Кубизм мужчина с гитарой где он

Человек с гитарой — 1911 Пабло Пикассо

Человек с гитарой

1911; 154х77,5 см
Музей Пикассо, Париж

Кубизм зародился в результате совместных творческих исканий Пикассо и Брака — их заслуги в этом приблизительно равны.

В 1909 году Пикассо удается достичь поразительных эффектов, разбивая пространство, предметы и человеческие фигуры на геометрические фрагменты. Таким образом, мастер находит качественно новые связи как между самими фрагментами, а точнее — их формами, так и внутри них.

Проще говоря, каждый объект разбивается на бесконечное множество маленьких квадратов и кубиков (фран. «cubes» — отсюда и название «кубизм»), представляющих один и тот же предмет с разных точек зрения одновременно.

Кубизм стал настоящей революцией в западноевропейской живописи. Он шокировал и сбивал с пути современных Браку и Пикассо художников, заставляя их по-новому воспринимать живопись.

В 1923 году Пикассо напишет: «Кубизм долгое время был непонятен — это факт, который, впрочем, не имеет никакого значения. Я не знаю английского, и для меня книга, написанная на этом языке, является пустой книгой. Но это совсем не означает, что английского языка не существует».

Среди первых кубистических опытов Пикассо преобладают натюрморты и, если можно так назвать, портреты — как правило, с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и проч. — все это атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала XX века.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кафе и борделей. Пикассо использует коллаж (композиция «Скрипка») — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем разнообразие вводимых фактур растет (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла и т.п.).

Женщина, играющая на мандолине

1909; 92х72,5 см
Эрмитаж, Санкт-Петербург

Мотив женщины, играющей на мандолине, пришел к Пикассо от Камиля Коро (1796-1875), картины которого были выставлены на парижском Осеннем салоне 1909 года. Однако, в отличие от своего предшественника, Пабло преследует иные цели: он создает пространство, в котором фигура и свет состоят между собой в математических отношениях.

Лицо, представленное схематически, раскладывается на простые геометрические формы — треугольник, круг, овал, квадрат, прямоугольник. Здесь все еще заметно влияние эстетики «примитивных цивилизаций». Резко обрывающиеся следы кисти (напоминающие полосы на лице одной из «авиньонских девиц») похожи на ритуальные порезы, которые делали представители некоторых африканских племен. С их помощью Пикассо вводит в картину свет и движение.

В «Человеке с гитарой» очертания фигуры музыканта зритель может уловить только благодаря определенным интеллектуальным усилиям. В свою очередь ограниченная цветовая гамма, сводящаяся к использованию лишь серого и охры, делает картину гармоничной, если не сказать — совершенной.

Источник

10 малоизвестных фактов о картине Пикассо «Старый гитарист»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Пикассо передал картиной свое душевное состояние

В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». Это видно по монохроматичности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.

2. Картина больше, чем считают многие люди

Из-за искаженной перспективы обычно все считают, что «Старый гитарист» — очень небольшое полотно. На самом деле, его размеры — 123 x 83 см.

3. Человек на картине слепой

Закрытые глаза, отрешенность от всего мира и только инструмент в руках имеет значение. «Старый Гитарист» стал одним из символов в литературе, который часто используется для того, чтобы передать то, как слепые видят что-то «за пределами этого мира».

4. Человеческие страдания – основная тема «голубого периода»

Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Особо его интересовала тема слепоты, а слепых людей можно найти в ряде его произведений. На «Скромной трапезе» (1904) изображены слепой мужчина и зрячая женщина, которые сидят перед практически пустым стволом. Похожая ситуация изображена на «Завтраке слепого» (1903). Наконец, на портрете «Селестина» (1903) нарисована женщина с бельмом на одном глазу.

5. Частично эту картину можно считать автопортретом

Единственным элементом «Старого гитариста» не синего цвета является гитара. Гитарист якобы находит утешение среди однообразия окружающего мира в своем инструменте. Точно так же и Пикассо рассматривал возможность вторить, как единственное светлое пятно даже в самые плохие времена.

6. Композиция «Старого гитариста» намекает на творчество Эль Греко

Как и все картины голубого периода, это полотно непосредственно связано с художником Эль Греко. Пикассо был большим поклонником этого художника, несмотря на то, что на то время в фаворе были другие художники эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что Пикассо специально выбрал странную угловатую позу гитариста, а также изобразил его конечности преувеличенно удлиненными. Якобы это было сделано в качестве дани таланту Эль Греко.

7. Картина, возможно, послужила вдохновением для стихов

Через три года после того, как «Старый гитарист» был выставлен в художественном музее Уодсворт Атенеум в Хартфорде, штат Коннектикут, американский модернист Уоллес Стивенс опубликовал стихотворение «Человек с голубой гитарой». Несмотря на, казалось бы, очевидную связь между живописью и поэмой, Стивенс отрицает какую-либо причастность к работе Пикассо.

