Гитарист с двумя гитарами

Ритм-гитара >Как превратить две партии ритм-гитар из соперников в лучших друзей?

На мировой музыкальной сцене есть немало отличных групп, но также и нет недостатка в музыкантах классом ниже. То же можно сказать и о записях – какие-то уже стали классикой, а какие-то достойны лишь того, чтобы пылиться на полке. В силах любого гитариста сделать так, чтобы группа звучала хорошо как на сцене, так и на записи. Для этого важно научиться создавать гитарные партии, сочетающиеся и взаимодействующие друг с другом.

Задача – сыграть две партии для одной композиции так, чтобы они звучали по-разному и в то же время дополняли друг друга и музыку в целом. Запись двойных треков может также помочь при разработке интересных партий для живых выступлений.

Примеры в этой статье включают два трека – один звучит в левом канале, другой – в правом, что характерно для миксов. Если вы хотите прослушать одну гитару без другой, просто выберите соответствующий наушник и приложите его к уху. Кроме того, вы можете отделить партии друг от друга с помощью программы SoundSlice.

Если вы хотите, чтобы две гитарные партии хорошо звучали вместе, нужно, чтобы они отличались друг от друга. В данных примерах гитара на левой стороне – это Телекастер через усилитель Vox, а гитара с правой стороны – это бриджевой хамбакер через усилитель Fender. Звуковые отличия между двумя гитарами помогут вам отделить их друг от друга.

Эксперименты с каподастром

Помните: цель – сделать так, чтобы гитары звучали по-разному. Каждый элемент микса должен занимать свое место, и использование каподастра в разных позициях способствует этому. Если песня написана в тональности G, гитарист обычно играет первую ритм-партию без каподастра, а для второй ритм-партии ставит каподастр на третий лад и играет так, словно речь идет о тональности Е. Таким образом партии получают разные текстуры, ведь аккорды и фразы в G отличаются от аккордов и фраз в Е или в любой другой тональности. В Примере 1 вы увидите, как можно разнообразить самую простую аккордовую прогрессию меняя не только аккорды, но и ритм.

Внизу и вверху

Когда я играю композицию на сессии впервые или же выступаю с ней с новой командой музыкантов, я всегда смотрю, что делает другой гитарист. Играет ли он открытые аккорды или же просто бьет по нижним струнам? А может, он играет повторяющийся рисунок на высоких струнах? В любом случае я стараюсь не заходить на его территорию. Пример 2 – демонстрация того, как одна партия обеспечивает смены аккордов, а другая перемещается в их верхней части.

Глушить или не глушить?

Глушение ладонью – отличный прием для игры куплетов, но когда две гитары одновременно играют глушением, это может быть очень опасно, потому что если кто-то один выбьется из ритма, это прозвучит очень нехорошо. Есть способ обойти эту ловушку. Пусть одна гитара играет глушением ладонью, а другая тихо прикасается к струнам, не прерывая их звучания ( Пример 3 ). Ключевое слово здесь – тихо. Второй гитаре нужно следить за тем, чтобы она оставалась на том же или меньшем уровне громкости, что и гитара, играющая глушением. Иначе получится скорее перетягивание одеяла на себя, чем взаимная поддержка.

На пути к звездам

Возьмем большой припев или большое соло, где обе ритм-гитары должны следить за соблюдением пульсации и движения мелодии, подчеркивая при этом определенные доли. Одна гитара может акцентировать восьмые ноты и сильные доли, а другая – просто ударять по сильным долям, не прерывая звучание струн ( Пример 4 ). Короткие ноты продвигают музыку вперед, а длинные сохраняют единство музыкальной ткани.

Обращения аккордов

Эту технику можно комбинировать с приемами, которые мы обсуждали выше. Либо с ее помощью можно добиться того, чтобы обе гитары играли восьмые ноты с чистым звучанием. Если речь идет о двух электрогитарах, они обычно разделяются на левый и правый каналы, поэтому для получения яркого стереозвучания их партии должны отличаться. Пусть один гитарист играет обычные аккорды от тоники, а другой – первые обращения. Это как раз и создаст тот самый эффект стерео, который так нужен продюсеру и звукоинженеру. Партия из первых обращений сама по себе прозвучит довольно странно, но ведь аудитория никогда и не услышит ее в отдельности. Ее можно будет услышать только в сочетании с первой гитарой и с другими инструментами в миксе, поэтому важно, чтобы она звучала хорошо именно в этом контексте ( Пример 5 ). Контекст – очень важная вещь!

