Концерт для гитары группы

5 отличных рок-концертов, которые можно посмотреть прямо сейчас

Что отличает хороший концерт от легендарного? Статус группы, количество зрителей и качество самого шоу. Сегодня мы предлагаем вам 5 легендарных рок-концертов, которые вы можете посмотреть прямо сейчас.

Nirvana – Reading Festival,1992

90-е – это Nirvana и грандж. Концерты этой группы были просто безумными. Стэйдждайвинг, разбитые гитары, колонки и усилители – все это сопровождало шоу главной команды десятилетия. Со смертью фронтмена коллектив и вовсе стал культовым.

Сейчас у вас есть возможность посмотреть одно из знаковых выступлений Кобейна, Новоселича и Гроула.

Queen live at Wembley, 1986

Концерт, который группа Queen дала на стадионе Уэмбли в 1986 году считается одним из лучших музыкальных перфомансов в истории. На тот момент группа была в зените своей славы.

Live at Wembley – все, за что мы любим Queen. Бешеная энергетика, великолепные песни и полная отдача на сцене.

Это выступление Queen настолько эпохальное, что кадры шоу разошлись по интернету в качестве gif-изображений, мемов и coub’ов.

Rammstein Live in Paris, 2018

Концерты Rammstein отличаются яркими пиротехническими и костюмированными шоу. Любой поклонник рока, кто хоть раз посетит выступление этой немецкой группы, запомнит его навсегда. Зрителям артисты всегда представляют проработанный сюжет, великолепный свет и звук. Live in Paris – одно из самых ярких шоу Rammstein за последние годы. Уже с первых минут музыканты дают огня во всех смыслах этого слова.

Red Hot Chili Peppers – Live at Slane Castle, 2003

23 августа 2003 года в местечке Слэйн в Ирландии группа Red Hot Chili Peppers сыграли один из лучших своих концертов. Команда находилась в отличной форме и после выхода альбомов Californication и By the Way была одной из самых популярных в мире.

«Классический состав» с Фрушанте и все главные хиты группы – Live at Slane Castle стал квинтэссенцией концертного образа «перцев».

Queens of the Stone Age – Rock en Seine 2014

В середине нулевых Queens of the Stone Age выпустили один из самых успешных своих альбомов …Like Clockwork. Пластинка получила восторженные отзывы критиков, а концерты в ее поддержку получились одними из лучших в истории команды. Звук и качество исполнения материала на каждом выступлении практически неотличимы от студийного оригинала.

Смотрим полуторачасовой сет Queens of the Stone Age в рамках фестиваля «Рок на Сене». Франция, 2014 год.

Источник

Юрий Ситников

Bachman — Turner — Overdrive — Live 1975

&k&j Elves Live Footage 1970 &k&j

ABBA — Greatest Hits, ZDF NEO, Live 2012

ABBA — Waterloo 1974 (2014)

AC/DC — Let There Be Rock [Live In Paris 1979 Full Concert]

AC/DC — Monsters ’79 Bon Scott RARE full show

AC/DC Family Jewels КОНЦЕРТ ==ХХ==

AC/DC Video Collection 1975 — 2010

Accept Staying a Life Japan ture 1985_Единственное_полное_официальное_видио Accept

Accept UDO Video Collection

Aerosmith : The Best Of =(Video Collection) (2XDVD5).2011._1DVD.

Aerosmith : The Best Of =(Video Collection) (2XDVD5).2011._2DVD.

Alice Cooper — Good To See You Again 73

Alice Cooper — Live at AVO Session (Entier/Complete)

Alice Cooper — Welcome To My Nightmare 1975

Alice Cooper The Nightmare Returns DVD rip 320×240 H.A.mp4

Alice Cooper. Feel My Frankenstein

Argent DKRC 1973

Asia Live In Concert 1990

Atomic Rooster — The Lost Broadcasts 2011

BEE GEES BEST OF VIDEO MEDLEY HD 27 Videos 1968 2003

BLACK OAK ARKANSAS live at Royal Albert Hall. 1970 (full version)

BLACK SABBATH* «1970-1975 Full Concerts»

BLACK SABBATH. «Never say die» live show. 1978 (full version)

BLIND FAITH. Live in Hyde Park. 1969 (full set version with credits)

Источник

«Виртуозы гитары». XIII Московский международный фестиваль. Открытие фестиваля. Концерты для гитары с оркестром

Концертный зал имени П. И. Чайковского

Пак Кю-Хи

Пак Кю-Хи родилась в Инчхоне (Южная Корея) и начала обучение гитарному искусству в возрасте трёх лет под руководством Йо-Сек Ри. В 9 лет она заняла первое место в детской категории Национального конкурса гитаристов Кореи. В 2004 году она поступила в Токийский музыкальный колледж, где её учителями стали знаменитые японские классические гитаристы Шиничи Фукуда и Киеши Шомура. Позднее она окончила Венский университет музыки и исполнительского искусства, где училась в классе профессора Альваро Пиерри.

Пак Кю-Хи также окончила Университет Аликанте, получив диплом магистра с отличием по специальности «классическая гитара». Её учителями были Дэвид Расселл, Игнасио Родес, Стефано Грондона, Фабио Занон, Сержиу и Одаир Ассады, Хосе де Эйсебио, Пепе Ромеро, Мануэль Барруэко и Пол О’Детт.

Кю-Хи — обладательница многочисленных наград на международных конкурсах гитаристов. Среди них — первые премии на конкурсах в Хайнсберге в Германии (2007, также завоевала Приз зрительских симпатий), «Гитарная весна» в Бельгии (2008), LiGiTa в Лихтенштейне (2009), Forum Gitarre в Вене (2009), имени Луиса да Милана (2009), имени Агустина Барриоса (2010), в Альгамбре (Испания, 2012, удостоена Приза зрительских симпатий) и памяти Яна Эдварда Юрковского (2014); вторые премии Международных конкурсов в Кобленце (Германия, 2008) и имени Микеле Питталуги в Алессандрии (Италия, 2008).

Гитаристка не раз выступала с оркестром под управлением выдающегося маэстро Сейджи Озавы. В 2009 году она участвовала в фестивале Guitar Fiesta в Токио. В октябре 2012 года выступила на сцене зала имени Джоан и Сэнфорда Вайлль в Карнеги-холле в Нью-Йорке.

