Как записать танец нотами

Ноты цифрами на пианино. Как играть?

Вы с легкостью сможете сыграть большое количество произведений, даже не зная нотной грамоты. Все, что вам нужно – это распечатать разноцветные наклейки с изображением нот и наклеить на нужные клавиши согласно схеме.

Запомните! Между нотами СИ и ДО, МИ и ФА нет черной клавиши. Поэтому при расклейке клавиш помните об этом, а также смотрите на нашу схему:

Скачайте и распечатайте наклейки на клавиши

Поскольку клавиши «настоящего пианино» по размеру отличаются от детского игрушечного пианино, то мы предлагаем Вам несколько вариантов наклеек (основные ноты — 2 см в ширину, черные клавиши 1,5 см, основные и черные клавиши — 1 см):

Распечатать их можно в любом фотосалоне. Цветная печать на страницах А4.

Как нужно играть?

Выберите интересную песню в разделе «Музыкального развития» и распечатайте схему игры. Для удобства вам предлагаются несколько схем.

Пример схемы с цифрами, где изображены клавиши пианино и используемые ноты

Пример подробной схемы с пошаговым нажатием клавиш

Для того чтобы мелодия в вашем исполнении максимально была приближена к оригиналу необходимо соблюдать все паузы, ритм и темп. Для этого прослушайте аудио файл в статье.

У каждой песни есть видео инструкция. Она поможет понять, как нужно играть …

Если песни, которую вы хотели бы сыграть нет в нашем каталоге, то напишите нам письмо и, возможно, мы добавим разбор песни в самое ближайшее время.

Источник

Как читать и считать ноты – подробная инструкция + фото

Открывая сборник нот, неподготовленный человек вряд ли что-то поймет. В то время как профессиональный музыкант, глядя в ноты может услышать музыку, даже без помощи инструмента.

Дело в навыке. Научиться читать ноты и другие музыкальные знаки можно также, как вы когда-то научились читать буквы, складывая их в слова и предложения. Но для этого нужно овладеть знаниями, которыми я поделюсь с вами в этой статье.

Эволюция нотной записи

Чтобы лучше понять, как читать и считать ноты, нам придется обратиться к истокам и узнать, как формировалась нотная запись.

Как и любую другую информацию, в древние времена музыку передавали из уст в уста. Конечно, люди очень давно осознали потребность в сохранении музыки и перенесении ее на более надежный носитель. Эти попытки систематизировать и записать музыку предпринимались в различные времена. И, надо сказать, что способы были весьма разнообразны.

Истоками современной системы нотной записи стала работа древнегреческого теоретика музыки Алипия (III или IV в. н. э.). Он составил список символов (в основном это были греческие буквы), и подробно описал их значения. Символ обозначал звук определенной высоты. Эта система получила широкое распространение. В интерпретации римлян, буквы греческого алфавита были заменены на латинские: A, B, C, D, E, F, G. Именно они и по сей день широко применяются в музыкальной практике.

В средние века появилась невменная нотация. С позднелатинского «невма» — знак, намек.

Использовалась такая запись в религиозной католической музыке. Над текстом псалмов подписывались эти самые знаки или их комбинации. Они показывали направление движения мелодии: вверх или вниз, мелодические обороты или ноты, повторяющиеся на одной высоте. Но, точную высоту звука невмы не отражали. Эта система была хорошим подспорьем, подсказкой для певцов — напоминала ранее разученную мелодию.

Потребность более подробной записи сохранялась, поскольку в церковной традиции использовалось множество различных песнопений. И певцам было очень трудно удержать весь этот объем в голове.

Поиски решения продолжались. Очень важно было придумать, как же обозначать конкретную высоту звука, а не только направление движения. Сначала попробовали рядом с каждой невмой писать букву, которая соответствует определенному звуку. Но от этой идеи быстро отказались. Более рациональным стало решение ввести линию для одного звука. Она обозначала звук fa и стала ориентиром, от которого вверх и вниз стали считать все остальные звуки.