Переключения

Если вы играете сессию с другим гитаристом на электрогитаре, вполне естественно меняться друг с другом. Но когда одна и та же электрогитара отвечает сначала за первую ритм-партию, а потом за вторую, ситуация усложняется.

На первой партии можно оставлять пустые места, которые вы потом заполните второй партией. Это создаст чувство взаимодействия гитар. Так можно делать в рамках куплета или же меняться ролями при смене куплетов ( Пример 6 ).

Унисонные партии

Музыка профессионалов обычно создает впечатление «Мы так и планировали», а не «Понятия не имеем, что мы там записали». Самый легкий способ достичь первого эффекта – играть в унисон. Это означает какое-то время играть одинаковые партии ( Пример 7 ). Это очень хорошо работает между линиями вокала в куплете и в конце фраз, например, во второй половине четвертого такта фразы из четырех тактов.

Октавы

Это то же самое, что и унисонные партии, с тем отличием, что здесь требуется немного больше планирования, потому что необходимо разобраться с аппликатурами. Чаще всего игра в октаву звучит лучше и объемнее, чем игра в унисон ( Пример 8 ). Октавные партии также можно применять более свободно, чем унисонные. Многие известные хиты отличаются фразами во вступлениях, где каждая нота играется в октаву.

Гитарные гармонии

Эта идея опять же напоминает унисоны и октавы, но она несколько более сложна. Гармонии должны взаимодействовать не только друг с другом, но и с аккордами композиции, поэтому начинать такие эксперименты на сессии может быть довольно рискованно, если вы не уверены в том, что делаете. Но если у вас есть время, почему бы не поэкспериментировать. Главное не перестараться, ведь гитарные гармонии могут легко перегрузить песню. Лучше применять их в какой-либо конкретной секции песни, например, в соло или во второй половине второго куплета ( Пример 9 ).

Тишина – наш лучший друг

Отказ от одной или даже двух партий в первом куплете или в первой половине первого куплета может привести к тому, что после этого припев буквально «выстрелит» своим звучанием ( Пример 10 ). Отличная идея для вашего арсенала! Сложно сделать так, чтобы гитарная партия звучала объемнее, чем открытые аккорды на овердрайве, поэтому можно немного приглушить другие партии и приберечь грязь для тех моментов, когда она действительно нужна. Это, пожалуй, самая важная техника из всех, находящихся в вашем распоряжении… И самая легкая!

Хороший набор для аранжировки композиций!

Спасибо за интереснейший урок! Мы с братом разобрали и сыграли все упражнения в две гитары. Очень качественный и полезный урок.

Просто клад, для тех кто хочет звучать интересно.

Очень хороший и понятный материал. Спасибо за труд!

Источник

Гитара с двумя грифами (двойная, двухгрифовая)

Двойная гитара — это струнный музыкальный инструмент, имеющий дополнительный гриф. Такая конструкция позволяет расширить стандартный диапазон звучания.

История

История возникновения гитары с двумя грифами берет начало несколько столетий назад. Первые вариации носили имя гитары-арфы. Это отдельное семейство инструментов с большим количеством отрытых струн, упрощающих извлечение отдельных нот.

Похожий на современные акустические варианты изобрел Обер де Труа в конце XVIII века. В то время изобретение не получило широкого распространения.

Производители инструментов стали экспериментировать со сдвоенными моделями во времена популяризации свинга в 1930-1940х годах. В 1955 году Джо Банкер создал двойную модель Duo-Lectar в 1955 для обогащения звука своих композиций.

Первую широко распространенную гитару со сдвоенным грифом выпустила компания Gibson в 1958 году. Новая модель стала называться EDS-1275. В 1960-1970-х EDS-1275 использовали многие известные рок-музыканты, вроде Джимии Пейджа. В это же время Gibson выпускает еще несколько популярных моделей: ES-335, Explorer, Flying V.

