Моцарт сонаты для фортепиано история создания
Ты, Моцарт, бог, и сам того не знаешь…
Александр Пушкин
Вы помните, что отвечает Моцарт на эту реплику Сальери? «Ба, право? Может быть… Но божество мое проголодалось». В этом соединении «возвышенного и земного» — недаром же слова эти стали названием популярного романа о жизни композитора — весь Моцарт! К сонатам для клавира Моцарт обратился сравнительно поздно — в 19 лет, к тому времени уже завоевав славу виртуоза. Еще будучи «чудо-ребенком», он поражал своим даром импровизации, и не случайно жанр вариаций, столь близкий ему, проник во многие из сонат. Сам Моцарт сообщает в письме к отцу, что в одном из концертов он сыграл «… сразу же так, из головы, великолепную сонату до мажор с рондо в конце».
Моцарт-пианист не похож на других виртуозов, которых Мендельсон спустя полвека назовет «акробатами фортепиано». В игре знаменитого Клементи, с которым Моцарту однажды пришлось состязаться по воле императора Иосифа II, Моцарт не находит «ни на крейцер ни вкуса, ни чувства, сплошная механика». Для композитора часто потребляемое слово gusto (ит. вкус) — главная мера мастерства. Вот его краткая заповедь пианистам: «Играть пьесу в правильном темпе, как должно. Все ноты, форшлаги etc. с подобающим выражением и gusto, как написано, чтобы казалось, что тот, кто играет, сам ее и сочинил».
А вот ремарка Моцарта к Andante одной из сонат: «…оно полно экспрессии и должно быть сыграно точно — со вкусом и forte и piano там, где они стоят».
Создававшиеся на протяжении полутора десятков лет циклы клавирных сонат Моцарта принято по месту их сочинения или издания называть «мюнхенскими», «мангеймскими», «парижскими», «венскими». Сонаты в ту пору не считались подлинно концертным жанром: Моцарт чаще играл в академиях (так именовались открытые концерты) вариации и фантазии. Сонаты писались в первую очередь для домашнего музицирования и для многочисленных учеников, хотя сегодня они, разумеется, далеко выходят за рамки педагогического репертуара.
Сам Моцарт, правда, нередко называл свои сонаты трудными (только одну из них снабдил подзаголовком «Маленькая клавирная соната для начинающих», K. 545). Главную трудность он видел не в технике игры, а в ее выразительности. Знакомые всем, кто учился музыке с детских лет, сонаты — твердый камешек для исполнителей на концертной эстраде. Именно сочетание привлекательности с кажущейся легкостью изложения (при том, что Моцарт насыщает музыкальную ткань не только галантными украшениями, но и полифоническими «узорами») делает сонаты экзаменом на высшую доблесть для интерпретатора (напомним, virtus — мужественный, доблестный — латинский корень понятия «виртуоз»).
Композитор дарит нам минуты «возвышенного», как в пронзительной Сонате ля минор KV 310, навеянной болезнью и смертью любимой матери или, как в Сонате до минор KV 475, прорицающей «Патетическую сонату» Бетховена. К до-минорной сонате Моцарт присоединил позднее Фантазию до минор KV 475, обычно исполняемую в качестве «увертюры» к сонате. Совсем иным, «земным», предстает Моцарт в Сонате Ля мажор KV 331, с ее волшебными вариациями на французскую песенку и финальным Rondo alla turca («Турецким маршем»), сделавшимся едва ли не шлягером.
Источник
Жанр концерта и сонаты в творчестве Моцарта
ЖАНР КОНЦЕРТА И СОНАТЫ В ТВОРЧЕСТВЕ МОЦАРТА
Моцарт наряду с И. Гайдном и Л. Бетховеном является представителем венской классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке, связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления, законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната, квартет), классических норм музыкального языка.
Произведения для клавира (сонаты и концерты) Моцарт писал в течение всей своей жизни, и это связано с его исполнительской деятельностью.
С первым его концертом связан известный забавный случай («Папа, ну разве он сложный? Его может сыграть даже ребёнок! Например — я…»).
В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепьяно. Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, проникновенностью, изяществом. Моцарта называли первым виртуозом своего времени. Надо учитывать, Моцарт имел дело с еще сравнительно несовершенным инструментом, еще не вполне одержавшим верх в соперничестве со старыми клавесином и клавикордами, отличавшимися отрывистым и слабым звуком. В пределах возможностей этого инструмента Моцарт стремился к максимальной певучести как исполнитель и как композитор.
В Вене Моцарт часто принимал участие в концертах, регулярно устраивал свои собственные – так называемые «академии». В академиях он выступал как композитор и исполнитель-импровизатор. В последние годы жизни это был чуть ли не единственный его источник средств.
