Хороший день шостакович фортепиано

Дмитрий Шостакович, Хороший день — ноты для фортепиано

Как звучит:

Текст песни:

Хороший день – земля в цвету.
Цветы растут, и я расту.
Цветок взойдёт и опадёт,
А мне расти из года в год.
Земле цвести и нам расти!

Весенним, прекрасным днём
О счастье давай споём,
О счастье, о весне
В нашей солнечной стране!

Найдя пыльцу, летит пчела.
Влекут пчелу её дела
Построить дом, собрать медок…
А сколько дел у нас, дружок!
Весь мир для нас открыт сейчас!

Весенним, прекрасным днём
О счастье давай споём,
О счастье, о весне
В нашей солнечной стране!

На всех полях цветы цветут,
И знаю я как их зовут.
Вот колокольчик, василёк.
Над ними вьётся мотылёк.
А вот какой цветок левкой.

Весенним, прекрасным днём
О счастье давай споём,
О счастье, о весне
В нашей солнечной стране!

Источник

«Хороший день»: ноты для фортепиано

На этой странице представлены ноты детской песни Дмитрия Шостаковича под названием «Хороший день» . Ноты для фортепиано можно скачать бесплатно с нашего сайта в формате pdf чуть ниже. А пока мы предлагаем вспомнить мелодию этой песни на стихи Е. Долматовского.

Ноты для фортепиано «Хороший день» ниже текста песни

Хороший день – земля в цвету.
Цветы растут, и я расту.
Цветок взойдёт и опадёт,
А мне расти из года в год.
Земле цвести и нам расти!

Весенним, прекрасным днём
О счастье давай споём,
О счастье, о весне
В нашей солнечной стране!

Найдя пыльцу, летит пчела.
Влекут пчелу её дела
Построить дом, собрать медок…
А сколько дел у нас, дружок!
Весь мир для нас открыт сейчас!

Весенним, прекрасным днём
О счастье давай споём,
О счастье, о весне
В нашей солнечной стране!

На всех полях цветы цветут,
И знаю я как их зовут.
Вот колокольчик, василёк.
Над ними вьётся мотылёк.
А вот какой цветок левкой.

Весенним, прекрасным днём
О счастье давай споём,
О счастье, о весне
В нашей солнечной стране!

«Хороший день» : скачать бесплатно ноты для фортепиано

Нотный архив NotaDo.ru представляет ноты произведений Дмитрия Шостаковича для фортепиано и других инструментов. Все ноты произведений этого композитора можно скачать абсолютно бесплатно с нашего сайта.

Дмитрий Шостакович (1906 – 1975) – русский и советский композитор, пианист, педагог. Один из крупнейших композиторов XX века, автор 15 симфоний и 15 квартетов, 6 концертов, 3 опер, 3 балетов, многочисленных произведений камерной музыки, музыки для кинофильмов и театральных постановок. Жанровое и эстетическое разнообразие его музыки огромно, в ней сочетаются элементы музыки тональной, атональной и ладовой, в творчестве композитора переплетаются модернизм, традиционализм, экспрессионизм и «большой стиль».

Источник

Концерт для фортепиано № 2 (Шостакович) — Piano Concerto No. 2 (Shostakovich)

Концерт для фортепиано № 2 фа мажор , соч. 102, Дмитрия Шостаковича, была написана в 1957 году к 19-летию со дня рождения его сына Максима . Премьера произведения состоялась во время учебы в Московской консерватории . Этот фортепианный концерт должен был стать последним сочинением для фортепиано, написанным им. Он содержит много элементов, похожих на его другое сочинение, Концертино для двух фортепиано. Оба они были написаны, чтобы быть доступными для молодых пианистов. Это нехарактерно веселое произведение, гораздо более веселое, чем большинство произведений Шостаковича.

СОДЕРЖАНИЕ

Приборы

Произведение озвучено для фортепиано соло , трех флейт (третье удвоение пикколо ), двух гобоев , двух кларнетов , двух фаготов , четырех валторн , литавр , малого барабана и струнных .

