записи своих любимых исполнителей. Это не только сделает ваши тренировки приятнее добавив качественный, профессионально исполненный ритм, но и поможет вам лучше чувствовать музыку — джемуя под записи Боба Марли, вы гораздо быстрее научитесь исполнять ленивый ритм, чем в компании холодного, лишенного эмоций тиканья метронома. Более того, я считаю, что очень важно исполнять музыку с живыми людьми — каждый раз, когда подворачивается возможность, вы должны джемовать как можно больше. Работа с живыми людьми, достижение совместного грува это архиважное умение, оно гораздо важнее для музыканта, чем умение играть соло. В отличие от метронома, живые люди ускоряются исполняя эмоциональные партии, замедляются, когда устают и так далее. «Человеческий» ритм качественно отличается от механического, и хотя технически он может быть немного хуже, но порой он придаёт музыке необходимую человечность.

Чтобы подчеркнуть важность человечности, подумайте минутку об эволюции электронной и компьютерной музыки. Когда появились первые драм-машины, то их основным рыночным преимуществом (ну, кроме того, что не нужно платить живому ударнику!) был идеальный тайминг — что бы вы не запрограммировали в них, это дискритизировалось и каждый кусочек воспроизводился с математической точностью. Они, определённо, оказали огромное влияние на развитие некоторых музыкальных жанров — например, если бы не появились Roland 808 или 909, то современная танцевальная музыка была бы совсем другой — но ведь никто не считает, что драм-машины звучат в точности как живой барабанщик.

На самом деле, часто из-за небольших неточностей трек звучит лучше. Это факт находит отражение и в развитии технологии. Например, помнится, в 80-х я купил драм-машину в которой была заявлена функция «Human Feel» (приблизительный перевод «Как человек»). Идея состояла в том, что сначала я задавал паттерн ударных с хирургической точностью, а затем просил машину добавить маленькие ошибки, типа небольшого запаздывания малого барабана или неточности в паттерне хай-хэта. Возможно, это звучит как не самая лучшая идея — сомневаюсь, что общественность хорошо воспримет, например, внедрение «человечных автомобилей», с тормозами гарантированно работающими в 95% случаев, которые делают вождение более захватывающим — но в музыке это срабатывает. (Возможно, именно по этим же причинам демонстрационные мелодии в домашних электронных пианино звучат как-то неправильно — они просто слишком идеальны, и поэтому неубедительны).

Современные программы-секвенсоры пошли ещё дальше. Например, вы можете запрограммировать дискретизированный паттерн ударных, а потом перетащить аудио-отрывок с нужным вам грувом поверх MIDI. Компьютер подгонит сетку дискретизации так, что если, например, во взятом отрывке Стива Гадда вторая и четвёртая доли слегка запаздывают, то все вторые и четвёртые доли в паттерне будут слегка запаздывать. Я даже не знаю, что меня больше поражает, сам факт того, что такие технические трюки возможны или ирония того, что огромное количество программ и технологий пытаются достичь того же эффекта, который мы, слабые углеродные формы жизни, легко создавали без всяких технологий на протяжении пары тысяч лет!

Следующий пример это увеличение роли сэмплеров в современной музыке. Можно сказать, что сэмплеры оказали столь же решающее влияние на современную музыку, как несколько десятилетий назад электрогитара. Думаю здесь важно понимать, что сэмплеры созданы как устройства для воспроизведения звучания другого инструмента — если хотите звучать как ударная установка, то можете записать отдельные звуки каждой части установки, назначить их на разные ноты в MIDI и запрограммировать, что хотите. Разумеется, сообщество танцевальной музыки быстро осознало преимущества записи цельных «лупов» ударных, а не отдельных звуков. В цельном «лупе» остаётся больше натурального грува, а конечный результат звучит более человечно. (Кроме того, если вы можете работать с большими кусками информации, это занимает меньше времени. Бьюсь об заклад, что многие трэки ударных и басов никогда бы не были дописаны до конца, если бы создателям пришлось программировать их удар за ударом!).