Всё творчество Моцарта, в том числе концерты и сонаты, можно поделить на несколько периодов. Некоторые исследователи (например, Аберт) говорят о «великом стилевом перевороте». Тут уже абсолютная строгость, новые формы – соединение контрапункта и свободного голосоведения, особо красочная гармония, таинственная глубина образов. Тогда же меняется характер орнаментики, мелизмов, которые в фортепианных концертах первого венского периода ещё не совсем оторвались от типа украшений 18 века. Она становится более весомой, приближается к Баховской.
Для фактуры фортепьянных сочинений Моцарта характерна дифференциация мелодии в верхнем голосе, исполняемой правой рукой, и сопровождения в левой руке. Правда, это же наблюдается и в ряде сонат Гайдна, но, во-первых, сама мелодика Моцарта отличается особой певучестью, требующей связной игры (legato), и во-вторых, у Моцарта такого рода фактура становится одним из ведущих принципов.
Фактура сопровождения в фортепьянных сочинениях Моцарта разнообразна: то это аккорды, дающие гармонический фон, или аккордовые репетиции, то тремоло в пределах октавы, септимы или сексты (такие тремоло бывают и в правой руке), то арпеджированные пассажи, то многократные фигурации на разложенных аккордовых звуках (так называемые «Альбертиевы басы»
Всего у Моцарта 19 сонат. Непроходимой грани между сочинениями раннего и зрелого периода нет. Ранние сонаты Моцарта еще полностью отражают черты «чувствительности» так называемого «галантного стиля» и несут на себе следы влияний Ф. Э. и И. Хр. Бахов. Наряду с этим в ранних сонатах Моцарт испытал влияние клавирного стиля Иоганна Шоберта. Клавирная музыка Шоберта, отличавшаяся большой задушевностью и певучестью, была близка творческим устремлениям Моцарта и, несомненно, наряду с итальянской оперной кантиленой, способствовала развитию в его фортепьянных произведениях той кантабильности, о которой речь была выше.
Постепенно фортепьянные сочинения Моцарта, вобрав в себя и органически претворив эти воздействия, приобретают собственный индивидуальный облик; в них расширяются границы звуковой выразительности, свойственной клавирной музыке XVIII века, они насыщаются глубоким драматическим содержанием, яркими динамическими контрастами. К лучшим произведениям Моцарта для фортепьяно относятся: соната ля минор (1778), соната Ля мажор (1778), фантазия и соната до минор (1784-1785).
Соната A — dur – одна из тех, что написаны в Париже в 1779 году. При традиционном количестве частей есть и особенности: allegro написано в форме вариаций, и его музыкальное развитие заключается не в обострении контраста между главной и побочной партиями, а в выявлении выразительных возможностей, заложенных внутри одной темы. Отличительной чертой сонаты является её изящность, грациозность, все части имеют светлый, жизнерадостный характер. Лёгкая, прозрачная музыка хорошо соответствует звучанию клавесина.
Первая часть начинается с изложения мелодичной, грациозно-танцевальной темы, размер 6/8 придаёт ей плавность движения. Простая двухчастная форма характерна для темы вариаций и не меняется в течение первой части. Варьирование – жанровое и орнаментально-фигурационное. 6 разнообразных по характеру вариаций подчёркивают различные особенности темы: вторая и пятая – песенность; первая, четвёртая – изящность, грациозную остроту; третья оттеняет одноимённым минором; в пятой и шестой изменён темп, а в шестой ещё и размер. Контрастность и завершённость вариаций не мешают цельности всего цикла. Постоянными остаются гармоническая последовательность, тональность (кроме третьей) и форма.
Вторая часть – менуэт. Подобно Гайдну Моцарт придаёт изящной музыке черты жизнерадостного и весёлого танца. В течение одной фразы несколько раз меняется настроение: начало мужественное и решительное, но уже в третьем такте тот же мелодический оборот больше похож на мягкий, галантный поклон. Плавные пассажи трио мелодичны и выразительны.
Третья часть « Alla turca » особенно популярна. Вопреки распространённому мнению, её форма не рондо, а трёхчастная с припевом (дополнительным эпизодом). Празднично-весёлая, танцевальная мелодия припева звучит с характерным арпеджированным сопровождением, напоминающим мелкую барабанную дробь. В среднем разделе – быстрые пассажи в фа-диез миноре ( perpetuum mobile ). Несмотря на непрерывное и равномерное движение, танцевальность присуща и этому разделу. Финал завершается кодой, объединяющей основную тему финала с припевом. Кода звучит особенно светло и радостно.