Популярная разновидность двухгрифовой гитары имеет один гриф обычной 6-струнной гитары и второй, настроенный как 4-струнный бас. Пат Смир из Foo Fighters использует такой вид на концертах.

Часто используется тип гитары с двумя одинаковыми 6-струнными грифами, но настроенными в разных тональностях. В таком случае второй может быть задействован во время соло. Также второй набор струн может быть как акустическая гитара.

Менее распространенный вариант — смесь 12-струнного и 4-струнного басового. Модель Rickenbacker 4080/12 использовалась группой Rush в 1970-х.

Двойные бас-гитары также могут иметь одинаковые грифы с настройкой в разных тональностях. Обычный строй на таких инструментах: B-E-A-D и E-A-D-G. Существуют вариации с одним обычным и вторым безладовым.

К экзотическим варианта относятся гибридные модели. У таких моделей рядом с гитарным расположен гриф другого инструмента, вроде мандолины и укулеле.

Известные гитаристы

Большинство известных гитаристов, использующих двухгрифовую гитару, играют в жанрах рока и метала. Джимми Пейдж из Led Zeppelin начал играть на двойной модели еще в 1960-х. Одна из самых известных его композиций — Stairway to Heaven. Соло в песне исполнено на втором грифе.

Другие популярные гитаристы: Дейв Мастейн из Megadeth, Метью Беллами из Muse, Стив Кларк из Def Leppard, Дон Фелдер из The Eagles.

Источник

Почему в некоторых рок-группах две соло-гитары

Давным-давно, а точнее, в 1969 году в английском городке Торки была основана группа Wishbone Ash . Ее предыстория довольно долгая, всю не буду рассказывать, остановлюсь на главном: в связи с изменениями в составе им потребовался новый гитарист. Дали объявление в несколько газет, и на прослушивание начали приходить музыканты. Лишние отсеялись, осталось двое: Энди Пауэлл и Тэд Тернер. Оба играли одинаково хорошо. Остальные участники группы столкнулись с непростой задачей: кого выбрать? И тут кому-то из них в голову пришла гениальная идея: “А давайте возьмем обоих!”

В результате возникла техника twin lead guitars . Раньше такого никто не делал, поэтому Wishbone Ash по праву считаются пионерами двойной соло-гитары, которая придала им уникальное звучание. Потом уже их технику переняли другие, например, Fleetwood Mac, Allman Brothers Band, Thin Lizzy, Iron Maiden, Lynyrd Skynyrd (у этих вообще трое на сольняках).

Многие великие открытия происходят случайно: рентген, пенициллин, гравитация. Может, twin lead guitars нельзя поставить в этот ряд, но рок-музыку они очень сильно обогатили в плане саунда.

Если вы тоже совершили открытие, например, открыли для себя этот канал, подписывайтесь и узнаете все Про Рок. Делитесь материалами в своих соцсетях, и число ваших подписчиков будет расти и умножаться.

Хорошей музыки должно быть много. И комментариев с лайками тоже. Отметьте, пожалуйста, интересный материал.

Источник

История гитарного ансамбля

В настоящее время во всем мире, будь то любители или профессионалы, гитаристы периодически собираются вместе, чтобы выступить в дуэте, трио или квартете, а также в более крупных составах. Исторически, разумеется, это не новое явление. Ансамблевая музыка для большинства музыкантов является и всегда была основным средством зарабатывания на жизнь. Социальные контексты музыки, начиная от танцевального зала и заканчивая религиозными церемониями, от королевского двора до салона, обычно всегда подразумевали несколько инструменталистов, выступающих вместе.

Суть классической ансамблевой музыки заключалась в том, что она включала в себя инструменты различных тембров, от перкуссии до медного или тонкоголосого деревянного духового инструмента, с полным набором смычковых инструментов, заполняющих всю тесситуру. На протяжении веков композиторы расширяли свои ресурсы, чтобы сделать концертные залы великолепными соборами звука.