Хочу обратить ваше внимание, мои рекомендации вовсе не означают, что играть «не в ритм» это хорошо. На самом деле я пытаюсь сказать, что опытные музыканты точно знают когда сыграть ноту, чтобы она достигла максимального эффекта, и что это место, в которое они ставят ту или иную восьмую ноту, может отличаться от места, куда эту же ноту поставил компьютер. Крайне важно играть ноты вовремя; но наши уши достаточно искуссны в этом вопросе чтобы принимать решение самостоятельно, без советов машины.

Однажды я записывал басовую партию в студии оснащённой записывающей системой на жестких дисках. В основном, всё что нужно было делать с этой машиной, это сказать ей какой у записываемого отрывка был темп и она замечательным образом помогала найти места вроде «такт 5, доля 2″; в остальных счётчиках приходится использовать единицы измерения типа минут, секунд или дюймов ленты. Так вот, продюсер уверенно сообщил мне, что моя первая нота в пятом такте запаздывает на 5/96 доли, и его это сильно озаботило. После небольшого обсуждения мы решили проверить первые ноты в других тактах отрывка и обнаружили статистическую последовательность «запаздываний» образующую ряд 4/96, 5/96, 5/96, 4/96, 5/96, 6/96, 5/96 и т. д. Было решено, что если ноты постоянно запаздывают на примерно одну и ту же величину, то на то есть причина. Мы даже пробовали «подвинуть» на записи ноты вперёд, чтобы они приходились точно на своё место, но сошлись во мнении, что результат звучит холоднее, стерильнее, и, как ни странно, с худшим, чем в оригинале таймингом.

Думаю это хорошо иллюстрирует разницу между человечностью и просто плохим таймингом. Если бы график задержек каждой ноты выглядел как 2/96, 4/96, -10/96, 21/96, 5/96, то я бы несомненно признал свою вину, тут не постоянного рисунка, а у слушателя складывается впечатление, что эти различия симптом скорее небрежности, чем преданности груву.

Использование метрономов

Возможно, мои предыдущие утверждения прозвучали не в пользу метрономов. Невозможно преувеличить важность игры с другими людьми, но чтобы немного поправить баланс, я дам вам несколько советов о том как правильно использовать метроном. Когда я преподавал технику в классе гитары, мне порой приходилось показывать разным группам студентов одни и те же упражнения в разных темпах по восемь часов подряд. Когда я прерывался для словесных объяснений, то понимал, что должен выключить метроном, если хочу сохранить своё психическое здоровье. Непрерывное би-биканье очень быстро утомляло!

(Могу упомянуть и другие неприятные ситуации, например, однажды мне пришлось объясняться с таможенниками у которых возникли вполне понятные вопросы по поводу зловещего тиканья из моей ручной клади. Разумеется, это был метроном, каким-то образом он включился в сумке сам собой и начал пульсировать в темпе 98bpm, к вящему любопытству других пассажиров.)

Но как только я начинал играть, то метроном сразу переставал быть надоедливым. Когда вы играете клик в клик с метрономом, то его звук фактически исчезает. Как известно, иногда при записи в студии приходится записывать ритмичную гитарную партию только под метроном, так что очень ценно уметь играть под такой минималистичный аккомпанемент.

Забавно, что многие, кто использует метроном в занятиях, полагают что он нужен для определения прогресса в скорости, то есть того как быстро они могут сыграть ту или иную вещь. На самом деле, иногда всё бывает с точностью «до наоборот». Вспомните до невозможности медленные, грозно-звучащие ритмы с альбомов Пантеры. Если вы попробуете сыграть под один из них, то заметите, что сохранять постоянный ритм в отрывке с темпом 40bpm сложнее чем в более привычном 98bpm. Попробуйте выставить свой метроном на удобный для вас ритм — вероятно, где-то в пределах 80-120bpm — и сыграть простой ритм, настолько аккуратно, насколько возможно. Когда начнёте чувствовать темп, то начинайте замедлять темп метронома небольшими шагами, пока не доберётесь до предела, после которого ритм уже не чувствуется вовсе. Способность сохранять темп в основном зависит от вашей способности предвидеть, когда раздастся следующий клик, и от умения поправлять себя, когда ваше предположение расходится с реальностью. Вы поймёте, что чем дальше клики удаляются друг от друга, тем больше у вас шансов совершить ошибку. В этом и заключается сложность…