Движения

Концерт длится около 20 минут , и имеет три движения , со вторым движением играл attacca , тем самым перемещая непосредственно в третий (хотя второе движение приходит до приемлемого разрешения до минор, таким образом, что третье движение не является полностью необходимым довести музыку к заключению):

1. Аллегро Первая часть в сонатной форме. Веселая главная тема первой части исполняется сначала фаготом, а затем в сопровождении кларнетов и гобоев. Фортепиано вступает ненавязчиво с ответной темой, сыгранной отдельными нотами обеими руками на октаву друг от друга. Это перерастает в маршеобразную тему. Затем вводится новая мелодическая тема ре минор с унисонами на фортепьяно на две октавы, сведенными к нулю. Затем резкий звук оркестра переходит в шумные и прыгающие октавы нижнего фортепиано, в то время как оркестр играет вариацию на оригинальную фортепианную мелодию фортиссимо . Фортепиано строится по схеме триоли, чтобы ввести тему ре минор (теперь в си-бемоль мажор) в дополнении к торжествующему тутти . В кульминации все приходит в безмолвную паузу, и фортепиано вступает в соло контрапункта, похожего на фугу. Спустя минуту фуги оркестр возвращается, играя мелодию в порыве ветра. Оркестр строится на основной мелодии, в то время как фортепиано играет гаммы и тремоло, которые переходят в несколько веселых строк аккордов и октав, исполняемых фортепиано, а основная тема, наконец, всплывает на поверхность и завершает движение.
2. Анданте Вторая часть приглушена и романтична. Он представляет две разные темы, которые находятся в вариативной форме. Настроение можно считать нежным с оттенком меланхолии. Струнные начинаются мягко до минор, с коротким вступлением перед тем, как фортепиано вступает в нежную тему триоли до мажор. Этот тип ритма также присутствует в других его сочинениях, таких как Прелюдия до мажор, соч. 87 No. 1. Хотя он остается медленным на всем протяжении и работает в сравнительно небольшом диапазоне, он отмечен повторением ритмов два или четыре на три.
3. Аллегро Финал — это живой танец в двойном ритме с большим использованием пентатонических гамм и ладов. Вскоре появляется вторая тема, в 7
   8 время, с фортепиано в сопровождении струн пиццикато, напоминающих балалайку . Создается впечатление, какими были парады и шествия в советское время. Это продолжается некоторое время, прежде чем появляется новый мотив в режиме упражнений « Ханон », с гаммами в шестых долях и полуколебаниями, что является шуткой для выпуска Максима. Затем эти три темы развиваются и переплетаются до окончательного утверждения 7
   8 тема и, наконец, виртуозная кода фа мажор.

Прием

Этот концерт иногда называют одним из менее значимых произведений композитора, особенно по сравнению с некоторыми симфониями и струнными квартетами. В письме Эдисону Денисову в середине февраля 1957 года, всего через неделю после того, как он закончил работу над ним, сам композитор написал, что произведение «не имеет выдающихся художественных достоинств». Было высказано предположение, что Шостакович хотел упредить критику, осудив саму работу (неоднократно подвергаясь официальной цензуре), и что этот комментарий на самом деле был насмешливым. В апреле 1957 года он и его сын исполнили переложение произведения для двух фортепиано из произведения для Министерства культуры, которое позже было представлено публике в Московской консерватории.

Несмотря на кажущуюся упрощенность этого концерта, публика всегда тепло относилась к нему, и он является одним из самых популярных произведений Шостаковича. В 2017 году концерт занял 19-е место в Зале славы Classic FM .

Записи

Несмотря на отказ от концерта, композитор несколько раз исполнял его сам и записывал вместе со своим первым концертом. Оба играют в быстром темпе, который редко встречается в современных записях. На третьей записи можно услышать, что некоторые отрывки, сыгранные Шостаковичем, были не такими чистыми, и это было признаком того, что его рука пошла в упадок. В своих записях второй части Шостакович вносит небольшие вариации в некоторые отрывки, не записанные в партитуре. Некоторые примеры включают в себя повторяющийся аккорд, который Шостакович играет в такте 33, который из первой доли такта 34 записывается как ничья в партитуре.

Собственный сын Максима, Дмитрий Максимович Шостакович, также записал пьесу, а его отец дирижировал I Musici de Montreal . Идентично своему знаменитому деду, Дмитрий младший также очень близко соответствует неистовой скорости и выражению лица своего деда.

Другие записи включают записи Леонарда Бернстайна в качестве солиста и дирижера для Columbia Records , Марка-Андре Амлена для Hyperion Records и Дмитрия Алексеева с Ежи Максимюком, дирижирующим Английским камерным оркестром . Была сделана запись этого концерта оркестром Мариинского театра с солистом Денисом Мацуевым и Валерием Гергиевым в качестве дирижера.

В Фантазии 2000 , Ефим Бронфман играет первое движение концерта в (Allegro) в качестве рассказчика из « Стойкий оловянный солдатик » по Андерсена . Бронфман также записал оба концерта с филармоническим оркестром Лос-Анджелеса под управлением Эсы-Пекки Салонена .

Балет

Концерт используется в двух разных балетах. Кеннет Макмиллан «s Концерт Премьера 30 ноября 1966 года в Deutsche Oper Berlin , затем стал Королевский балет репертуар. Алексей Ратманский создал Concerto DSCH для New York City Ballet , премьера которого состоялась в 2008 году.