Первый сольный диск Пак Кю-Хи — Sueno — был выпущен на японском лейбле Fontec в 2010 году, а в 2012-м вышел её альбом Sonata Noir. Оба диска были тепло встречены критиками. В том же 2012 году на Nippon Columbia Inc. вышел альбом Spanish Journey.

Пабло Гарибай

Мексиканский гитарист Пабло Гарибай — один из ведущих мастеров гитарного искусства в мире. Его выступления в разных городах и странах проходят с неизменным успехом. Боннская газета General Anzeiger назвала его «феноменальным исполнителем». По мнению Норберта Крафта, главы отдела по развитию артистов компании Naxos, Пабло Гарибай — музыкант «исключительный во всех смыслах». Художественный руководитель Филармонического оркестра Буффало Джоан Фаллетта отзывается о нём как о «гитаристе неповторимой чуткости, тонкости и музыкальности».

Пабло Гарибай зарекомендовал себя как непревзойденный интерпретатор самых популярных сочинений для классической гитары, в том числе концертов для гитары с оркестром Хоакина Родриго, Антонио Вивальди, Мауро Джулиани, Марио Кастельнуово-Тедеско, Мануэля Понсе и Эйтора Вилла-Лобоса.

Помимо этого, Пабло знаменит своими аранжировками латиноамериканской музыки и первым исполнением произведений композиторов-современников, среди которых Эбер Васкез, Томас Баррейро, Эрнесто Гарсия де Леон, Диоген Ривас, Матео Баррейро и Эрнесто Кордеро.

Уроженец Мехико (родился в 1978 году), Пабло Гарибай обучался искусству игры на гитаре у Хуана Карлоса Лагуны и Ивана Рискеза в Национальном автономном университете Мексики (Мехико), Томаса Мюллера-Перинга в Веймарской высшей школе музыки имени Ференца Листа (Германия), Паоло Пегораро и Джампаоло Бандини в школе Международного Пармского фестиваля (Италия).

За годы сольной карьеры Пабло Гарибай выступал с оркестрами Европы, Америки и даже Африки. Он сотрудничал со всеми ведущими симфоническими и камерными коллективами Мексики (включая Филармонический оркестр Мехико), многими оркестрами США, Дортмундским филармоническим оркестром и Симфоническим оркестром Нижней Саксонии (Германия), камерным ансамблем «Солисты Зальцбурга», Оркестром Альмерии (Испания), Королевским оркестром Валлонии (Бельгия). С Южно-Африканским камерным оркестром он исполнил премьеру «Южного концерта» для гитары с оркестром Мануэля Понсе в столице ЮАР Претории.

Пабло Гарибай — участник многих престижных музыкальных фестивалей во Франции, Германии, Великобритании, Италии, Литве, Польше, Румынии, ЮАР, Коста-Рике, Мексике и США.

В послужном списке музыканта около 20 призов и наград международных гитарных конкурсов. Он удостоен первых премий на конкурсах имени Франсиско Тарреги и имени Джулиана Аркаса (Испания), имени Мануэля Понсе (Мехико), в Тредрес-Локкемо и имени Рене Бартоли в Экс-ан-Провансе (Франция), Международном конкурсе концертов для гитары Джоан Фаллетты в Буффало (США), на конкурсах в Аахене и Гевельсберге (Германия), в Парачо-де-Вердуско и Таско-де-Аларкон — признанных центрах гитарного искусства в Мексике. Также на счету Пабло Гарибая несколько вторых и третьих премий на престижных состязаниях гитаристов в США и Европе.

В 2002 году Пабло Гарибай был удостоен Национальной премии Мексики для молодых артистов.

В дискографии музыканта — девять альбомов, записанных на Naxos, Urtext, Fleur De Son Classics и других известных звукозаписывающих лейблах. За последнее время он записал сочинения Джона Дауленда, Доменико Скарлатти, Мориса Равеля, Мануэля Понсе. В 2017 году вышли три диска: “5pa2 — duo flauta y guitarra” с произведениями Габриэлы Ортис (в дуэте с флейтистом Алехандро Эскером), “FIGT — Taxco” (запись с фестиваля гитарной музыки в Таско) и “Revolución Mexicana” (запись произведений Энрико Чапелы, сделанная на концерте Бетховенского фестиваля в Бонне).

В планах гитариста — выпуск еще двух альбомов на Naxos с музыкой Карлоса Чавеса, Хорхе Ритте, Мануэля Понсе, Эрнесто Гарсия де Леона и Эрнесто Лекуоны, а также записями с концертов в Европе, Азии и на американском континенте.

Записи Пабло Гарибая звучали в программах Испанской радиовещательной и телевизионной корпорации RTVE, а также на радиостанциях, телеканалах и интернет-порталах в разных странах мира.

Артём Дервоед

Родился в 1981 году в Ростове-на-Дону. Его первыми педагогами были Сергей Анников, Елена Светозарова и Леонид Резник. Получил образование в Музыкальном колледже имени Шнитке и Российской академии музыки имени Гнесиных, где учился у заслуженного артиста России Николая Комолятова. Совершенствовал мастерство в Академии «Киджиана» (Сиена, Италия) у Оскара Гильи — ученика Андреса Сеговии — и в Гитарной академии Кобленца (Германия) у Аниелло Дезидерио. В период учебы награждался стипендией Правительства РФ, был стипендиатом Международного благотворительного фонда Владимира Спивакова и фонда «Русское исполнительское искусство».

Лауреат 37 международных конкурсов (в России, США, Испании, Италии, Португалии, Франции, Греции, Бельгии, Германии, Австрии, Сингапуре, Тайване, Японии, Израиле), на 16 из которых завоевал первую премию. Удостоен приза «Золотая гитара» и звания «Молодая надежда года» Международной гитарной конвенции в Алессандрии (Италия). Первый россиянин, победивший на конкурсе имени Микеле Питталуги в Алессандрии (Италия, 2007) и на конкурсе Её Королевского Высочества принцессы Кристины (Испания, 2009). В 2013 году, победив на Международном конкурсе гитаристов имени Александра Фраучи, объявил о завершении конкурсной карьеры.

В 2007 году записал в Канаде дебютный диск с сочинениями русских композиторов на лейбле Naxos. В 2009 году в Мадриде записал свой второй альбом с музыкой Лео Брауэра, посвященный 70-летию выдающегося кубинского музыканта. В 2015 году фирма «Мелодия» выпустила третий диск Дервоеда с произведениями испанских композиторов за пять столетий «Призраки и тени», ставший первым альбомом музыки для классической гитары в новой истории лейбла. Диск был номинирован на международную премию в области классической музыки International Classical Music Awards 2016 (ICMA) в категории «Сольное исполнение».