Немного более простой вариант описанного выше: вспомните любое упражнение, которое вы можете без труда сыграть в темпе 120bpm (фактическая сложность упражнения не важна, главное, чтобы вы хорошо знали как его играть). Если вы играете его с метрономом на скорости 120bpm, то клики выпадают на 1, 2, 3 и 4 доли такта. Если вы попробуете играть то же упражнение на той же скорости, но установите метроном на 60bpm, то клики будут отмерять только 1 и 3 доли такта. Вам всё также нужно помнить темп (а он не изменился, по сравнению с предыдущим разом), но теперь вам нужно помнить темп в два раза дольше — вы получаете всего два напоминания за такт, а не четыре, как раньше. Продолжая идею до но логичного (хоть и не изящного) конца, попытайтесь выставить метроном на 30bpm и посмотрите, сможете ли вы сохранять темп.

С метрономом можно придумать много забавных штук! Давайте вернёмся к ранее рассказанному анекдоту об игре на басу, тот в котором ноты запаздывали на 5/96 доли. Если вам интересно почему так получалось, то попробуйте следующий эксперимент. Итак, вспомните типичную мотаунскую гитарную партию — знаете, такой простой, но эффектный трюк, когда вы играете только на вторую и четвёртую доли, извлекаете аккорд на высоких струнах и тут же глушите его. Для простоты будем играть один удар по аккорду A на вторую долю и один удар по аккорду D на четвёртую. Итак, берите свой верный метроном, выставляйте его на умеренный темп и играйте несколько тактов, попробуйте поймать ритм и играть настолько точно и «механически», насколько возможно.

Теперь очередь «человечности». Когда свыкнетесь с ритмом, спросите себя как он чувствуется. Чувствуется ли он спокойным, расслабленным или он воспринимается как энергичный? Как для вас ощущается темп? Было бы лучше, если в нём было немного больше энергичности? Он звучит деревянно или утомляюще? Звучит ли он так, что кажется лучше бы вы сыграли что-то другое? Учитывая всё это, попробуйте отыскать способ изменить ощущение от звучания не меняя темп на метрономе и не выбиваясь из него. Попробуйте сделать так, чтобы звучание стало нетерпеливым, энергичным, потом попробуйте сделать его сонным и ленивым. Это всё та же гитарная партия. Что вы можете в ней изменить, чтобы она начала передавать другие ощущения?

Если вы попробовали вышеописанное упражнение (а я настоятельно рекомендую сделать это, не смотря на то, как странно всё это звучит), то к чему вы пришли? Наверное, самый простой способ изменить ощущение от музыки это играть немного тише или немного громче, если конечно вы не прибегли к нечестному способу, и не добавили немного нот в отрывок! В любом случае, есть ещё один способ: что именно вы понимаете под «играть аккорды в одном ритме с медиатором»? Не важно играете ли вы стаккато или сразу весь аккорд, вы не сможете, по крайней мере медиатором, сыграть весь аккорд одновременно! Если вы играете даунстроком (движениями сверху вниз), то неизбежно, что низкие ноты прозвучат немного раньше высоких. С этим ничего нельзя поделать, но здесь напрашивается вопрос. Какая из нот аккорда должна звучать «во время»? Здесь вы, наверное, опять захотите включить метроном и сыграть ритм заново. На этот раз, попытайтесь сначала играть так, чтобы первая нота аккорда звучала вместе с кликом метронома, а потом повторите эксперимент, но так, чтобы с кликом звучала последняя нота аккорда.