Источник

Музыкальный барометр XX века: все, что вы хотели узнать о жизни Шостаковича

25 сентября исполняется 110 лет со дня рождения Дмитрия Дмитриевича Шостаковича. «Дмит-Дмитч», «ДДШ» – эти инициалы композитора стали давно уже именами нарицательными. Композитор Антон Сафронов делится своими мыслями о личности и произведениях одного из крупнейших творцов музыки XX века.

ДДШ и DSCH

Русские и нерусские инициалы Дмитрия Шостаковича давно уже стали фирменными знаками композитора. Происхождение русских букв очевидно. Латинскими буквами Шостакович пользовался в виде нот, выводя их из немецкого написания «D[.]SCH[ostakowitsch]». По немецкой системе буквы D, S, C и H означают соответственно ноты «ре», «ми-бемоль», «до», и «си». Этот краткий, легко узнаваемый мотив появляется в музыке Шостаковича уже после войны – там, где подчеркивается сугубо личная, исповедальная образность. Мотив-монограмму «DSCH» мы слышим в Первом скрипичном концерте и затем уже в полную силу в Десятой симфонии. С фуги на этот мотив начинается Восьмой струнный квартет. Обостренная выразительность мотива «DSCH» напоминает барочную музыкальную символику «креста»: два звука вверх и два звука вниз. А сама традиция нотных монограмм-вензелей известна нам еще со времен Баха («BACH»). Помимо самого Шостаковича этот же мотив присутствует и в более поздних сочинениях авторов, посвятивших Дмитрию Дмитриевичу свою музыку.

Происхождение и фамилия

Шостакович был выходцем из среды классических петербургских интеллигентов-разночинцев. Его отец Дмитрий Болеславович, математик по образованию, служил в столичной Палате мер и весов. Он умер в 1922 году, когда сыну было 16 лет. Шостакович – далеко не единственная фамилия русских композиторов, имеющая польские корни (наряду с Глинкой, Чайковским, Стравинским, Мясковским). Разночинство и польское происхождение – все это предопределило политические воззрения семьи. Родители Шостаковича сочувствовали народовольцам, будущим эсерам. В общем, были настроены умеренно-революционно – в отличие от среды Рахманинова, Стравинского или Прокофьева, чьи политические воззрения были чужды революции. Самые первые дошедшие до нас пробы пера юного Шостаковича – «Гимн свободе» (1917) и «Траурный марш памяти жертв революции» (1919). Их автору было 11 и 13 лет соответственно. Темы старинных русских революционных песен звучат и в его зрелых сочинениях, написанных в период хрущевской «оттепели» – в Одиннадцатой симфонии «1905 год» и в уже упомянутом Восьмом квартете. Тему песни «Замучен тяжелой неволей» в четвертой, предпоследней части этого сочинения, многие не без основания считают музыкальной эпитафией жертвам не столько царской каторги, сколько сталинского ГУЛАГа.

Место в ХХ веке

Портрет Мити Шостаковича работы Б. Кустодиева. Фото: live.shostakovich.ru/

Шостакович родился в 1906 и умер в 1975 году. Он целиком принадлежит двадцатому столетию – и своей музыкой, и всей своей биографией. Ему довелось пережить и отрефлексировать в своем творчестве самые значительные события «русского ХХ века» – революцию, сталинский террор, Великую отечественную войну, «холодную войну», послевоенную хрущевскую «оттепель», научно-техническую революцию и последующий брежневский «застой».

Произведения Шостаковича очень трудно прописать по ведомству тех или иных стилей музыки ХХ века. Он внес значительный вклад в обновление музыкального языка своей эпохи, но не стал основоположником ни одного из известных нам направлений «новой музыки» или родоначальником новой композиторской техники. Тем не менее, музыкальную интонацию Шостаковича можно узнать сразу и безошибочно. Характерные приемы его музыки породили целую волну подражаний. А как педагог Шостакович создал композиторскую школу – одну из крупнейших в истории музыки.

«Так сказать»

Каждому, кому доводилось общаться с Шостаковичем лично или хотя бы слышать его речь, хорошо известно его любимое слово-паразит «так сказать». Даже сегодня можно встретить «собеседников Шостаковича» (подлинных и мнимых), пародирующих его манеру говорить. Голос композитора можно услышать в кинохронике и в документальных фильмах, где он присутствует. Даже там, где Шостакович удерживается от своего привычного «так сказать», заметна крайняя нервозность его речи – быстрой, «дерганной» и «зацикленной» на повторении одних и тех же фраз.