Сотрудничает с Российским национальным оркестром, ГАСО России имени Евгения Светланова, НФОР, оркестрами «Новая Россия», «Русская филармония», ГСО республики Татарстан, УАФО, Берлинской штаатскапеллой, Филармоническим оркестром Буффало, Римским филармоническим оркестром, Государственным оркестром Рейнской филармонии, оркестром «Беер-Шевская Симфониетта» (Израиль), Государственным академическим камерным оркестром России, Московским камерным оркестром Musica Viva, Кельнской синфониеттой, ансамблем Del Arte и Дортмундским камерным оркестром «Амадеус» (Германия); с оркестрами русских народных инструментов имени Осипова, Академическим оркестром русских народных инструментов ВГТРК и многими другими. Наряду с исполнением сольных программ, уделяет большое внимание камерной музыке, играя в ансамблях с пианистами, скрипачами, альтистами, виолончелистами, квартетами, вокалистами, исполнителями на бандонеоне.

Среди наиболее важных выступлений последних лет: дебют на VI Большом фестивале РНО (2014) с мировой премьерой Концерта Паганини — Госса, осуществленной с РНО под управлением Михаила Плетнева. В марте 2016 года на XI фестивале «Виртуозы гитары» исполнил собственное переложение Скрипичного концерта Бетховена с ГАСО под управлением Фабио Мастранжело. В сентябре 2016 принял участие в концерте «Музыка Митрополита Илариона» в Большом зале консерватории, исполнив «Песни о смерти» на стихи Федерико Гарсиа Лорки в сопровождении НФОР под управлением Владимира Спивакова. В марте 2017 года на открытии XII фестиваля «Виртуозы гитары» представил мировую премьеру концерта для гитары с оркестром «Венецианский карнавал» современного британского композитора Стивена Госса.

Сооснователь и художественный руководитель Московского международного фестиваля «Виртуозы гитары», который c 2006 года ежегодно проходит в Концертном зале имени Чайковского. Основатель и художественный руководитель Фестиваля камерной гитарной музыки имени Александра Пономарчука «Золотые грифы» и куратор направления «Классическая гитара» в Башмет-центре (Москва). Первый российский исполнитель на классической гитаре, ставший артистом компании Yamaha. С 2011 года преподает в Российской академии музыки имени Гнесиных. В 2017 в партнерстве с Yamaha Music Russia и D’Addario Russia выпустил первый сезон авторских видеоуроков, продолжение которых ожидается в 2018 году.

Дамиан Иорио

«Фантастическое исполнение… полное эмоций, драматизма, глубины и самопознания. Сложно представить, что всеми этими эпитетами одновременно можно охарактеризовать одну и ту же интерпретацию, но Иорио удалось сподвигнуть Королевский Ливерпульский филармонический оркестр на невозможное», — так пресса оценила дебют дирижёра Дамиана Иорио с одним из лучших симфонических оркестров Великобритании.

Дамиан Иорио родился в 1972 году в Лондоне в семье известных музыкантов из Италии и Англии. После обучения в Королевском Северном колледже музыки в Манчестере и Университете Индианы по классу скрипки он начал играть в симфоническом оркестре Датского радио. Одновременно продолжил учёбу в Санкт-Петербургской консерватории по классу оперно-симфонического дирижирования, став одним из последних учеников Ильи Мусина.

Более чем 20-летняя дирижёрская карьера Иорио складывается весьма успешно. В его послужном списке — выступления с Лондонским филармоническим оркестром и оркестром Philharmonia, Королевским Ливерпульским филармоническим оркестром, симфоническим оркестром ВВС, оркестрами Детройта, Сан-Франциско, Лахти, Нидерландского радио, симфоническим оркестром Санкт-Петербургской филармонии, Национальным оркестром Бельгии, камерным оркестром Лозанны.

На рубеже 1990-х — 2000-х годов Дамиан Иорио руководил Мурманским филармоническим оркестром.

Впечатляет и масштаб оперных проектов дирижёра: «Макбет» Верди на Глайндборнском оперном фестивале, «Проданная невеста» Сметаны на сцене Парижской национальной оперы, «Евгений Онегин» Чайковского в Норрландской опере в Швеции, «Турандот» Пуччини в Боннском оперном театре, спектакли в оперном театре Осло, многих труппах Италии, включая Театр Реджо в Турине. Американский оперный дебют Дамиана Иорио состоялся в театре Сентрал-Сити в Денвере (штат Колорадо), в постановке «Поругание Лукреции» Бриттена, получившей восторженные отзывы в прессе.

В творческом багаже Иорио есть и несколько оперных постановок в России. Он подготовил премьеру оперы «Поворот винта» Бриттена в Санкт-Петербурге (2001 г., Эрмитажный театр), российскую премьеру оперы Майкла Наймана «Человек, который принял жену за шляпу» в Москве (2003 г., дизайн-галерея Artplay), которая была номинирована на «Золотую маску» в категории «Лучшая оперная постановка». В 2014 г. поставил «Кармен» Бизе в театре «Геликон опера», там же дирижировал спектаклями «Фальстаф» Верди и «Сибирь» Джордано.

Недавно вышедшие на студии Naxos диски с сочинениями Гедини и Казеллы получили блестящие отзывы в Guardian(«великолепное концертное исполнение в сочетании с безупречной дирижёрской работой Дамиана Иорио»), а сам маэстро был награждён престижной премией “Choc” французского издания LeMondedelaMusiquemagazine. Им также записаны произведения итальянских композиторов Донатони, Малипьеро, Колосанти. А вышедший в мае 2017 года альбом с симфонией и концертом для арфы с оркестром И. Пиццетти (с Национальным симфоническим оркестром Италии RAI) был назван «лучшим, выпущенным на Naxos за последние годы».

Интерес к творческому эксперименту, к новой музыке постоянно стимулирует музыканта к сотрудничеству с композиторами-современниками: Тань Дунем, Хью Уоткинсом, Сильвией Колосанти, Майклом Найманом. На его счету — несколько мировых премьер сочинений этих композиторов.

Будучи приверженцем всеобщего музыкального образования и отстаивая право каждого человека на доступ к ценностям музыкального искусства, Дамиан Иорио с энтузиазмом работает с молодыми талантами. В настоящее время он является художественным руководителем Национального молодежного струнного оркестра Великобритании. В 2014 году Иорио был приглашён на должность музыкального руководителя оркестра г. Милтон-Кинса в Англии. С этим коллективом, а также другими британскими оркестрами дирижёр постоянно участвует в образовательных проектах.