После, для еще большего удобства ввели еще одну параллельную линию сверху для звука do.

Этим нововведением мы обязаны итальянскому монаху, выдающемуся педагогу Гвидо Аретинскому. Именно он, в XI в. предложил ввести параллельные линии для более точного определения высоты звука. В течение своей педагогической деятельности он постоянно совершенствовал свою систему. Ему нужно было найти способ быстро разучивать с певцами незнакомые песнопения. Это привело к настоящей реформе в области нотной записи.

Сложившаяся система Гвидо Аретинского представляла собой четыре параллельных линии, расположенных друг под другом. Невмы стали изображать на самих линиях и между ними.

Каждая невма в этой системе имела определенную высоту. Это прямой прообраз современного нотного стана. Отличие только в том, что сейчас параллельных линий пять, а вместо невм – ноты.

Не интересно 10

Кому принадлежат названия нот

Создание системы нотной записи – не единственное достижение Гвидо Аретинского. Ему также принадлежат названия нот, которыми мы пользуемся и по сей день: До, Ре, Ми, Фа, Соль, Ля, Си.

В те времена был очень популярен гимн, посвященный Святому Иоанну. Мотив его был хорошо известен певцам и имел очень интересную структуру: каждая строка гимна начиналась на тон выше предыдущей. Начальные слог каждой строки и стал названием ноты, с которой она начиналась.

Итак, звукоряд Гвидо Аретинского состоял из шести нот, последовательно восходящих и отстоящих друг от друга на один тон: Ut, Re, Mi, Fa, Sol, La. Эта система просуществовала достаточно долго и была действительно очень удобной и понятной. Но, время шло и ей предстояло претерпеть еще множество изменений, прежде чем получить современный вид.

Первые изменения коснулись слога «Ut». Он оказался не удобен для пения, поскольку заканчивается на согласную. Поэтому в XVII веке музыковед Джованни Баттиста Дони заменил «Ut» на привычное нам «Do». Мнения относительно создания этого звука разделились: одни считают, что слог «Do» это первые буквы его фамилии, а другие уверяют, что этот слог происходит от слова DOMINUS что означает – Господь.
Название ноты «Si» также принадлежит ему. Он взял первые буквы словосочетания «Sancte Iohanne» (Святой Иоанн) из последней строчки гимна.

Существует также версия, что названия нот имеют другие корни:

Это красивая легенда, и она вполне могла бы иметь право на существование.

Звукоряд, интервал, октавы

Итак, постепенно количество нот дошло до семи: До, Ре, Ми, Фа, Соль, Ля, Си. Названиями этих нот мы и пользуемся до сих пор.

Ноты располагаются в определенной последовательности по возрастанию высоты, то есть каждая следующая нота выше предыдущей.

Если мы хотим научиться бегло читать ноты, необходимо научиться пользоваться интервалами.

Отношение между двумя звуками, взятыми одновременно или последовательно, называется интервалом . Одновременное звучание образует гармонический интервал, последовательное – мелодический.

Интервал имеет основание и вершину. Расстояние между ними можно посчитать ступенями или количеством тоно́в. Названия интервалов происходят от латинских порядковых числительных. Например, расстояние от основания до вершины в две ступени называется секундой, а в пять ступеней – квинтой. Также, каждый интервал обозначается арабской цифрой:

• Прима (prima — первая)
• Секунда (secunda — вторая)
• Терция (tertia — третья)
• Кварта (quarta — четвертая)
• Квинта (quinta — пятая)
• Секста (sexta — шестая)
• Септима (septima — седьмая)
• Октава (octava — восьмая)

Прима — это интервал, который имеет больше формальный характер, поскольку отражает расстояние между одной и той же нотой. Сами понимаете, что фактического расстояния там нет или оно равно 0. Но, тем не менее интервал существует и мы должны о нем знать.