Невротизм был второй натурой композитора – он многим повлиял на его личность и музыку. Было бы ошибкой объяснять это свойство личности Шостаковича причинами исключительно внешними. Скорее наоборот: душевная ранимость, болезненность и ломкость делали Шостаковича особенно уязвимым в неблагоприятных жизненных обстоятельствах, будь то столкновения с советской властью или невзгоды семейной жизни. Характерный эмоциональный надлом, гротеск и макабр слышны в сочинениях Шостаковича, написанных даже в самые благополучные периоды его жизни. Их нет лишь в советских произведениях композитора, созданных специально к различным официальным поводам.

За пресловутым «так сказать» в речи Шостаковича часто прятались скрытность и недоверие к случайным собеседникам. Испытав в своей жизни немало моральных ударов, композитор (если верить воспоминаниям о нем) как-то высказался: «Недоверие спасает от разочарований и является основой грустного оптимизма».

Видео:youTube/ Пользователь: Daniil Sokolov

У кого учился Шостакович

Шостакович – воспитанник петербургско-ленинградской школы. Он учился в Петроградской консерватории в 1918-1925 годах, когда ее директором был Глазунов – в то время живой классик русской музыки, глава ее «академического» направления. Глазунов был настоящим донкихотом: в тяжелое время революции, гражданской войны и разрухи он помогал студентам – выбивал для них стипендии и пайки у большевистского правительства, писал рекомендации на любые вакансии, где они могли бы заработать себе на пропитание. Помогал даже тем, чью музыку терпеть не мог из-за ее «модернизма». Именно так, по-рыцарски, относился Глазунов к юному Шостаковичу, который раздражал мэтра каждым своим новым опусом.

Непосредственным учителем композиции у Шостаковича был Максимилиан Штейнберг – зять покойного Римского-Корсакова. Он передал своему ученику блестящую академическую школу, доставшуюся ему от учителя-тестя. По своим интересам учитель и ученик были совершенно чужды друг другу. Шостакович обретал свой музыкальный язык, учась на произведениях Мусоргского, Малера, Берга, Стравинского, Хиндемита – композиторов «ущербных» с точки зрения петербургского академизма.

Класс Штейнберга в Петроградской консерватории. Шостакович – крайний слева. Фото: live.shostakovich.ru/

Вне стен консерватории молодой автор посещал кружок, участники которого знакомились с новейшей западной музыкой того времени. Впоследствии Шостакович вошел в Ассоциацию современной музыки (АСМ) – наиболее передовое музыкальное объединение 1920-х годов, которое изучало и пропагандировало новейшую музыку Европы и отечественных авторов. Следует напомнить, что после смерти Скрябина и отъезда за границу Рахманинова, Стравинского и Прокофьева в Советской России царило настоящее композиторское «безрыбье». Новая отечественная музыка создавалась фактически с чистого листа.

Самая ненавистная работа

В своей жизни Шостаковичу не раз приходилось идти на компромиссы – и в творчестве, и в отношениях с внешним миром. Из всех видов деятельности, которыми композитору доводилось заниматься, с наибольшей неприязнью он вспоминал о своей работе в 1920-е годы пианистом-тапером на «немых» киносеансах. С помощью этой «халтуры» он старался прокормить себя, свою мать и сестер, нуждавшихся в деньгах после смерти отца. Все эти польки, галопы, чарльстоны и прочие фигуры «нэпманской» музыки, игранные-переигранные молодым Шостаковичем в темных прокуренных кинозалах, прочно вошли в музыкальный «словарь» его последующих сочинений. В работах, которые Шостакович писал для прикладных целей (многочисленные киномарши и киновальсы, сюиты для джазового оркестра или детские сочинения), эти музыкальные формулы звучат «один к одному». Но в сочинениях «серьезного» жанра (в операх, балетах, симфонической и камерной музыке) они появляются чаще всего в гротескно-преломленном виде – как образ банальности и пошлости. Именно так они звучат в балетах Шостаковича «Золотой век» (1930) и «Болт» (1931) или в его фортепианных прелюдиях (1933). Подлинной трагической кульминации они достигают во второй и третьей частях Восьмой симфонии, посвященной теме войны, катастрофы и уничтожения, создавая зримое музыкальное воплощение «банальности зла».

Шостакович был не первым композитором, который стал прибегать к «сниженным» музыкально-жанровым ассоциациям. Здесь он продолжил путь, начатый Густавом Малером и Альбаном Бергом. Среди последователей Шостаковича, наиболее последовательно воплощавших принцип «жанрового снижения», мы должны назвать в первую очередь Альфреда Шнитке – композитора, нашедшего свой путь благодаря множеству работ в киномузыке.