История лютни и гитары происходила в несколько иной области — на частном собрании, в дворцовом будуаре, компактном салоне, маленьком концертном зале. В то время, когда профессиональные музыканты искали себе в качестве покровителя, например, аристократа, на низовом уровне были популярны щипковые струнные инструменты, особенно для сопровождения песен. К сожалению, столетия развития народной песни и импровизационной музыки сегодня доступны нам только в той мере, в какой их влияние было передано через тех композиторов, которые записывали свои композиции.

Для лютни елизаветинской эпохи в Англии (вторая половина XVI — начало XVII века) сохранилось удивительно мало дуэтов. Например, это «Toy for two lutes» Томаса Робинсона (Thomas Robinson) или аранжировка Джона Доуленда (John Dowland) «My Lord Willoughby’s Welcome Home» для двух исполнителей на одной лютне. Важно отметить, что благодаря записям «Julian Bream Consort» мы имеем возможность услышать ансамбли XVI века, включающие лютневые партии. Книга Томаса Морли (Thomas Morley) «First Book of Consort Lessons» (1599/1611) антологизировала различных композиторов, которые написали великолепную музыку для «Broken Consort» — комбинации щипковых и смычковых инструментов с добавлением флейты.

Эпоха композиторов барокко Франческо Корбетта (Francesco Corbetta), Франсуа де Визе (Francois de Visee), Гаспара Санза (Gaspar Sanz), Сантьяго-де-Мурсии (Santiago de Murcia ) и так далее не несёт никаких доказательств того, использовалась ли их музыка ансамблями. Но лютнист Пол О’Детт (Paul O’Dette) пишет, что «торжественные, строго сконструированные Фантазии 16-го века из репертуара виуэлы (испанская лютня) были заменены более экстравертированным стилем импровизационной танцевальной музыки на новой пятиструнной гитаре. Записи 17-го и 18-го веков в Испании часто описывают исполнения новых танцев на нескольких гитарах с кастаньетами или тамбуринами». Чтобы проиллюстрировать это, запись Пола О’Детта под названием «Jacaras» (на лейбле Harmonia Mundi) представляет музыку Сантьяго-де-Мурсии с барочными гитарами, арфой, псалтерионом и перкуссией, тем самым связывая опубликованные страницы исторических записей с концепциями танцевальных традиций.

Начало аутентичных традиций гитарного исполнения в дуэтах, трио и квартетах мы находим в начале 19-го вка. Одним из первых был немецкий гитарист Кристиан Готтлиб Шайдлер (Christian Gottlieb Scheidler, 1747 — 1829), чья «Sonata in D» для двух гитар — условно популярный номер из этого репертуара. Братья Абреу (Abreu) сделали великолепную запись этой пьесы, которая доступна на YouTube.

Рожденный 20 лет спустя после Шайдлера, австрийский гитарист Леонард фон Колл (Leonhard von Call, 1767 — 1815) писал пьесы для гитарных дуэтов и трио, а также музыку для гитары с комбинациями других инструментов. В то же время французский гитарист Антуан де л’Ойер (Antoine de l’Hoyer, 1768 — 1836) опубликовал произведения для двух гитар и «Trio Concertant for Three Guitars», Op. 29 (1817, Париж), а также «Air Varie et dialogue for Four Guitars». Последняя считается первой публикацией для гитарного квартета.

Современники Антуана де л’Ойера, в частности Карулли (Carulli, 1770 — 1841), Сор (Sor, 1778 — 1839) и Джулиани (Giuliani, 1781 — 1829) создали не только сольный репертуар, но и отличные гитарные дуэты. Ансамблями являются «Serenade in A», Op. 96 и «Duo in G», Op. 34 Карулли, «L’Encouragement», Op. 34 Сора, а также «Variazioni concertante», Op. 130 Джулиани, записанные Джулианом Бримом (Julian Bream) и Джоном Вильямсом (John Williams). Эти маленькие шедевры можно услышать на альбоме лейбла RCA Victor «Together: The Ultimate Collection». Сор, как известно, играл свои дуэты с Агуадо (Aguado, 1784 — 1849), объединив вместе двух лучших исполнителей эпохи.