В 2006 году Дамиан Иорио был удостоен «Ордена Святой Агаты» (Сан-Марино) за вклад в развитие музыкального искусства.

В сезоне 2017/2018 гг. Дамиан Иорио дирижировал оркестром Кастилии и Леона в Испании, совершил новогоднее турне по Нидерландам с оркестром Северных Нидерландов, подготовил около 10 различных программ с оркестром Милтон-Кинса.

В ближайших планах дирижёра — концерт с симфоническим оркестром г. Киото в Японии и возвращение в Парижскую национальную оперу летом 2018 г. с премьерой «Бориса Годунова» Мусоргского.

Государственный академический симфонический оркестр России имени Е.Ф. Светланова

Госоркестр России имени Е. Ф. Светланова, один из старейших симфонических коллективов страны, отметил 80-летие в 2016 году. Первое выступление оркестра, прошедшее под управлением Александра Гаука и Эриха Клайбера, состоялось 5 октября 1936 г. в Большом зале Московской консерватории.

В разные годы Госоркестром руководили выдающиеся музыканты Александр Гаук (1936-1941), Натан Рахлин (1941-1945), Константин Иванов (1946-1965) и Евгений Светланов (1965-2000). 27 октября 2005 г. коллективу было присвоено имя Евгения Светланова. В 2000–2002 гг. оркестр возглавлял Василий Синайский, в 2002–2011 гг. — Марк Горенштейн. 24 октября 2011 года художественным руководителем коллектива назначен Владимир Юровский, всемирно известный дирижер, сотрудничающий с крупнейшими оперными театрами и симфоническими оркестрами мира. С сезона 2016/17 главный приглашенный дирижер Госоркестра — Василий Петренко.

Концерты оркестра проходили на самых известных концертных площадках мира, в том числе в Большом зале Московской консерватории, Концертном зале имени Чайковского и Государственном Кремлевском дворце в Москве, Карнеги-холле в Нью-Йорке, Кеннеди-центре в Вашингтоне, Музикферайне в Вене, Альберт-холле в Лондоне, зале Плейель в Париже, Национальном оперном театре Колон в Буэнос-Айресе, Сантори-холле в Токио. В 2013 году оркестр впервые выступил на Красной площади в Москве.

За пультом коллектива стояли Герман Абендрот, Эрнест Ансерме, Лео Блех, Николай Голованов, Курт Зандерлинг, Отто Клемперер, Кирилл Кондрашин, Лорин Маазель, Курт Мазур, Николай Малько, Игорь Маркевич, Евгений Мравинский, Шарль Мюнш, Мстислав Ростропович, Саулюс Сондецкис, Игорь Стравинский, Арвид Янсонс, Шарль Дютуа, Геннадий Рождественский, Леонард Слаткин, Юрий Темирканов, Михаил Юровский, Валерий Гергиев, Александр Лазарев, Андрей Борейко, Александр Ведерников, Ион Марин, Гинтарас Ринкявичюс, Александр Сладковский и другие замечательные дирижеры.

С оркестром выступали певцы Ирина Архипова, Галина Вишневская, Сергей Лемешев, Елена Образцова, Мария Гулегина, Пласидо Доминго, Монсеррат Кабалье, Йонас Кауфман, Дмитрий Хворостовский, пианисты Эмиль Гилельс, Ван Клиберн, Генрих Нейгауз, Николай Петров, Святослав Рихтер, Мария Юдина, Валерий Афанасьев, Элисо Вирсаладзе, Евгений Кисин, Григорий Соколов, Алексей Любимов, Борис Березовский, Николай Луганский, Денис Мацуев, скрипачи Леонид Коган, Иегуди Менухин, Давид Ойстрах, Максим Венгеров, Виктор Пикайзен, Вадим Репин, Владимир Спиваков, Виктор Третьяков, альтист Юрий Башмет, виолончелисты Мстислав Ростропович, Наталия Гутман, Александр Князев, Александр Рудин. В последние годы список солистов, сотрудничающих с коллективом, пополнился именами певцов Вальтрауд Майер, Анны Нетребко, Хиблы Герзмавы, Александрины Пендачанской, Надежды Гулицкой, Екатерины Кичигиной, Ильдара Абдразакова, Дмитрия Корчака, Василия Ладюка, Рене Папе, пианистов Мицуко Учиды, Рудольфа Бухбиндера, скрипачей Леонидаса Кавакоса, Патриции Копачинской, Юлии Фишер, Дэниела Хоупа, Николая Цнайдера, Сергея Крылова. Значительное внимание уделяется также совместной работе с молодыми музыкантами, среди которых дирижеры Станислав Кочановский, Андрис Пога, Мариус Стравинский, Филипп Чижевский, пианисты Люка Дебарг, Филипп Копачевский, Ян Лисецкий, Дмитрий Маслеев, Александр Романовский, скрипачи Алена Баева, Айлен Притчин, Валерий Соколов, Павел Милюков, виолончелист Александр Рамм.

Впервые побывав за рубежом в 1956 году, оркестр с тех пор представлял русское искусство в Австралии, Австрии, Бельгии, Гонконге, Дании, Италии, Канаде, Китае, Ливане, Мексике, Новой Зеландии, Польше, США, Таиланде, Франции, Чехословакии, Швейцарии, Южной Корее, Японии и многих других странах.

Дискография коллектива насчитывает сотни грампластинок и CD, выпущенных ведущими фирмами России и зарубежья («Мелодия», «Бомба-Питер», Deutsche Grammophon, EMI Classics, BMG, Naxos, Chandos, Musikproduktion Dabringhaus und Grimm, Toccata Classics, Fancymusic и другие). Особое место в этом собрании занимает «Антология русской симфонической музыки», которая включает аудиозаписи сочинений русских композиторов от Глинки до Стравинского (дирижер Евгений Светланов). Записи концертов оркестра осуществлены телеканалами Mezzo, Medici, «Россия 1» и «Культура», радио «Орфей».