8. На картине есть скрытая женщина

Если внимательно присмотреться, то можно разглядеть за ухом гитариста едва заметные лоб и глаза. Ученые художественного музея при Институте Искусств Чикаго, где хранится картина, просветили картину с помощью инфракрасного излучения и рентгена. Они обнаружили, что под слоем краски скрывается недописанное изображение обнаженной молодой женщины, которая кормит грудью ребенка, а также изображения теленка и коровы.

9. «Старый гитарист» — самое знаковое произведение голубого периода Пикассо

В течение 1900-1904 годов Пикассо написал довольно много картин, в которых преобладали оттенки синего и голубого цветов. Но ни одна из них не стала столь популярна, как «Старый гитарист».

10. Институт Искусств Чикаго вошел в историю благодаря этой картине

Институт искусств Чикаго приобрел картину в 1926 году. «Старый гитарист» стал первой картиной Пикассо, которая была приобретена американским музеем, а также первой картиной Пикассо, которую любой музей мира приобрел для своей постоянной коллекции.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Источник

Жорж Брак

Биография

Французский художник Жорж Брак перепробовал ряд изобразительных стилей и остановился на таких, как импрессионизм и кубизм. Он создавал прекрасные скульптуры, церковные витражи и театральные декорации, но главное место в его творчестве занимали гравюры и живопись.

Детство и юность

Жорж Брак родился во Франции 31 августа 1882 года в семье маляров и ремесленников из провинциального города Аржантей. Отец, мать и престарелый дедушка заботились о воспитании мальчика, который с детства проявлял способности, не характерные для детей.

В 1890 году, когда пришло время учиться, родители приняли решение переехать в крупный населенный пункт Гавр. Жорж поступил в школу декораторов, где преподавали известные живописцы, а по вечерам ходил на море и слушал звук скрипок и литавр.

Очарованный людьми и атмосферой, он брал уроки музыки, еще не подозревая о том, что станет автором великих картин. Идея связать биографию с живописью пришла во время учебы в Париже, где юноша оказался в обществе увлеченных и прогрессивных мужчин.

Окончив Академию Фернана Умбера, Жорж поселился на Монмартре и подружился с Франсисом Пикабиа, который прославился как авангардист. С его подачи произошло знакомство с работами импрессионистов, среди которых были Андре Дерена, Рауль Дюфи и Анри Матисс.

Личная жизнь

В молодости Брак, озабоченный карьерой, не думал о личной жизни, хотя поддерживал романтические отношения с парижской художницей Мари Лорансен. Жена у него появилась чуть позже, и пара вместе путешествовала по миру, радуясь жизни. Судя по фото, Жорж был красивым мужчиной.

Живопись

Ранние импрессионистские работы не получили широкого признания, и Брак с подачи коллег-живописцев начал творить в стиле фовизм. В 1907 году картины выставили в Салоне Независимых, и положительные отзывы друзей и критиков вселили в художника оптимизм.

К этому же течению примкнули парижские друзья молодого человека, которые совершенно по-новому стали использовать чистые цвета. Главным на полотнах фовистов было контурирование предметов и пятен, за счет чего создавалась плотность и подчеркивалась красота.

Правда, после ретроспективного показа картин умершего Поля Сезанна живописцы нового поколения решили преобразовать собственный стиль. Брак стал использовать геометрические формы в натюрмортах и пейзажах, и любимыми его оттенками стали охра и ваниль.

В конце 1900-х годов под влиянием Пабло Пикассо художник стал создавать картины, охарактеризованные как протокубизм. Хорошо знакомые повседневные предметы преображались в анимированные видения и в причудливо измененной форме обретали новую жизнь.

Позже Брак экспериментировал с коллажами и стал основателем новой техники, которая позже получила название «наклеенная бумага», или Papier colle. С ее помощью мастер изобразил бутылку, тарелку и газету, но, в отличие от живописи и графики, это не понравилось публике.

В 1910-х годах, тесно сотрудничая с Пикассо, Жорж написал несколько портретов современников и дам. Странные кубики и ромбы, оттененные угольными контурами, казалось, расставляли части тела по несвойственным им местам.

Несмотря на такое первое впечатление, кубизм быстро распространился и стал самым популярным стилем к середине 1910-х годов. К сожалению, карьера Брака прервалось из-за мирового вооруженного конфликта, и вернуться к мольберту после сражений стоило великих трудов.

Расцвет творчества французского авангардиста пришелся на послевоенное время и ознаменовался появлением самых выдающихся работ. К ним относились «Синий аквариум», «Лимон» и «Лодки у берега», а также «Салон», «Женщина у зеркала» и «Коричневый натюрморт».