Целостность, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамичном равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта — человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера.
Есть у Моцарта такие allegretto , трио – тонкие, лёгкие, воздушные, упоительно-прелестные, бесконечно поэтичные, в то же время с космизмом, ощущением вселенной. Эти образы показывают, насколько выше Моцарт играющего 18 века.
Начиная с 17 лет у Моцарта часто прорываются безумная скорбь, безграничное отчаяние, в последние же 5 лет скорбь делается устойчивым элементом его творчества. Грандиознейший фортепианный концерт c — moll (какая тональность!) – страдание, и не одного человека, а целого мира.
Концерт №20 d — moll написан через некоторое время после «Дон Жуана». Моцарт окончательно стал самим собой – в его музыке появились трагические ноты, сильные контрасты, диссонирующие звучности. В «Дон Жуане» и после него Моцарт — не просто молодой человек, умеющий радоваться жизни и принимать ее дары, но зрелый ум, размышляющий о жизни и смерти, о границах свободы и расплате за то, что «все позволено». Инструментальным отражением Дон Жуана был концерт для фортепиано ре минор. Здесь та же тональность ре минор, те же контрасты, та же жажда любви и та же светлая печаль. Это минорный Моцарт, который во многом не совпадает с мажорным; это Моцарт-поэт, притаившийся под маской Моцарта-актера – здесь меланхолический Моцарт играет самого себя…
В год смерти был написан концерт B — dur ( K 595) . Мажор – и одновременно глубокая скорбь, безнадёжность, а в Largetto – как будто яркое солнце, всё неподвижно в сиянии, и чувствуется присутствие смерти. Кантилена, песня любви и страсти будто всплывает и тут же гаснет в отчаянии. Такой пессимизм характерен для последнего периода творчества Моцарта. Очень похожий всплеск ужаса и скорби в очаровательной кантилене в Романсе концерта d — moll .
Моцартовские фортепианные концерты можно сравнить по силе воздействия с симфониями Бетховена. Как и бетховенские симфонии, каждый концерт – особый мир с громадным содержанием, многоохватывающие поэмы массой эпизодов. Но от симфоний концерты отличаются своей объективностью: каждый из них – развёртывающаяся сама собой эпопея, в них действуют силы мира и жизни, игра сил – мрачных и светлых, таинственных и прелестных, бесконечное разнообразие моцартовских эпизодов. Кстати многотемность концертов Моцарта – одна из стилевых его особенностей и часто подчёркивается исследователями.
Бетховен настолько ценил концерты Моцарта, что писал к ним каденции. Концерты первого венского периода – наименее оцененная по достоинству область, скрывающая широкие перспективы, но вот последние ( C — dur , c — moll , A — dur , Es — dur , d — moll ) – признанные колоссальные музыкальные памятники, и каждый из них – вершина творчества Моцарта.
Последним произведением Моцарта был Реквием. Реквием (от лат. слова «requiem» — «покой») — хоровое произведение траурного характера, исполнявшееся в церкви в память умершего. Таинственные обстоятельства заказа сочинения сильно поразили воображение уже больного в то время композитора. Незнакомый ему человек, одетый во всё чёрное, не захотел назвать своего имсени. Впоследствии выяснилось, что это был слуга знатного вельможи, графа Вальзега. Граф хотел исполнить реквием по случаю смерти своей жены, выдав его за собственное сочинение. Моцарт всего этого не знал. Ему казалось, что музыку он пишет на свою кончину.
Реквием Моцарта далеко выходит за рамки строгого церковного произведения. В величественной и трогательной музыке композитор передал глубокое чувство любви к людям. В исполнении реквиема участвуют квартет солистов (сопрано, альт, тенор, бас), смешанный хор и оркестр с органом. Канонический латинский текст раскрывает гениальная, общечеловеческая музыка. Уже давно реквием стал одним из всемирно известных концертных произведений.
Источник
Фортепианная музыка Моцарта
Лекции по музыкальной литературе musike.ru: Моцарт
Фортепианные сочинения[1] Моцарта были теснейшим образом связаны с его педагогической и исполнительской практикой. Он был величайшим пианистом своего времени. В XVIII веке были, конечно, музыканты, не уступавшие Моцарту в виртуозности (в этом плане его главным соперником был Муцио Клементи), однако никто не мог сравниться с ним в глубокой осмысленности исполнения.
Жизнь Моцарта пришлась на тот период, когда в музыкальной жизни были распространены одновременно и клавесин, и клавикорд, и пиано-форте (так называлось раньше фортепиано). И если по отношению к раннему творчеству Моцарта принято говорить о клавирном стиле, то с конца 1770-х годов композитор писал, несомненно, для фортепиано. Его новаторство ярче всего проявилось в клавирных сочинениях патетического плана.