Сочинение, сделавшее Шостаковича знаменитым

Уже самые первые произведения Шостаковича, написанные в Ленинградской консерватории, являются феноменально зрелыми работами. Дипломным сочинением композитора стала его Первая симфония, созданная в 1925 году. Автору было 19 лет. Симфонию исполнил в следующем году Оркестр Ленинградской филармонии под управлением Малько (много ли сочинений сегодняшних выпускников исполняет Санкт-Петербургский филармонический оркестр – знаменитый «оркестр Мравинского»?) Симфония вызвала недовольство учителей. Но уже через год она впервые прозвучала за границей в исполнении Бруно Вальтера и Берлинского филармонического оркестра. Еще через год – в Филадельфии под управлением Леопольда Стоковского, а в 1931 году – в Нью-Йорке под управлением Артуро Тосканини.

Именно с этой симфонии началась всемирная слава композитора. Она – пример творческой зрелости и небывалого успеха, какой только возможен для молодого автора. В Первой симфонии Шостаковича коренятся все его последующие симфонические и камерные произведения «как дуб в желуде» (по известному выражению Чайковского). Гротеск и трагика – два важнейших образных начала его музыки – идут в этом сочинении рука об руку столь тесно, как ни в одной другой из последующих его симфоний.

Видео:youTube/ Пользователь: Thewisemonkey9

Успехи и удары

В середине 1930-х годов, в возрасте тридцати лет Шостакович был уже всемирно известным композитором. Его мировая слава росла и укреплялась. Однако на родине периоды признания Шостаковича как «самого выдающегося композитора наших дней» сменялись временами опалы – кратковременными, но жесткими. Они стоили впечатлительному автору нервных потрясений и страхов за свою судьбу и судьбу своих близких. Помимо событий внешнего порядка, в своей жизни композитор сталкивался с тяжелыми внутренними кризисами. О них нам и по сей день известно гораздо меньше, чем об отношениях Шостаковича с государством, на тему которых написаны тонны литературы. Первый такой серьезный кризис случился у композитора в один из самых благополучных для него творческих периодов – в начале 1930-х годов, когда он долго не мог решиться на женитьбу и лишь после долгих мучительных колебаний сочетался браком с Ниной Васильевной Варзар, ставшей его первой женой. Брак этот был непростым для обоих супругов. В нем родились дети Шостаковича – Максим (будущий дирижер) и Галина (будущий ученый-биолог).

Первая слава

До начала 1930-х годов творчество Шостаковича развивалось в русле отечественного музыкального авангарда. К наиболее радикальному периоду относится Вторая симфония («Симфоническое посвящение Октябрю», 1927). Воплощая квази-религиозную концепцию «от хаоса и угнетения к царству счастья и справедливости», автор применяет в ней множество звукокрасочных приемов. Там же используются и «конкретные» звучания: перед вступлением хора в оркестре звучит заводской гудок. Весьма радикальны по языку и Первая фортепианная соната композитора, и его цикл «Афоризмов» для фортепиано.

Еще более самобытны произведения Шостаковича тех лет, близкие образному миру театра Всеволода Мейерхольда и поэтов из ленинградского объединения ОБЭРИУ («Объединение реального искусства»), прежде всего Хармса и Заболоцкого. С ними композитора роднят приемы гротеска, которые он последовательно развивал в своей музыке. Самым выдающимся сочинением этого периода стала первая опера композитора – «Нос», завершенная в 1928 году и поставленная два года спустя в Ленинградском Малом оперном театре (МАЛЕГОТ, ныне – Михайловский театр) под управлением Самуила Самосуда.

Видео:youTube / Пользователь: Classical Vault 1

Первый стилистический перелом

В начале 1930-х годов стилистика музыки Шостаковича заметно меняется. Судя по рассказам людей, близко знавших композитора, в те годы он пережил сильнейший душевный кризис. Как и у многих отечественных и зарубежных авторов тех лет, в произведениях Шостаковича усиливается неоклассическое начало, на первый план выходит «новая вещественность». Шостакович ищет себя в области лирики. Но одновременно в его произведениях усиливается связь с жанрами бытовой и популярной музыки, чаще всего – в гростескно-пародийном исполнении. В этом духе написаны его балеты «Золотой век» и «Болт», музыка к театральной постановке «Гамлет» Акимова, Концерт для фортепиано, трубы и струнных. «Малой энциклопедией» нового стиля композитора можно назвать его цикл Двадцати четырех прелюдий для фортепиано. Наиболее полного воплощения стилистический перелом в музыке Шостаковича воплощается в двух его крупных сочинениях: опере «Леди Макбет Мценского уезда» и Четвертой симфонии. Оба эти произведения ждала очень непростая творческая судьба.