В недавнем времени Госоркестр выступил на фестивалях в Графенегге (Австрия), Kissinger Sommer в Бад-Киссингене (Германия), «Площадь искусств» в Санкт-Петербурге, VI фестивале Мстислава Ростроповича в Москве, III симфоническом форуме России в Екатеринбурге, Платоновском фестивале искусств в Воронеже; осуществил мировые премьеры сочинений Александра Вустина, Сергея Слонимского, Антона Батагова, Андрея Семёнова, Владимира Николаева, Олега Пайбердина, Ефрема Подгайца, Юрия Шерлинга, а также российские премьеры произведений Бетховена — Малера, Скрябина — Немтина, Орфа, Берио, Штокхаузена, Тавенера, Куртага, Адамса, Сильвестрова, Щедрина, Тарнопольского, Геннадия Гладкова; принял участие в XV Международном конкурсе имени Чайковского и I Международном конкурсе молодых пианистов Grand Piano Competition; четырежды представил ежегодный цикл просветительских концертов «Владимир Юровский дирижирует и рассказывает»; трижды участвовал в фестивале актуальной музыки «Другое пространство»; посетил города России, Австрии, Аргентины, Бразилии, Чили, Германии, Испании, Турции, Китая.

В сентябре 2015 года Владимир Юровский объявил о долгосрочном проекте «80 премьер», в рамках которого отметивший 80-летие коллектив на протяжении нескольких сезонов исполняет восемьдесят премьер — мировых, российских и московских. С января 2016 года Госоркестр реализует специальный проект по поддержке композиторского творчества, предполагающий тесное сотрудничество с современными российскими авторами. Первым в истории Госоркестра «композитором в резиденции» стал Александр Вустин.

За выдающиеся творческие достижения коллектив с 1972 года носит почетное звание «академический»; в 1986 году был награжден орденом Трудового Красного Знамени, в 2006 и 2011 гг. удостоен благодарности Президента Российской Федерации.

Джоаккино Россини

«Солнцем Италии» назвал Генрих Гейне композитора Джоаккино Россини и был прав. Россини завершает период классицизма в итальянской музыке и одновременно является представителем только зарождающейся национальной школы, тесно связанной с народными традициями.

Он родился 29 февраля 1792 года в небогатой семье в Пезаро. Еще маленьким мальчиком Джоаккино выступал в опере, исполнив роль маленького Адольфо в опере Фердинандо Паэра «Камилла». Первое появление оказалось очень успешным.

Многие современники пророчили юному Джоаккино блистательную певческую карьеру. Мальчик имел все данные для этого. Однако желание сочинять музыку взяло верх. Для семейной труппы Момбелли он пишет оперу «Деметрио и Полибио». Впервые опера увидела свет через 6 лет после ее написания, 18 мая 1812 года в римском театре «Балле», поразив современников теплыми и искренними чувствами, столь мало свойственными серьезной опере того времени. После этого опера «Деметрио и Полибио» ставилась многими крупнейшими театрами Европы.

Неотвратимая сила властно влекла Джоаккино к музыке. Могучий талант юного музыканта настойчиво напоминал о себе. Но чем больше он сочинял, тем больше становились заметны его пробелы в знаниях. И чем дальше, тем больше чувствовалась потребность в систематических, серьезных занятиях.

Как раз в то время в Болонье открылся музыкальный лицей под названием «Городская филармоническая школа», куда Джоаккино и поступил через два года после его открытия весной 1806 года.

Джоаккино четыре года учится в лицее, овладевает такой сложной дисциплиной, как контрапункт. Учиться было интересно, но сложные финансовые обстоятельства его семьи заставляли юношу все больше и больше работать.

Наконец учеба закончилась, и Джоаккино полностью посвятил себя работе. Но то, что Россини делал, ничем не отличалось от его приработков во время учебы: аккомпанемент речитативам в театре, сочинение вставных или самостоятельных концертных арий… Разве об этом мечтал начинающий композитор?

Удача пришла неожиданно. Еще с прежних артистических времен родители Джоаккино сохранили теплые дружеские отношения с музыкальной семьей Моранди. Благодаря поддержке Моранди юный композитор получает заказ на оперу для венецианского театра «Сан-Мойзе». Проходит два года, и юный маэстро пишет оперу уже для знаменитого «Ла Скала» с символическим названием «Пробный камень».

Успех был огромный. После премьеры, состоявшейся 26 сентября 1812 года, опера выдержала более 50 представлений и принималась слушателями неизменно с горячим одобрением.

На следующий день после премьеры газета «Миланский курьер» писала: «Россини — молодой гений, который подает надежду, что достигнет превосходных результатов. Воспитанный на принципах строгой школы, он отличается от множества современных композиторов великолепным и живым колоритом, самобытным стилем».

Итак, испытание в «Ла Скала» окончилось благополучно. Успех «Пробного камня», сделавший имя Россини известным, поставил молодого композитора наравне с самыми известными музыкантами. Джоаккино в 20 лет уже был автором шести опер, каждая из которых явилась очередным шагом на пути совершенствования композиторского мастерства.

В конце 1812 года, при подписании контракта с театром «Фениче», Россини предложили сюжет «Танкреда». Молодой композитор с радостью взялся писать оперу на героическую рыцарскую тему.

Либретто этой исторической мелодрамы написал известный тогда либреттист Гаэтано Росси. В его основу была положена вольтеровская трагедия. Вольтер! Мятежный французский мыслитель! Многие его идеи были созвучны настроениям итальянцев. На премьере «Танкреда» партию главного героя исполняла обладательница замечательного контральто Аделаида Меланотте-Монтрезор. Как все примадонны, она была капризна. Уже на генеральной репетиции Аделаида неожиданно заявила, что ей не нравится выходная ария, как раз та, которую Танкред исполняет по прибытии на родину. Что делать? Расстроенный Джоаккино вернулся домой. Как только Россини вошел, лакей спросил, начинать ли готовить рис. Маэстро кивнул, прошел в комнату, и вдруг его осенила мысль! В считанные минуты он записал пришедшую в голову мелодию, которая и стала выходной арией Танкреда «После всех волнений». Когда Джоаккино кончил писать, вошел лакей и сказал, что рис готов. Вот с тех пор ария и получила свое второе название — «ария риса».

Уже на следующий день после премьеры вся Венеция распевала арию «После всех волнений». Все газеты славили Россини. Все это окрылило молодого композитора в его стремлении к правдивости музыкально-сценической ситуации.

Сразу после триумфа «Танкреда», последовало предложение написать оперу от театра «Сан-Бенедетто». Новая опера должна была стать комической. Либретто (автор — поэт Анджело Анел-ли) оказалось интересным, содержало много удобных для музыкального воплощения эпизодов и живых сценических ситуаций. Да и его турецкая тематика была очень популярна в то время. Новое произведение называлось «Итальянка в Алжире».