Фантазия c-moll (KV 475)
Знаменитая Фантазия для фортепиано до-минор (KV 475) была закончена 20 мая 1785 года и, видимо, мыслилась как самостоятельное сочинение[2]. Однако в первом печатном издании, вышедшем в конце того же года, композитор объединил Фантазию с написанной годом ранее Сонатой в той же тональности (KV 457). Так сложился необычный цикл[3], в котором фантазия играет роль вступления к сонате (подобно тому, как в музыке Баха она нередко предпосылалась фуге). Впоследствии Бетховен объединил 2 жанра – фантазии и сонаты – в одном произведении. Один из примеров такого синтеза – «Лунная» соната.
В своем уникальном цикле Моцарт выступил как продолжатель традиций И.С. Баха. Об этом говорит не только жанр, но и содержание его фантазии, близкое к трагедийным образам баховских сочинений (например, «Хроматической фантазии и фуги» d-moll). Характерен выбор тональности: c-moll – тональность сурового драматизма и патетики.
Драматургия фантазии основана на постоянном противопоставлении контрастных образов – драматических, скорбных и светлых, мечтательных. Так возникает 6 контрастных разделов, последний из которых является репризой первого, наиболее скорбного. Придавая всей композиции закругленность и завершенность, возвращение в конце фантазии начального образа выражает идею «замкнутого круга». Смысл этой идеи глубоко трагичен: стремление преодолеть скорбь, обрести душевный покой и гармонию безрезультатно (подобный вывод утверждает и 40-я симфония).
Основная музыкальная мысль фантазии – ее начальная тема, повторяемая в конце, строится на 2-х контрастных элементах. В их противопоставлении отражен основной конфликт всей фантазии. I элемент – сумрачный и сосредоточенный (низкий регистр, ровный, «сковывающий» ритм, хроматическая интервалика, строгое октавное изложение); II элемент – два трепетных мотива-«вздоха», прерываемых паузами.
Весь первый раздел фантазии (Adagio, c-moll) строится на развитии первого элемента основной темы. Его мелодические контуры постоянно меняются, приобретая то восходящую, то нисходящую направленность, вбирая интонации второго элемента. Секвентное развитие отличается тональной неустойчивостью.
Второй раздел (Adagio, D-dur) – разительно контрастирует первому. Его светлая лирическая тема отличается напевностью, тональной устойчивостью и структурной определенностью (ababa – двойная 3-частная форма).
Третий раздел (Allegro, a-moll→B-dur) – порывистый, возбужденный – содержит внутренний контраст. Он строится на двух контрастных темах, изложение которых напоминает сонатную разработку (поскольку обе темы сразу же подвергаются интонационным, ритмическим, тональным преобразованиям). Общая направленность развития идет от минора к мажору, от смятенности к светлому подъему чувств.
Четвертый раздел (Andantino, B-dur) – это светлая кульминация фантазии. Его тема перекликается с пасторальной лирикой второго раздела, но создаваемый образ еще более поэтичен[4], идеально прекрасен. Музыка 4-го раздела обрывается «на полуслове» неожиданным вторжением следующего, пятого раздела.
Пятый раздел (g-moll, Piu Allegro) – драматический и напряженный. Вместо ясно оформленной темы – бурные пассажи, арпеджио. Окончание пятого раздела вливается в репризу первой темы.
Итак, минорные разделы фантазии (1, 3, 5) тонально неустойчивы, незамкнуты, подчеркнуто импровизационны, полны внутренних контрастов. Мажорные разделы отличаются лирической напевностью, тональной и структурной определенносью, использованием приемов варьирования.
Соната c-moll (№14 b)
Соната до-минор воспринимается как закономерное продолжение фантазии, в первую очередь благодаря характеру I части, пронизанной яркими контрастами. В ее музыке также чувствуется воздействие импровизационно-патетического стиля И.С. Баха. Хотя Моцарт создал после нее еще несколько сонат для клавира, она осталась высшим достижением его в этом жанре.
Главная партия сонатного allegro была бы совершенно естественна в симфоническом звучании, в сопоставлении оркестрового tutti и струнных. Сама тональность c-moll предопределяет основное настроение – мужественной патетики.
Побочная партия (Es-dur) включает 2 родственные по смыслу темы. Их трепетное волнение, мягкие хроматические «вздохи», сочетание лирической напевности с возбужденной ритмической пульсацией напоминают арию Керубино «Я и сам не пойму, что со мною» (в той же тональности). Близка им по характеру и тема заключительной партии (тоже Es-dur).