Секунда — это интервал, где расстояние от основания до вершины включительно, составляет две ступени.

Терция – интервал, в котором разница между двумя звуками составляет 3 ступени.

Кварта – 4 ступени

Квинта – 5 ступеней

Секста – 6 ступеней

Септима – 7 ступеней

Октава — 8 ступеней

Источник

Обучение танцам: танец и сохранение традиций

Поскольку танец является исполнительским искусством, выживание в течение длительного времени любой танцевальной формы зависит от того, сохранится ли она в традициях определенной страны или же она будет записана историю. Там, где традиции продолжаются непрерывно, изменения в стиле и интерпретации (это происходит неизбежно, когда разные танцоры исполняют один и тот же материал) могут быть исправлены и танец сохранится в своем первоначальном виде. Но когда традиция нарушается (если, например, культурные традиции одной этнической группы поглотят традиции другой группы), то танцы не только могут радикально измениться, но даже исчезнуть. По этой причине запись танцев или нотация играет важную роль в сохранении его истории.

Свидетельства о существовании записи танцев восходят к древним египтянам, которые использовали иероглифы для представления танцевальных движений. В Индии самой ранней книгой о танцах (которая сохранилась и используется до сих пор) считается «Натья-Шастра» («Трактат о драматических искусствах», который согласно разным источникам, датируется 2 веком до н.э — 3 веком н.э).

Эта фундаментальная работа, которая считается священной в индийской культуре, описала ряд правил, регламентирующих танцы, в том числе все жесты и то, какие эмоции они должны изображать.

Бхаратанатьям — классическая форма танца, сделанная на основе этого трактата, является хорошим примером традиционного танца, которая выжила неизменной в течение многих веков. Она начала приходить в упадок только в течение 19-го века, частично потому что жители Запада и индийцы одинаково начали выражать свое негативное отношение по поводу его связей с проституцией. Однако, бхаратанатьям был спасен от исчезновения в целом, когда он был переделан в концертно-сценическую форму в начале 20 века. Одной из причин выживания бхаратанатьяма в течение веков было то, что бхаратанатьям использовался во время религиозных церемоний индуизма. Кроме того, «Натья-Шастра» обеспечила полное описание традиционных принципов и стилей танца для их более позднего возрождения.

Основные методы записи танцев или нотации

Отсутствие на Западе любых надежных форм описаний танца вплоть до 20 века привело к относительному недостатку традиционных танцев, по сравнению с другими формами искусства. В то время как музыка, искусство и литература минувших веков доступны и сегодня (или в оригинале или в воспроизведенной форме), не существует ни одного полного отчета ни по одному из балетов, поставленному перед 19-м веком. Даже те работы, которые формируют основы классической традиции балета (к примеру, «Лебединое озеро», «Жизель» и «Спящая красавица») не сохранились в формах, которые полностью напоминают оригинальную хореографию.

В течение Ренессанса танцы нотировались в виде простой формы словесного сокращения (одно движение или шаг обозначались одной буквой). Этот метод мог существовать, потому что танцы того времени были очень простыми, и буквально всем были известны их отдельные шаги. К 17-му веку все более и более сложные танцы, особенно придворные, привели к появлению своих нотационных систем, самая сложная из которых была издана в 1700 году и называлась «Хореография или Искусство описания танца», изданная в 1852 французским танцором и балетмейстером Артуром Сэйнт-Леоном.

Недостатком этой системы было то, что в ней нельзя было сделать привязку движения к временным промежутках. Поэтому более поздние попытки сделать подобную систему были основаны на музыкальных нотах, что могло описать не только движения, но и их продолжительность.

В 19-м веке самая продвинутая система подобного вида была издана в 1892 году в Alphabet des mouvements du corps («Алфавит движений человеческого тела») Владимиром Степановым, танцором Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Система Степанова использовалась, чтобы записывать достаточно большое количество балетов в репертуаре Мариинского театра. Именно его записи стали основанием последующих реконструкций этих постановок Балетом Уэллса Сэдлера в Лондоне.