Жорж Брак является автором многих декоративно-изящных композиций, составленных из элементарных геометрических объёмов и.

В последние годы жизни живописец продолжал экспериментировать с жанрами и делал витражи для церкви и декорации для сцен. В 1934 году вышла монография о Браке, которую написал и отредактировал немецкий прозаик Карл Эйнштейн.

В 1948 году, побывав в разных странах мира, Жорж участвовал в Венецианской биеннале и получил Гран-при. Потом художник увлекся скульптурой и представил работы на персональных выставках, которые прошли в Лондоне, Риме, Токио и Цинциннати.

Смерть

Брака не стало 31 августа 1963 года, причины смерти не разглашались по просьбе друзей и жены. После речи у могилы на кладбище в предместье Парижа прошла выставка ранних работ художника, и зрители были восхищены.

В 2010 году полотно кубиста, хранившееся во Франции, было украдено из Музея современного искусства вместе с рядом других картин. Расследование показало, что вор действовал в одиночку, скорее всего, это преступление было заказным.

Источник

Жорж Брак — один из основоположников кубизма

«Не нужно даже пытаться подражать вещам, которые преходящи и постоянно меняются, и которые мы ошибочно принимаем за что-то неизменное. Вещи в себе вовсе не существует. Они существуют лишь через нас». Жорж Брак

Полулежащая обнаженная на пьедестале

Пейзаж в Эстаке

Жорж Брак — французский художник, график, скульптор и декоратор; вместе с Пикассо считается создателем кубизма.
Родился 13 мая 1882 года в Аржантёй в семье художника-декоратора. У своего отца Жорж получил первые навыки в малярном деле. Дед мальчика также занимался отделочными работами и тоже внес свою лепту в его обучение.

Виолончель и кларнет на столе

Виолончель и подсвечник

Работы декоратора не хватало для воплощения обширных художественных замыслов юного художника, он начал обучение профессиональным основам рисования в гаврской Школе изящных искусств. В Париже молодой человек подтвердил свои декораторские умения и получил сертификат, подтверждаюший его навыки. В 1900-1901 годах учился в Технической школе в Париже. В 1902-1904 годах посещал занятия в Школе изящных искусств и в академии Эмбера, музеи и частные коллекции, изучал живопись импрессионистов и постимпрессионистов, египетскую и греческую скульптуру, а также произведения Коро и Сезанна.

Гавань в Антверпене

Гавань в Ла-Сьота.

Брак – один из главных героев раннего авангардизма. Известно, что глядя на его картину, Матисс впервые употребил слово «кубики». И, глядя на нее же, критик Луи Воксель образовал от этого слова «кубизм». Однако, художник сильно проявил себя на ниве искусств еще до кубизма.

Гавань в Нормандии

Гитара и фрукты

В 1903 году в парижской Школе изящных искусств Брак удачно познакомился с активно движущимися в сторону фовизма Дюфи и Фриезом. «Матисс и Дерен указали мне путь», — говорил он впоследствии об этом времени.

Гитара, фрукты и кувшин

Нужно заметить, что Брак, в отличие от большинства фовистов, озабочен не только расположением цветовых пятен на плоскости картины, но и построением пространства, что благотворно скажется потом, в его кубизме.

Стакан, графин и газета

Женщина за мольбертом

Кларнет и бутылка рома на каминной полке

Палитра Брака окончательно раскрепостилась в Эстаке, среди средиземноморской красочной несдержанности. Техника стала более разнообразной, вплоть до пуантилизма. Брак удачно выставил шесть эстакских пейзажей в Салоне независимых и все их продал. Но скоро всему этому пришел конец – в Париж уже приехал Пикассо.

Виадук в Эстаке

Большие деревья в Эстаке

Две вещи перевернули сознание Брака-фовиста: большая выставка Сезанна в 1907 году и знакомство с Пикассо тогда же.
Сезанновская выставка была откровением для многих. Сезанн, можно сказать, вернул в тогдашнее современное искусство пространство и объем. Пикассо же показал пути развития нового искусства.

Натюрморт с Бандерильи

Познакомил их Аполлинер – он привел Брака в мастерскую Пикассо, где стояли почти законченные «Авиньонские девицы». «Ты пишешь картины, как-будто хочешь заставить нас съесть паклю или выпить керосину», — сказал он автору. Тем не менее, Брак оценил всю прелесть предлагаемых Пикассо возможностей. Художники стали большими друзьями. Брак и Пикассо двигались вперед ощупью, не имея никаких определенных целей, кроме нежелания делать как раньше и желания делать как никто прежде. Позже Пикассо говорил: «Когда мы начинали писать кубистически, в наши намерения не входило изобретать кубизм. Мы лишь хотели выразить то, что было в нас самих. Ни один из нас не составлял особого плана сражения, и наши друзья – поэты — внимательно следили за нами, не давая никаких предписаний». Поэты упомянуты тут потому, что, живя там же, в Бато-Лавуар, они принимали живейшее участие в обсуждении того, в какую сторону можно двинуть современное искусство. Особенно – Аполлинер.
Вскоре после первого визита к Пикассо Брак делает как бы ответ на «Девиц».