Острота контраста между главной и побочными темами усилена краткостью перехода (связующая партия занимает всего 4 такта).
Разработка предельно лаконична, но при этом полна драматического напряжения. Основной тон в ней задает тема главной партии, ее героические унисоны, звучащие на триольном фоне из связующей партии. Мимолетно возникающая 1-я побочная на этот раз звучит в миноре.
Реприза также отмечена почти безраздельным господством минора – теперь и 2-я побочная, и заключительная темы, как и главная, звучит в основной тональности c-moll. Подобное «оминоривание» мажорных тем – черта, типичная для музыки Моцарта (то же самое есть и в симфонии № 40). Краткая кода еще раз возвращает к основному образу I части – главной партии.
Медленная часть сонаты – это Adagio в Es-dur. Как и лирические части моцартовских симфоний, оно написано в сонатной форме.
Финал, подобно финалу 40-й симфонии далек от жанровости и своим драматизмом перекликается с I частью сонаты. Его главная тема беспокойна, сумрачна и внутриконтрастна: непрерывный поток синкопированных задержаний сменяется настойчивым повторением одного звука на фоне D и взлетающими вверх арпеджио. Смены тематизма сопровождаются резкими динамическими контрастами p – f. Одним из сильных выразительных эффектов становятся многократные остановки – внезапные длительные паузы с ферматами.
Соната A-dur
К числу самых популярных моцартовских сонат относится соната A-dur, № 11 (KV 331).
От всех прочих A-dur’ная соната отличается необычным строением цикла, в котором нет ни одной части в сонатной форме. I часть представляет собой изящные вариации на тему в ритме сицилианы[5]. Далее следует рыцарственно-галантный менуэт, заменяющий медленную часть цикла. В роли финала выступает рондо, снабженное программным названием «alla turca», музыка которого близка к «янычаркому» (турецкому) стилю. Этот стиль был очень модным в музыке XVIII века, особенно во французской опере. Он ярко представлен и в «Похищении из сераля», первой венской опере Моцарта. Для него характерно быстрое движение в двухдольном размере, некоторая ладовая причудливость и использование шумных ударных инструментов.
Все 3 части сонаты связаны одной тональностью (что говорит о близости к сюите) и единством жизнерадостного настроения, лишенного драматизма.
Поскольку Менуэт в этой сонате заменяет медленную часть, в нем на первый план выдвигается песенно-лирическое начало (что не вполне традиционно). Его основная тема многоэлементна, благодаря чему возникает ощущение постоянной изменчивости музыкального материала. Сопоставление различных мотивов – энергичных и более мягких, нежных, певучих – сопровождается динамическими контрастами.
D-dur’ное трио своей фактурой и пасторальным характером перекликается с 4-й вариацией I части.
Финальное «турецкое рондо» приобрело широкую популярность благодаря яркости и демократичности музыкального языка, хотя восточный колорит его музыки весьма условен. Звуковые репетиции в сопровождении рефрена имитируют барабанную дробь; в коде же можно вообразить целый оркестр с барабанами, литаврами, тарелками, треугольником и флейтой piccolo.
Форму финала следует определить как сложную 3х частную с добавочным рефреном (припевом):
I II (трио) III (реприза)
А + R В + R A + R Coda
a-moll A-dur fis-moll A-dur a-moll A-dur A-dur
Основной тон всей части задает рефрен. Празднично-оживленный, энергичный, он звучит очень бодро и темпераментно. Повторяясь после каждого раздела трехчастной формы, его музыка, действительно, придает финалу черты рондообразности. Кроме того, она играет тонально объединяющую роль (ее A-dur является одноименной для тональности первой темы и параллельной для тональности трио).
Двум другим темам также присуща танцевальность и они тоже звучат легко и задорно, поскольку их минорный колорит постоянно оттеняется яркими мажорными красками.
[1] 19 сонат, 15 вариационных циклов, 4 фантазии (две в c-moll, одна в C-dur, объединенная с фугой, и еще одна в d-moll). Наряду с крупномасштабными циклами, в творчестве Моцарта имеется немало небольших пьес, которым сам он не всегда придавал должное значение. Это отдельные менуэты, рондо, Adagio, фуги.
[2] Один из биографов композитора утверждал, что Моцарт играл ее на концерте, состоявшемся в Лейпциге 12 мая 1789 года.
[3] Моцарт посвятил его своей ученице Марии Терезии фон Траттнер.
[4] На эту тему П.И. Чайковский написал вокальный квартет «Ночь».
[5] Старинный итальянский танец, для которого характерен размер 6/8 и триольно-пунктирная ритмика.
Источник