Из того же поколения Антон Диабелли (Anton Diabelli, 1781 — 1858) создал много полезного педагогического материала для дуэтов, например «Variations on a Favorite Theme», Op. 57, «Grand Trio in F», Op. 62, «Grand Serenade for Two Guitars», Op. 100. Малоизвестной для многих классических гитаристов является музыка Марко Аурелио де Ферранти (Marco Aurelio de Ferranti, 1801-1878). Его «Concertante for two guitars», Op. 22, и «Polonaise Concertante for three guitars», Op. 27 указывают на высокий уровень развития, достигнутый инструментом в этом периоде.

Продолжателем традиций ансамбля был Иоганн Каспар Мерц (Johann Kaspar Mertz, 1806 — 1856), который внес огромный вклад в гитарный дуэт, подняв его эмоциональный уровень. Музыка Мерца для двух гитар до недавнего времени пренебрегалась ведущими дуэтами. Может быть потому, что дуэты Мерца используют обычную гитару с нормальной мензурой и настройкой вместе с терц-гитарой, меньшим по размеру инструментом с более высокой настройкой. Йоханнес Мёллер (Johannes Moller) и Лаура Фратичелли (Laura Fraticelli) записали 13 дуэтов Мерца, в том числе глубоко трогательный «At the Grave of the Beloved», на их альбоме «Guitar Duets» на лейбле Naxos.

В равной степени обычно пренебрегают тремя виртуозными дуэтами Наполеона Коста (Napoleon Coste, 1805 — 1883), который, согласно исследованиям Саймона Уинберга (Simon Wynberg), выступал в дуэте с Сором по крайней мере один раз и, возможно, писал дуэты, «вдохновлённые композициями Сора в этом жанре». «Grand Duo» можно услышать на YouTube в превосходном исполнении Юдикель Перро (Judicael Perroy) и Жереми Джув (Jeremy Jouve).

Может показаться удивительным, что ведущий маэстро второй половины XIX века, Франциско Таррега (Francisco Tarrega, 1852 — 1909), не был увлечён сочинением для ансамбля. Однако он сделал маленький «Waltz for two guitars» и предложил аналогичную обработку для мазурки, известной как «Petit Minuet». С другой стороны, Таррега был трудолюбив в аранжировке классических произведений для двух гитар. Биография Тарреги, написанная Эмилио Пухолем (Emili Pujol), перечисляет работы в этой области над музыкой Бетховена (Beethoven), Бизе (Bizet), Бретона (Breton), Чапи (Chapi), Гуно (Gounod), Гайдна (Haydn), Мендельсона (Mendelssohn), Моцарта (Mozart) и Шуберта (Schubert); Всего 20 транскрипций.

Этот прецедент, возможно, вдохновил двух выдающихся учеников Тарреги: Мигель Льобет (Miguel Llobet, 1878 — 1938) аранжировал для двух гитар произведения Агирре (Aguirre), Альбениса (Albeniz), Д’Акина (D’Aquin), Брамса (Brahms ), Чаварри (Chavarri), Фалья (Falla), Гранадоса (Granados), Мендельсона (Mendelssohn), Моцарта (Mozart), Рогатиса (Rogatis) и Чайковского; в то же время Эмилио Пухоль (1886 — 1980) сделал то же самое для произведений Альбениса (Albeniz), Бизе (Bizet), Броки (Broqua), Сервантеса (Cervantes), Круса (Cruz), Фалья (Falla), Гранадоса (Granados), Пуленка (Poulenc), Равеля (Ravel), Родриго (Rodrigo) и Вила-Лобоса (Villa-Lobos). Пухоль также транскрибировал менует Бизе из L’Arlesienne для трех гитар. Оба художника неизмеримо усилили привлекательность гитарного дуэта в начале 20-го века — Льобет в лице Марии Луизы Анидо (Maria Luisa Anido, 1907 — 1997) и Пухоль в лице его жены Матильды Куервас (Matilda Cuervas, 1888 — 1956), блеск их соответствующих записей остаётся без изменений. Гитарный дуэт как художественная ценность позже был увековечен дуэтом «Presti-Lagoya Duo», который повсеместно известен как несравненные пионеры в искусстве дуэта. Ида Прести (Ida Presti, 1924 — 1967) и ее муж Александр Лагойя (Alexandre Lagoya, 1929 — 1999) остаются лучшим историческим примером игры дуэтом, а многие их записи существуют, чтобы вдохновлять последующие поколения.