Россини с энтузиазмом принялся за создание партитуры «Итальянки». 23 дня напряженного труда — и опера готова!

22 мая 1813 года, в день премьеры «Итальянки в Алжире», театр «Сан-Бенедетто» буквально ломился от зрителей. Россини занял место за клавичембало. Уже увертюра своим контрастом напыщенной величавости и все сметающим на своем пути потоком жизнерадостных звуков настроила слушателей на восприятие смешных и несуразных событий. Это как раз то, чего хотел Россини. И хотя итальянцы не имели привычки вслушиваться в увертюру, нововведение оказалось настолько очаровательным, что заставило обратить на себя внимание. Это был настоящий триумф искусства Россини.

Оперы его ставились одна за другой. Он подписал новый контракт с театром «Ди Торре Арджентина». Сюжет — из комедии Бомарше — предложил сам Россини. «Севильский цирюльник»! И пламенное вдохновение повлекло молодого композитора к созданию шедевра, восхитившего весь мир.

«Севильский цирюльник» замечательного французского комедиографа Пьера Огюстена Бомарше появился на свет в преддверии Великой французской революции. В 1775 году он был поставлен в одном из ведущих театров Парижа — «Комеди Франсез».

«Севильский цирюльник» был неоднократно взят за основу либретто. Первым после премьеры в «Комеди Франсез» взялся за этот сюжет Фридрих Людвиг Бенда, чья одноименная опера прозвучала еще в 1776 году в Дрездене. Джованни Паизиелло создал своего «Цирюльника» для Петербурга в 1782 году. В том же году появилась и опера «Тщетная предосторожность» Йозефа Вейгля. Затем за нашумевшую комедию французского мастера брались Захарий Эльспергер, Петер Шульц, Николо Изуао.

Чезаре Стербини начал сочинять либретто только 16 января 1816 года! Уму непостижимо, какая же должна была быть спешка, ведь первоначально герцог хотел назначить премьеру на 5 февраля. Как только появились первые стихи, Стербини сразу передал их Россини. И работа закипела! Впоследствии Россини рассказывал, что оперу «Севильский цирюльник» он сочинил всего за две недели. Скорость поистине фантастическая.

Однако спешка спешкой, а жизнь жизнью. Неугомонный и жизнерадостный Джоаккино просто не мог существовать без общения, шуток, смеха. Времени на все не хватало, но он был уверен, что опера будет готова к сроку. Много лет спустя Россини вспоминал: «…У меня быстро возникали идеи, и мне не хватало только времени, чтобы записывать их. Я никогда не принадлежал к тем, кто потеет, когда сочиняет музыку». Может быть, именно поэтому он мог бросить работу в самом разгаре ради дружеской пирушки?

Закончилось первое представление оперы, и у героев Россини, которым его вдохновение подарило музыкальную жизнь, все неприятное «рассеялось, как дым». А над головой их создателя тучи сгустились. Опера провалилась с треском. Россини стоически выдержал спектакль до конца и сразу ушел домой. Конечно, на душе было скверно. Но его трезвый рассудок подсказывал, что отрицательное суждение публики еще не означает действительно плохого качества музыки. Да, вкусы тех, для кого он создавал свои творения, были переменчивы!

Джельтруда Ригетти-Джорджи, одна из актрис, рассказывала, что «на следующий день Россини убрал из своей партитуры все то, что казалось ему действительно достойным порицания». Но было неизвестно, какое впечатление произведут на публику эти изменения. А выдерживать оскорбления оказалось слишком тяжело. Джоаккино притворился больным, чтобы, согласно контракту, не идти в театр и не появляться за чембало. И напрасно! В этот день оперу выслушали с большим вниманием и наградили бурными аплодисментами! Теперь-то создание Джоаккино нашло путь к сердцам слушателей. Театр звенел от «Да здравствует синьор маэстро Россини!»

Римский триумф «Цирюльника» был поистине ошеломляющим. Римляне, обычно довольно сдержанные в выражении своих чувств, буквально носили Джоаккино на руках. И двадцатичетырехлетний композитор по достоинству наслаждался славой.

В то же году Россини получил предложение написать серьезную оперу для королевского театра «Дель Фондо» на сюжет трагедии «Отелло» Шекспира. Молодой композитор с радостью согласился, поскольку обращение к творчеству великого английского драматурга было для него заманчивой перспективой.

Россини первым открыл непочатый в оперной литературе край этических, моральных и философских ценностей английского драматурга.

Согласно свидетельствам современников, постановка встретила благосклонный прием публики и на премьере, и на последующих спектаклях.

В творчестве Россини «Отелло» занимает значительное место. Ведь эта опера явилась новым этапом в восхождении композитора к правдивой драматической выразительности музыки. И в то же время она стала переломным моментом в развитии оперного творчества Джоаккино. Как же быстро идет время! Когда Джоаккино подписывал контракт с театром «Балле» на карнавальный сезон 1817 года, было 29 февраля 1816-го. Молодой маэстро даже думать тогда не хотел о будущей комической опере, ведь впереди целый год. Но в конце ноября он не смог представить копиистам первый акт, а в середине декабря — второй. Композитор приехал в Рим только в конце декабря. И вот за два дня до Рождества началось обсуждение сюжета будущей оперы. Контракт «горел»! К карнавальному сезону театр «Балле» оказывался без новой комической оперы. Тогда сочинять либретто предложили Ферретти. Тот предлагал один сюжет за другим, и десять, и двадцать, и тридцать, но все отвергалось. Пока либреттист не назвал «Золушку». Джоаккино сразу загорелся этой идеей и согласился. Он не ждал окончания всего текста, и опера была спешно написана, спешно отрепетирована и столь же спешно поставлена. Да и исполнители были посредственными. Подобное стечение обстоятельств ничего хорошего не предвещало. Так и случилось: актеры плохо пели и играли, да и завистники Россини постарались. И «Золушка» оказалась на грани провала. Один только Джоаккино оставался спокоен — ему это было не впервой, а в качествах своей музыки он не сомневался. Да и чувствовал, что знаменитая сказка в своем музыкальном воплощении должна найти путь к сердцам слушателей. Так и вышло, опера в дальнейшем шла с успехом.