Клавир оперы «Леди Макбет Мценского уезда» из коллекции РНБ. Принадлежал Шостаковичу. Фото: http://expositions.nlr.ru/

«Сумбур вместо музыки»

Премьера «Леди Макбет Мценского уезда» состоялась в 1934 году в Ленинграде и в Москве. Успех был триумфальным. На следующий год оперу поставили в Большом театре и начался парад ее премьер во многих странах мира: в Лондоне, Праге, Цюрихе, Стокгольме, Нью-Йорке, Филадельфии, Кливленде, Буэнос-Айресе.

Поначалу советское начальство относилось к опере одобрительно. Сюжет Лескова о прирожденной преступнице, убивавшей по очереди мужа и его родню, чтобы они не препятствовали ее похоти, был переделан либреттистами в духе идейной концепции «трагедии угнетенной женщины в царской России». Столь типичное для 1930-х годов «переосмысление классики в революционном духе» было далеко не единственным в творчестве Шостаковича, и поначалу оно полностью соответствовало «социальному заказу» того времени.

Гром грянул в 1936 году. В газете «Правда» вышла редакционная статья «Сумбур вместо музыки», в которой опера обвинялась в «формализме», «натурализме» и «какофонии». Именно в те годы Сталин приступил к смене идеологических ориентиров. Была объявлена борьба с «троцкистским левачеством» в искусстве, в том числе с переделками классики в вульгарно-социологическом духе. В статье «Сумбур вместо музыки» указывалось, что произведение Шостаковича грешит «левацким уродством», «перенесением в оперу, в музыку наиболее отрицательных черт “мейерхольдовщины». «Бытовой повести Лескова навязан смысл, какого в ней нет», – говорилось в статье.

Сцена из спектакля «Катерина Измайлова» в Театре имени Немировича-Данченко. Фото: live.shostakovich.ru/

Передовица в главной газете Советского Союза послужила «идейной установкой» для чиновников на местах. Как по команде началась волна травли, потрясшая Шостаковича прежде всего своей внезапностью. Оперу сняли с репертуара. Начались «идеологические проработки» музыки композитора. Отменялись ее исполнения. Шостакович был смертельно напуган. Он опасался за себя и своих близких: в это время как раз начинался «Большой террор». Продлилась эта кампания больше года и прекратилась после премьеры новой, Пятой симфонии Шостаковича (1937), которую официально признали «творческим ответом советского композитора на критику». В печати симфония получила самые восторженные отклики. Ее первое исполнение положило начало сотрудничеству автора с дирижером Евгением Мравинским – «премьером» множества последующих его произведений. Вскоре она зазвучала за рубежом под управлением Стоковского, а после войны – Леонарда Бернстайна. В том же 1937 году Шостакович начал преподавать композицию в Ленинградской консерватории.

Можно сказать, что во всей истории с «сумбуром вместо музыки» композитор отделался «нелегким испугом».

Война и вторая слава

Самая большая мировая слава пришла к Шостаковичу в военные годы. Его произведения тех лет стали выдающимся примером творчества, направленного против войны и фашизма. Осенью 1941 года родной город композитора оказался в блокаде. Весь мир облетела фотография Шостаковича в пожарном шлеме на крыше Ленинградской консерватории, где он гасил зажигательные бомбы. Тогда же он начал свою новую, Седьмую («Ленинградскую») симфонию. Премьера состоялась в марте 1942 года в Куйбышеве (Самаре) – городе, где композитор завершил свое произведение, находясь уже в эвакуации. Первое зарубежное исполнение состоялась в июле того же года в Нью-Йорке под управлением Тосканини. В августе симфония была исполнена в блокадном Ленинграде под управлением Карла Элиасберга. Это стало событием небывалого значения, актом мужества, силы духа и моральной поддержки не только ленинградцев-блокадников, но и всего мира, боровшегося с фашизмом. «Ленинградская» симфония Шостаковича остается самым известным его произведением, хотя в наши дни ее чаще упоминают, чем исполняют в концертах.

Спустя год композитор создает другую свою военную симфонию – Восьмую, посвященную Евгению Мравинскому. Если Седьмую симфонию можно считать «героической симфонией» времен войны и она отличается намеренной публицистической конкретностью, то Восьмая – произведение трагического и философского симфонизма, музыкальное размышление о катастрофе всеобщего насилия. Это, наверное, самое совершенное симфоническое произведение Шостаковича. И на сегодняшний день наиболее часто исполняемая его симфония во всем мире.