В своем эссе «Генрих Альберт и первый гитарный квартет» (доступном в интернете) Аллан Моррис (Allan Morris) прослеживает историю гитарного квартета. Историк Фриц Буек (Fritz Buek) основал «Munich Guitar Quartet» в 1907 году, который стал первым в развитии инструмента. Исполнителями были Буек, Генрих Альберт (Heinrich Albert), Герман Ренш (Hermann Rensch) и Карл Керн (Karl Kern). Они решили потенциальную проблему звучания гитарного квартета — использования четырёх стандартных гитар — путём применения разнообразных инструментов. Так например, они использовали «Terz Bogengitarre» (настроенную на малую терцию выше обычной гитары, с резонансными струнами), «Lyra-Terzgitarre» (с 24 ладами и несколькими резонансными струнами), «Quintbassogitarre» (настроенную на квинту ниже обычной гитары) и «Wappenformgitarre» в форме большой мандолины. Они дали свой первый концерт в 1909 году в Мюнхене и продолжали в 1920-х годах. Когда Генрих Альберт покинул квартет, его место на первой терц-гитаре занял не кто иной, как Герман Хаузер (Hermann Hauser, 1882 — 1952), которому было суждено стать одним из величайших гитарных мастеров столетия.

В 1960-е годы «Los Romeros» — Селедонио Ромеро (Celedonio Romero, 1913 — 1996) и его три сына, Селин (Celin), Пепе (Pepe) и Ангел (Angel) получили международную репутацию лучшего гитарного квартета (их часто называли «Королевская семья гитары»), и как замечательные сольные исполнители сами по себе. Как и «Presti-Lagoya Duo», «Los Romeros» установили стандарт технических и выразительных возможностей для своего жанра. Их многочисленные записи и прочная ассоциация с «Concierto Andaluz» Хоакина Родриго для четырех гитар позволяют выделить их из других квартетов той эпохи. (Родриго также писал пьесы для «Presti-Lagoya».)

Одним из самых популярных и влиятельных современных ансамблей является «Los Angeles Guitar Quartet»:

Недооценённой Золушкой гитарных ансамблей, похоже, является трио гитары. И всё же, выдающиеся трио-ансамбли создали себе хорошую музыкальную и концертную репутацию. Например, «Amsterdam Guitar Trio», чьи транскрипции «The Four Seasons» Вивальди и «Brandenburg Concertos» Баха , а также интерпретация «El Amor Brujo» Фальи являются изысканными и виртуозными. Работа гитарного трио в настоящее время развивается такими ансамблями, как «Mobius Trio», сформированным в 2010 году гитаристами Робертом Нэнсом (Robert Nance), Мейсоном Фишем (Mason Fish) и Мэтью Холмс-Линдером (Matthew Holmes-Linder), когда они учились в консерватории в Сан-Франциско. Они были названы Серджио Асадом (Sergio Assad) как «самый изобретательный и захватывающий молодой гитарный ансамбль сегодня». Их исполнения в 2016 году на International Guitar Research Centre Conference в университете Surrey в Англии специально подготовленных работ и музыки Равеля были захватывающими.

Также следует упомянуть феномен гитарного оркестра, который приобрёл популярность в последние годы. В целом, большинство из них более интересны сами по себе, нежели чем для целей прослушивания. Репертуар часто предназначен для удовлетворения интересов любителей, и, хотя некоторые гитарные оркестры постоянно повышают уровень своей техники, пьесы, которые вы обычно слышите, подчёркивают участие, а не музыкальное совершенство. На протяжении многих лет гитаристы казались менее компетентными, чем другие инструменталисты при чтении с листа и ансамблевой деятельности, но предпринимаются усилия для исправления ситуации.

Полностью профессиональный гитарный оркестр еще предстоит создать, и в конечном итоге такое предприятие будет осуществлено. Возможно, они начнут с чего-то вроде «Electric Counterpoint» Стива Райха (Steve Reich), который представляет собой веху в истории ансамбля гитары, где действительно был достигнут настоящий прорыв.

Источник