Мужчина с гитарой

Выглядит картина менее смелой, чем работа Пикассо. В частности, в ней нет такой отчаянной новации, как несколько точек зрения. Но ближайшим же летом, в 1908 году, Брак снова уехал в Эстак и написал там классические вещи раннего кубизма.

Кларнет и бутылка рома на каминной полке

Дальнейшие периоды творчества Брака полностью совпадали с фазами развития кубизма. Так как он сам их формировал, совместно с Пикассо. До Первой мировой войны, их работы оказывались иногда малоотличимы друг от друга. Основоположники кубизма даже по-доброму шутили, когда один основоположник подписывал своим именем работу второго основоположника, чем внесли некоторую неразбериху в последующую атрибуцию их работ.
Несомненным новаторством Брака являлось введение в картину разных буквиц, цифр, музыкальных знаков и обрывков фраз, что создавало странное сочетание двух изначально разных смысловых пространств – как бы изображенного реального и знакового, которые, становились в работе одним пространством.

Натюрморт с Бандерильи

С началом Первой мировой войны Жорж Брак был отправлен на фронт и в мае 1915 года получил ранение в голову. Оправившись после тяжелой операции, возобновил занятия живописью в 1917 году. С конца 1910-х годов он работал большими сериями или циклами, варьируя один и тот же мотив («Натюрморты на круглом столе», 1918-1942; «Камины», 1922-1927; «Биллиарды», 1944-1952). Его колорит высветляется, строится на тонких градациях охристых, голубых, серых, оливковых, терракотовых оттенков. Вещи, очерченные округлыми, упруго изогнутыми контурами, располагаются по параллельным тесно сближенным планам, резкая тень делит объемы предметов пополам («Круглый стол», 1922, Нью-Йорк, Музей Метрополитен; «Буфет», 1920, Базель, Галерея Бейелера). Планы колеблются в диапазоне малой глубины, поверхности колышутся, возбуждая почти тактильное ощущение пространственных интервалов.

Натюрморт с кларнетом

Натюрморт на столе

Натюрморт на камине

С 1931 года Брак жил попеременно в собственном доме в Варанжвиле (близ Дьеппа) и в Париже, изредка совершая поездки в другие европейские страны. Не оставляя жанра натюрморта, он обращается к композициям с человеческими фигурами в интерьере. Эти работы проникнуты скрытой символикой, выражающей обобщенные философские смыслы и тонкие душевные состояния («Женщина с мандолиной», 1937, Нью-Йорк, Музей современного искусства; «Пасьянс», 1942, Лозанна, частное собрание). Созданные в период оккупации натюрморты, пронизанные трагическим мироощущением, близки по духу к классическим аллегориям Vanitas («Графин и рыбы», 1941, Париж, Национальный музей современного искусств). В серии «Биллиардов» контурные линии множатся, придавая предметам сходство с трепещущими крыльями бабочек, с вибрирующей струной; статичный мотив обретает драматическую выразительность сюжетной картины («Биллиард», 1944, Париж, Национальный музей современного искусства).

Натюрморт с гитарой

Натюрморт с виноградом

В 1949-56 годах была создана серия «Мастерских» картин, состоящая из восьми крупномасштабных полотен. Натюрморты с атрибутами искусств, размещенные в обширных пространствах, наделены свойствами монументальности. Туго переплетенные формы, вязкие землистые тона пронзаются изображением белой птицы, символа творческого полета («Мастерская II», 1949, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный Рейн-Вестфален). В живописи и графике 1950-х годов образ летящей птицы развивается в самостоятельную тему. Он расписывает в 50-х годах лапидарными изображениями птиц плафон этрусского зала в Лувре и создает множество подобных графических изображений. Образ летящей птицы превращается в искусстве Брака в олицетворение природы, в символ свободы, духовного полета и самого творчества.

Голова в профиль

В поздних пейзажах Брака, предельно лаконичных, пустынность равнин и морских побережий Нормандии подчеркивается мотивом заброшенной лодки или забытого на осеннем поле плуга («Большой плуг», 1960, Париж, Галерея Мэг; «Лодка», 1960, частное собрание).
Жорж Брак вошел в историю искусства 20 века как один из основоположников кубизма и как продолжатель классической традиции ясной, гармонично уравновешенной формы.

Лежащая обнаженная (Купальщица IV)

Умер Брак в Париже 31 августа 1963. Могила Жоржа Брака находится на кладбище Варенжвиль-сюр-Мер. Картины Брака представлены в лучших музеях мира.

Источник