Вы добьётесь двух разных ощущений, первое звучит немного вяло, второе немного поспешно, а если вы записали свой эксперимент, то послушайте его, и вы обнаружите, что ни один из вариантов, по сути, не звучит «не во время». Звучит ли одна версия более «правильно», чем другая? Может быть, истина лежит где-то посередине? Что получится, если вы сыграете тоже самое, но будете проводить по струнам быстрее или медленнее?

Вышеописанное, это необычное, но, надеюсь, интересное объяснение идеи, с которой вы, возможно, знакомы как «играть на опережение» или «запаздывая». Получается, что существует множество способов играть в ритм, не важно аккорды это или одиночные ноты, и каждый приносит что-то новое в ощущения от музыки, которую вы играете. Например, послушайте альбом Майлза Дэвиса «Kind Of Blue» (вообще, купите его — даже если вдруг он вам не понравится, что маловероятно, то он хорошо будет смотреться на вашем кофейном столике, излучая ауру культурности и утончённости на всякого, кто его увидит). Соло на трубе в этом альбоме звучат заметно лениво — некоторые ноты настолько опазывают, что звучат почти неправильно — но в целом создаётся впечатление, что парень, который их играет, это крутой джазмен (cat), который точно знает, что делает, и ноты он играет поздно не потому что плохой музыкант, а потому что чувствует, что они должны звучать именно так.

Если захотите ознакомиться с другой стороной шкалы апатичности, то послушайте ска. Возможно, записи напомнят вам упражнение основанное на мотаунском стиле, но сильно ускоренное и с озорным пренебрежением к таймингу. Аккорды вспыхивают так рано, как только можно, постоянно пытаются ускориться, но никогда на самом деле этого не делают, в результате создаётся устойчивое ощущение энергичности.

Свинг

Теперь обратимся к следующей необъяснимой и неисчисляемой области. На этот раз поговорим об ощущении свинга.

Свинг? Что это вообще такое? Я слышал, как это объясняют всякими джазовыми банальностями типа «Если ты не понимаешь, что это, то ты это не умеешь». Но я такой подход нахожу неэффективным, как минимум, любой может досконально понять идею свинга, но не знать, как это называется.

Чтобы помочь вам разобраться, я предлагаю ознакомиться со следущим объяснением, основанным на песнях Status Quo: в песне «Rockin’ All Over the World» свинга нет, в песне «Whatever You Want» есть.

Если вы захотите передать грув этих двух песен кому-нибудь, кто их никогда не слышал, то, скорее всего, вы попробуете напеть риффы из них. Конечно, «Rockin’ All Over the World» будет типа «На на на на на на на на», а «Whatever You Want» больше похоже на «ДАМ да-ДАМ да-ДАМ да-ДА-гы-да». (Уж простите за звукоподражание, это звучит довольно глупо, но это работает и это весело. Вообще, я думаю, что лучший способ оценить рифф, над которым работаешь, это напеть его голом в стиле «Бивис и Баттхед». Если он звучит хорошо, то ты близок к победе!) Можно сказать, что ощущение свинга во втором треке, это то, что придаёт ему «отскакивающее» звучание. Если в записи нет свинга, то это не значит, что она звучит хуже, просто её темп ощущается более математически, более точно.

Говоря более сухими словами: свинг ощущается в промежутках между основными долями. Предположим, вы считаете под метроном проговаривая «РАЗ и ДВА и ТРИ и ЧТЫРЬ и…» таким образом, что числа приходятся на удары, а «и» приходятся на промежутки. Каждый слог, с точки знения теории, аналогичен восьмой ноте, а пока «и» попадают посередине между долями, все восьмые одинаковы по длительности и ритм ощущается «ровно». Если вы попробуете считать «РАЗ и да ДВА и да ТРИ и да ЧТЫРЬ и да…» и при этом все слоги тоже будут равноудалены друг от друга, то вы разобьёте каждую восьмую ноту, не на две, а на три части, выделив, так называемые, восьмые триоли. И наконец, считайте тот же самый ритм, но не произнося вслух «и»; считайте в голове или беззвучно губами. Произносимые слоги очертят ритм свинга, как его обычно определяют. Считая таким образом, мы выделяем основные доли, делая звуки приходящиеся на «и» менее значительными, чем в «прямом» ритме.