Второй удар

Вернувшись из эвакуации, Шостакович поселился в Москве. В 1945 году советские власти ждали от автора торжественного жизнеутверждающего произведения, посвященного Победе. В то время он как раз создавал свою Девятую симфонию. Ожиданиям способствовал и ее порядковый номер, напоминавший о монументальной бетховенской Девятой. Вместо этого из-под пера Шостаковича вышло сочинение, исполненное далеко не праздничного, но язвительно-пессимистического сарказма. Вместо «героической» Шостакович создал своего рода «антигероическую» симфонию.

После войны в СССР началась волна новых идеологических кампаний. В 1948 году она дошла до музыки. Самый сильный удар в этой кампании пришелся по Шостаковичу, Прокофьеву, Мясковскому, Хачатуряну и другим композиторам, которых обвинили в «формализме» и «модернизме». Удобным поводом для нападок на Шостаковича послужил «пессимизм» его Восьмой и Девятой симфоний, «чуждых советскому народу». Желая отвести от себя удар, композитор выступил с покаянной речью, в которой «признал допущенные ошибки». Сделал он это в абсурдно и, видимо, в намеренно преувеличенных выражениях, во многом напоминающих речи зощенковских героев. На сей раз «оргвыводы» оказались серьезнее, чем в 1936 году. Среди них – увольнение композитора из Московской и Ленинградской консерваторий, якобы из-за «профнепригодности» и вредного влияния на композиторскую молодежь. На исполнения его оперных и симфонических произведений был наложен запрет Главреперткома (советской цензуры), который был отменен год спустя по личному указанию Сталина. Тем не менее, до самой смерти диктатора в 1953 году из сочинений Шостаковича звучала главным образом его музыка к кино, песни, «советские» произведения, камерные и детские сочинения.

Прокофьев, Шостакович, Хачатурян. Фото: live.shostakovich.ru/

Спустя десять лет, уже во время хрущевской либерализации и «борьбы с культом личности», партийное постановление 1948 года было официально признано «ошибочным». Тогда же Шостакович смог вернуться к преподаванию в консерватории.

Культ личности

Как и в предыдущий раз, ситуация вновь смягчилась для композитора после выхода в свет его нового «реабилитационного» произведения. В 1949 году Шостакович пишет ораторию «Песнь о лесах» на стихи Евгения Долматовского – образец патетического «большого стиля», где триумфально воспевается послевоенное восстановление Советского Союза. Премьера под управлением Мравинского принесла Шостаковичу очередную Сталинскую премию. В годы позднего культа личности композитор создает больше всего своих «советских» сочинений.

В 1950 году Шостакович посещает торжества к 200-летию со дня смерти Баха, проходившие в Лейпциге в только что созданном восточногерманском государстве. Под влиянием этого события он создает свой новый фортепианный цикл – Двадцать четыре прелюдии и фуги (1951) во всех мажорных и минорных тональностях, ставшие с тех пор одним из самых знаменитых полифонических опусов после баховского «Хорошо темперированного клавира». Уход композитора в чистый мир полифонии стал, по-видимому, творческим бегством от царившего в те годы музыкального официоза. Премьера сочинения, написанного для молодой тогда еще пианистки Татьяны Николаевой, состоялась в Ленинграде в 1952 году.

В 1953 году умер Сталин и в СССР наступила политическая «оттепель». В том же году Шостакович завершил Десятую симфонию – одно из своих самых драматичных и философских сочинений. В ее третьей части звучит тема “DSCH“ – оркестр «выколачивает» этот мотив наподобие боя часов, словно символ проходящей жизни.

Видео:youTube/ Пользователь: Classic Music by David Kim

Место: Концертный зал имени П. И. Чайковского

Исполнители: Госоркестр России имени Светланова, дирижер — Владимир Юровский

Цена: от 2000 рублей

Третья слава

Начавшаяся во второй половине 1950-х годов хрущевская «оттепель» заметно улучшила положение Шостаковича. Начинают звучать его сочинения, не дошедшие до слушателя в годы сталинской диктатуры. Он начинает снова преподавать в консерватории. Многие произведения Шостаковича, созданные в это время, проникнуты не присущими ему ранее оптимизмом и бодростью. Типичным примером такой музыки стала оперетта «Москва, Черемушки» (1958) – музыкальная комедия на злободневную тему о благоустройстве москвичей, переезжающих из коммуналок в отдельные квартиры в панельных новостройках.

На приеме в Кремле, с Хрущевым. Фото: live.shostakovich.ru/

В этот новый внешне благополучный для Шостаковича период происходят драматические события в его семейной жизни. В 1954 году умирает его жена. Отчаявшись, он предпринимает попытку нового брака на совершенно неподходящей для него женщине, который очень быстро завершается разводом.