У системы Степанова все еще было много недостатков, самым значительным среди которых было то, что сама система была приспособлена к балету и с ее помощью фактически невозможно было описать более широкий диапазон движений, развиваемых в современных методах танца.

В 1928 году Рудольф Лейбан, венгерский танцор, педагог и балетмейстер, создал сложную серию принципов для анализа полного спектра человеческих движений. Его система для записи движений в танце (широко известная как Labanotation) имела преимущество в том, что в ней можно было делать запись не только положений тела и образцов шагов, но также и способов, которыми нужно было выполнять эти движения.

Choreology — система, развитая Джоан и Рудольфом Бенеш в 1955 году, была основана на более визуальной, а не символической форме нотации. В ней движения танцоров заносились в пятилинейную таблицу (причем в виде «сзади танцора»). Верхняя строка показывает положение макушки; вторая — плечей, третья — талии, четвертая — коленей и пятая — ног. Специальные символы, такие как тире, точки и кресты указывают на то, что каждая часть тела делает — например, выпрямлена конечность или согнута и в какое направление перемещается каждая часть тела. Другие символы показывают качество или динамику движения, его ритм и акцент. В 1958 Ноа Эшкол и Абрахам Уочман предложили математическую систему, в которой движения были проанализированы с анатомической точки зрения.

Сложности в нотации танцев и театральные элементы

Основная проблема во всех системах нотации и записи танцев состоит в том, что очень мало хореографов и еще меньшее количество танцоров разбираются в них. В настоящее время нотация танцев главным образом используется только для записи, а не для создания и изучения танцев. Учитывая современные методы создания танцев в студии, для хореографа попросту невозможно получить полное представление о работе, трудно внести изменения или экспериментировать со способами отражения первоначальной идеи постановки, поскольку хореограф ограничен относительно коротким периодом времени, количеством репетиций и практическими соображениями, такими как наличие танцоров и их усталость.

Даже лучшая система нотаций не может иметь полного успеха, потому что она не может изменить фундаментальный характер танца.

Как любой другой исполнительский вид искусства, танец чрезвычайно эфемерный, существующий только во время его исполнения. Он никогда не сможет быть полностью правильно записан или сохранен для будущих поколений, поскольку способы, с помощью которых танцоры интерпретируют свою работу (их стили, технические способности и физические способности), всегда изменяются при каждом новом исполнении танца.

Театральные элементы

Музыка, дизайн и драматические элементы играли важную роль в эволюции танца, но во многих культурах танец был на самом деле не отделим от этих искусств. Например, греческое слово mousikē обозначает музыку, поэзию и танец как единую форму. Это прекрасно отражает соотношение между этими тремя видами искусства в классической греческой драме.

В ранних европейских балетах танец, музыка, драма и зрелище были одинаково неразделимы.

Даже там, где танец воспринимался как независимая форма искусства, большая часть хореографии все равно была связана с одним или всеми элементами (музыка и драма). Хореографы обычно рассматривают их как неотъемлемые части постановок. Звуковые и визуальные эффекты, например, могут иметь сильное воздействие на танцевальные движения и могут также помочь зрителю более полно прочувствовать его эстетические качества. Общим способом музыка, дизайн и драма также «сотрудничают» в плане усиления эффекта от восприятия танца, акцентируя внимание зрителя.

Самый важный элемент танца — музыка, и редко какой танец любого вида (социальный, театральный или религиозный) может развиваться без музыкального аккомпанемента. Тесная связь между танцем и музыкой основана на том, что оба вида организованы вокруг ритмичного образца; таким образом ритм сопровождающей музыки может использоваться, чтобы определить ритм танца, придать ему какое-либо специфическое значение или помочь танцорам поддержать какую-либо идею.

Источник