Отдых композитора, как всегда, был недолог. И уже 19 марта 1817 года Джоаккино сообщает матери в Болонью: «Пищу оперу, которая называется «Сорока-воровка». Либретто, недавно положенное на стихи, сводит меня с ума… сюжет превосходен». Трагедия простых людей, их чувства и переживания — какая благодатная почва для воплощения реалистических устремлений композитора! Работа над оперой шла своим чередом. И вот 31 мая 1817 года в театре «Ла Скала» состоялась долгожданная премьера. Зрители были буквально ошеломлены красотой и необычностью этого произведения.

Едва отгремели аплодисменты в знаменитом театре «Ла Скала», композитор снова отправился в путь. Так и текла жизнь Джоаккино Россини — в постоянных переездах с места на место, в спешке, в стремительном сочинении опер, в торопливых их постановках, в пререканиях с исполнителями и импресарио.

Однако в марте 1822 года в его жизни произошло событие иного рода. На сей раз это было не пикантное приключение, а серьезно обдуманный поступок — Россини решил жениться. И его избранницей стала очаровательная примадонна театра «Сан-Карло» Изабелла Кольбран. Их знакомство, начавшееся за 7 лет до того с постановки оперы «Елизавета, королева Английская» и перепалки постепенно переросло в крепкую привязанность и верную дружбу, на основе которой возникла любовь.

При всей любви к бродячей артистической жизни Джоаккино уже достиг того возраста (30 лет), когда его могли привлечь прелести размеренной семейной жизни.

Теперь уже с молодой женой в конце 1822 года Россини спешно направился в Венецию. Там театр «Ла Фениче» с нетерпением ждал обещанной к этому карнавальному сезону новой оперы.

Замысел этого произведения возник у Джоаккино давно. Россини вновь хотел перенести на оперную сцену трагедию Вольтера. Его выбор пал на «Семирамиду».

Необычайно красочно в опере использованы хоры, которые вплетаются естественно и непринужденно в общий ход драматического действия с его ансамблевыми и сольными номерами. Большим богатством отличается и гармонический язык «Семирамиды», и ее оркестровка.

Прием оперы был восторженным сверх всех ожиданий. Сразу после увертюры раздалась буря аплодисментов. Правда, первое действие было принято весьма настороженно, зато второе уже прерывалось выражениями искреннего одобрения. После спектакля была длительная овация. В первый вечер композитор вызывался 9 раз!

В 1824 году композитор принимает предложение занять пост директора «Театр Итальен» в Париже и надолго остается во Франции. Постепенно поняв запросы и нравы парижан, их вкусы и привычки, Россини решился написать оперу специально для Парижа. Хотя первые пробы были сделаны в жанре большой оперы, Россини решил написать оперу комическую. Либреттисты Скриб и Делетр-Пуарсон предложили сюжет, использованный ими в 1813 году при создании комедии «Граф Ори».

В его основе старинная пикардийская баллада. Действие происходит в XIII веке в Турени. Комедия, насыщенная веселыми происшествиями и остроумными, порой даже пикантными положениями, увлекла композитора, работа спорилась, и опера, содержащая хоровые и ансамблевые сцены, два обширных финала, оркестровые и сольные сцены, была закончена меньше чем за месяц.

Премьера, состоявшаяся 20 августа 1828 года, принесла ошеломляющий успех. Парижскую прессу буквально захлестнул шквал хвалебных откликов. Однако целью Россини было создание народно-героической оперы… Мысли композитора уже были заняты «Вильгельмом Теллем».

Герой и народ — вот тема «Вильгельма Телля», еще новая для оперного искусства. Открывается опера увертюрой, которая поражает необычностью и новизной своего решения. Это целая симфоническая поэма, программная по смыслу, естественно и непринужденно вводящая слушателя в образный мир будущих событий. Ее назначение не столько в том, чтобы приготовить к восприятию грядущих драматических событий, сколько создать эмоциональную атмосферу произведения. И эта самая эмоциональная связь увертюры с оперой очевидна, хотя нет связей тематических. Перед нами предстает цепь различных эпизодов: лирических и драматических, живописных и эпических, единых с оперой по смыслу.

Долгожданная премьера состоялась 3 августа 1829 года. Париж был потрясен. События оперы удалены от современности по времени, но разве восстание против угнетателей не перекликалось с настроениями парижан последнего предреволюционного года? Россини отлично понимал революционную сущность произведения. Он всегда придерживался прогрессивных взглядов.

Шедевр! Но оперу ждала судьба всех творений, прямо откликавшихся на злобу дня в те времена. Начались бессовестные сокращения не только целых кусков, но и актов. Посещалась опера не очень хорошо. Конечно, автор был уязвлен таким отношением.

А опера тем временем начала свое шествие по театрам мира. В Италии, чтобы попасть на сцену, ей пришлось претерпеть ряд сюжетных поправок. В Германии цензура изменила название на «Андреас Гофер», тем самым приблизив к современности. Ведь это было имя предводителя тирольских крестьян в начале XIX века! В России цензура назвала оперу «Карл Смелый». Но музыка итальянского композитора приживалась в разных странах, восхищая слушателей красотой и изяществом, потрясая драматической страстностью, говоря языком правдивым и романтически приподнятым.

В 37 лет Россини был самым знаменитым, самым богатым и самым модным оперным композитором. Но вдруг неожиданно для всех прекратил сочинять оперы. Может быть, он устал от непрекращающейся бесконечной работы и приводящих в изнеможение переездов из театра в театр, где ставились его произведения, и пожелал покоя?

Определенно известно только то, что кроме эмоционально насыщенной «Stabat mater» и нескольких еще небольших вещей, написанных скорее ради развлечения, он больше до своей смерти 13 ноября 1868 года ничего не написал. Но все созданное им навсегда останется огромным вкладом в искусство музыки.

Хоакин Родриго

Хоакин Родриго Видре (22 ноября 1901, Сагунто — 6 июля 1999, Мадрид) — испанский композитор, один из крупнейших деятелей испанской музыки XX века.

В три года, переболев дифтерией, Родриго полностью ослеп. Обучался композиции у Франсиско Антича в Валенсии, в 1927 году уехал в Париж, где учился в Нормальной школе музыки у Поля Дюка. В 1933 году в Валенсии женился на турецкой пианистке Виктории Камхи, после чего вновь вернулся в Париж, где продолжил образование в Консерватории и в Сорбонне. Вплоть до окончания гражданской войны в Испании в 1939 году Родриго жил и работал во Франции и Германии.