Почему-то именно в начале хрущевской либерализации Шостакович приступает к симфониям на советскую и революционную тематику. В 1957 году появляется Одиннадцатая симфония с программным названием «1905 год» (о первой русской революции), а спустя еще четыре года – Двенадцатая симфония на тему о Ленине («1917 год»). За Одиннадцатую симфонию композитора наградили Ленинской премией. Затем в творчество Шостаковича приходит типично «оттепельная» тематика. В Тринадцатой симфонии для солиста-баса, оркестра и мужского хора, написанной в 1962 году на стихи Евгения Евтушенко, затрагиваются темы трагедии еврейского народа во время войны, советского быта, карьеризма, отношения художника и власти. Именно эта симфония способствовала новому образу Шостаковича на Западе как «композитора-диссидента» и она же сделала Евтушенко всемирно известным поэтом.

В те годы Шостакович окончательно обретает у себя на родине ореол «живого классика» и начинается сближение композитора с официальной властью. В 1954 году он получает звание Народного артиста СССР. Вскоре он начинает занимать высокие должности в Союзе композиторов. Более того: в 1961 году Шостакович вступает в КПСС – шаг, который очень многие его друзья и коллеги сочли странным и которого удалось избежать другим известным деятелям культуры в Советском Союзе.

Начинается прижизненное издание полного собрания сочинений Шостаковича. В своем ироническом вокальном «Предисловии к полному собранию моих сочинений и кратком размышлении по поводу этого предисловия» композитор “подписывается» в конце: «Дмитрий Шостакович, Народный артист СССР, очень много и других почетных званий, первый секретарь Союза композиторов РСФСР, “просто» секретарь Союза композиторов СССР, а также очень много других весьма ответственных нагрузок и должностей». Слова «Дмитрий Шостакович» звучат, естественно, на мотив монограммы “DSCH»…

На встрече представителей советской интеллигенции с руководителями страны. Фото: live.shostakovich.ru/

Мировая слава Шостаковича в те годы достигает апогея. Его произведения исполняются музыкантами самой первой величины (среди них – дирижеры Караян, Бернстайн и Шолти). Он часто выезжает за границу, становится почетным членом многих зарубежных академий и учебных заведений, в том числе получает звание доктора музыки Оксфордского университета. До Шостаковича подобной чести были удостоены Гайдн, Чайковский, Сен-Санс, Рихард Штраус и другие музыкальные «классики».

Последние годы

Последнее десятилетие в жизни Шостаковича проходило на фоне ухудшающегося здоровья, сворачивания хрущевской «оттепели» и брежневского «застоя». Эпоха эта оказалась, тем не менее, чрезвычайно плодотворной для искусства – официального, полуофициального и даже вовсе неофициального. Именно в эти годы взошла звезда крупнейших композиторов поколения «шестидесятников» – Шнитке, Денисова, Губайдулиной, Сильвестрова, Пярта, Канчели, Тертеряна. Все они, тогда еще молодые люди, так или иначе, пользовались большой поддержкой Шостаковича.

В начале 1960-х годов Шостакович обретает, наконец, семейное счастье со своей последней женой Ириной Антоновной, которая была моложе его почти на двадцать лет и стала ему преданной супругой и помощницей (в наши дни вдова композитора – основательница издательства «DSCH», выпускающего новое, «уртекстное» полное собрание его сочинений).

В позднем творчестве Шостаковича злободневно-публицистические мотивы уступили место философской тематике и внутренней рефлексии. Две его последние симфонии – вокальная Четырнадцатая и инструментальная Пятнадцатая – музыкальные размышления о жизни и смерти. Тему смертности человека, бренности его существования развивают и другие сочинения Шостаковича тех лет – инструментальные концерты (Второй виолончельный и Второй скрипичный), камерные сочинения (последние квартеты, сонаты для скрипки, для альта с фортепиано) и вокальные циклы (на слова Блока, Цветаевой, Микеланджело и Достоевского). Самым последним произведением Шостаковича стала Соната для альта и фортепиано, завершенная незадолго до смерти летом 1975 года.

Музыкальный язык позднего Шостаковича пережил заметное обновление. Произошел синтез приемов его начального («авангардного») и среднего (более «классичного») периодов творчества. В поздних сочинениях Шостакович все чаще уходит за пределы обычной тональности, в них обостряется интонационная выразительность, появляются приемы сонорики, пуантилизма, усиливается значение цитат и аллюзий (музыкального «интертекста»). Начиная с Восьмого квартета в его музыке появляются приемы «контекстного» самоцитирования. Рефлексирующие цитаты и самоцитаты обретают большой драматургический смысл в Пятнадцатой симфонии и Альтовой сонате Шостаковича.

Источник