Свинг делает грув более живым. Можно сказать, что это хорошо, но разумеется, не всегда к месту. Понимание сути свинга может быть хорошим подспорьем для вашей игры, но только, если вы используете его там, где он подходит. Если вы попробуете сыграть свинговую интерпретацию классических «прямых» риффов типа «Since You’ve Been Gone», «Sunshine Of Your Love» и, конечно же, «Jump», то результат будет банальным и даже комичным. С другой стороны, попытка втиснуть рифф из «Tie Your Mother Down» Брайана Мэя в рамки прямых восьмых нот — гиблое дело. Это просто будет звучать неправильно — тем не менее, конечно, никто не мешает вам попробовать самим!

Интересно, что когда вы играете гитарную партию вы сами можете изменять количество свинга. Но это столь же труднообъяснимая тема, как и игра с запаздыванием бита (на сленге ударников «игра в кармане» — прим. переводчика). Вам должно быть знакомы эти ленивые, медленные хип-хоп ритмы, в которых наличествует едва уловимый элемент свинга, а если вы слушали достаточно бибопа, то слышали достаточно композиций в которых свинг гораздо более ярко выражен. В любом случае, уверен, что ваше собственное понимание свинга это продукт вашей музыкальной диеты — когда вы оцениваете правильно ли или неправильно что-то звучит, то вы сравниваете это с музыкой, которую слышали до этого.

Более конкретный пример, вспомните классический «техасский шафл» с записей Стиви Рэй Вона типа «Pride And Joy». Такой ритм лучше всего играть так чтобы «и» возникали как можно позднее. Если вы пытаетесь улучшить свои навыки в этом стиле, то в качестве одной из главных вещей сосредоточьтесь на «количестве» свинга. Видеозаписи Стиви подсказывают, что он извлекает такие партии с помощью кругового движения кисти — выглядит так, словно он крутит большую катушку на удочке и немного притормаживает каждый оборот. Лично я не владею таким стилем игры, но думаю, что вы сможете достигнуть подобного результата хорошо рассчитанными движениями руки вверх и вниз. Если вы позволите руке задержаться в нижнем положении немного подольше, то потом можно резко подбросить руку вверх в последний момент, и успеть вовремя к следующей доле. Изменяя выраженность этого эффекта вы сможете добиться различных ощущений, одно из которых и будет то, что вам нужно.

И последнее на эту тему: всегда старайтесь, чтобы звуки извлекаемые даунстроком звучали вовремя, не важно при этом насколько неправильно будет звучать апстрок!

Ещё о метрономах

Не успели вы подумать, что я наконец перестал приправлять каждое предложение словом метроном, как я решил дать вам ещё одно упражнение с использованием, так скажем, щёлкающего приборчика. Попробуйте воспринимать клик как промежуток между долями, то есть так, чтобы на щелчок приходились «и» между основными долями, а не сами доли. Поначалу это может быть сложновато, но если вы запустите метроном в то время, когда будете проговаривать «и», то уже в промежутки можете добавить «1, 2, 3, 4″. Основную идею вы поняли — всё что надо делать, это осознать, что доли должны выпадать там, где вам это надо, а не тогда, когда вместе с кликом! Может облегчить задачу, если вы будете говорить «и» громче, чем числа. Этот подход заставляет вас уделять гораздо больше внимания пальцевому аспекту свинга, что весьма полезно.

Источник

Гатри гован гитара творческий подход

Гитара, Творческий Подход, Книга 1, Базовая Техника, Гован Г., 2013

Гатри гован гитара творческий подход

Игра на гитаре руками

Гатри Гован. Гитара – творческий подход. (Глава 2. Техника. Часть 6.)

Тайминг

Человечность

Использование метрономов

Свинг

Ещё о метрономах