В 1940 году состоялась премьера Аранхуэсского концерта Родриго для гитары с оркестром, принесшего ему большую известность. Музыкальные критики стали говорить о нём как об одном из крупнейших музыкантов Испании. В последующие годы Родриго много сочинял, а также вёл активную деятельность как музыкальный критик, сотрудничая с музыкальными газетами и журналами, работал на радио и в Испанской национальной организации незрячих. В 1947 он получил место председателя департамента музыки в Мадридском университете Комплутенсе, а три года спустя был избран в Академию изящных искусств Сан-Фернандо.

Композитор много гастролировал по Испании, Европе, Америке и Японии, давая мастер-классы и концерты, проводя фестивали собственной музыки (1949 — Аргентина, 1953 и 1972 — Турция, 1973 — Япония, 1975 — Мексика, 1986 — Великобритания). Родриго — обладатель Большого креста Альфонса X (1953), Ордена Почётного легиона (1963), степени доктора в Саламанкском, Южно-Калифорнийском, Валенсийском и Мадридском университетах, член Бельгийской Академии наук и других почётных степеней, званий и наград. В 1991 году широко отмечалось 90-летие композитора. Король Хуан Карлос I присвоил ему титул Маркиза садов Аранхуэса.

Во второй половине XX века Родриго играл в музыкальной жизни Испании важную роль, подобно Мануэлю де Фалье — в первой. Как и де Фалья, Родриго сочинял свои произведения, ориентируясь не на основные течения в европейской музыке того времени, а на традиции испанского классического и романтического искусства. Среди 170 работ композитора — 11 концертов, многочисленные оркестровые и хоровые произведения, песни и романсы, сочинения для фортепиано и гитары, музыка к кинофильмам и театральным постановкам и др. Сборник критических работ Родриго, вышедший в 1999 году, демонстрирует его глубокие познания в области музыкального искусства.

Наиболее известны сочинения Родриго для гитары, входящие в репертуар ведущих мировых исполнителей: Аранхуэсский концерт, «Фантазия для джентльмена», Концерт-мадригал и др.

Александр Чайковский

Народный артист РФ. Композитор, пианист, педагог. Профессор, заведующий кафедрой сочинения Московской консерватории. Художественный руководитель Московской филармонии. Родился 1946 в творческой семье. Его отец — Владимир Чайковский — пианист по образованию, много лет был директором Музыкального театра им. К. С. Станиславского и Вл. И. Немировича-Данченко, дядя — выдающийся композитор Борис Чайковский.

А. Чайковский окончил ЦМШ по классу фортепиано у профессора Г. Г. Нейгауза, а потом Московскую консерваторию по двум специальностям: как пианист (класс Л.Н. Наумова) и композитор (класс Т. Н. Хренникова, у которого продолжил занятия в аспирантуре).

В 1985–1990 был секретарем Союза композиторов СССР по работе с творческой молодежью. С 1977 преподает в Московской консерватории, с 1994 — профессор.

В 1993–2002 — советник Мариинского театра.

В 2005–2008 — ректор Санкт-Петербургской консерватории.

А. Чайковский — обладатель I премии на Международном конкурсе композиторов «Hollybush Festival» (США). Принимал участие в международных музыкальных фестивалях в Шлезвиг-Гольштейне (Германия), «Пражская весна», в фестивале Юрия Башмета в Лондоне, в Международном фестивале искусств «Звезды белых ночей» (Санкт-Петербург), в фестивале им. А. Д. Сахарова в Нижнем Новгороде, в Международном фестивале «Киев-Фест». В 1988 был главным композитором фестиваля в Бад-Киссингене (Германия), в 1995 — фестиваля «Nova Scotia» (Канада). Произведения А. Чайковского звучат в крупнейших концертных залах России, Европы, Америки, Японии. Лауреат газеты «Музыкальное обозрение» в номинации «Композитор года».

Список сочинений А. Чайковского многообразен. Композитор в своем творчестве охватывает практически все основные жанры академической музыки: девять опер, среди которых — опера «Один день Ивана Денисовича», представленная в 2009 году в рамках фестиваля Национальной театральной премии «Золотая маска»; 3 балета, 2 оратории («К солнцу», «От имени земного шара»), 4 симфонии, симфоническая поэма «Ноктюрны Северной Пальмиры», Концерт для оркестра «ЦСКА — Спартак», 12 инструментальных концертов (для фортепиано, альта, виолончели, фагота и симфонического оркестра и других инструментов), хоровые и вокальные произведения и камерно-инструментальные сочинения. А. Чайковский активно работает в жанрах «легкой музыки». Им создан мюзикл «Греховодникъ», оперетта «Провинциалка», музыка к кинофильмам, телефильмам, документальным фильмам и мультфильму.

Музыку А. Чайковского исполняют такие выдающиеся музыканты, как М. Плетнев, В. Федосеев, В. Гергиев, М. Янсонс, Х. Вульф, С. Сондецкис, А. Дмитриев, Ю. Башмет, В. Третьяков, Д. Герингас, Б. Пергаменщиков, М. Гантварг, Е. Бронфман, А. Слободяник, «Вермеер-квартет», «Терем-квартет», «Фонтене-трио». С композитором сотрудничали: Мариинский театр, Московский Камерный музыкальный театр п/у Б. Покровского, Московский театр оперетты, Детский музыкальный театр им. Н. И. Сац, Пермский театр оперы и балета, Театр оперы и балета в Братиславе, Санкт-Петербургский театр музыкальной комедии.

Почти 30 лет посвятил А. Чайковский педагогической деятельности. Выпускники композитора работают во многих городах России, в Италии, Австрии, Англии, США, среди них — лауреаты конкурса «Международная трибуна композитора ЮНЕСКО», Международного конкурса им. П. Юргенсона, международных композиторских конкурсов в Голландии и Германии.

А. Чайковский ведет активную общественную деятельность. В 2002 стал инициатором и художественным руководителем музыкального фестиваля «Молодежные Академии России». Основная цель фестиваля — продвижение молодых композиторов и исполнителей, акция получила поддержку Президента РФ. Композитор является членом и председателем жюри многочисленных российских и международных конкурсов, членом Совета культурного форума «Россия — Япония», членом общественного Совета директоров I канала (ОРТ).

Трижды газетой «Музыкальное обозрение» назывался «Персоной года». В 2009 газета назвала «Событием года» постановку оперы А. Чайковского «Один день Ивана Денисовича» в Пермском академическом театре оперы и балета им. П. И. Чайковского.

Источник