Натюрморт кончаловского с гитарой

10 неизвестных: русский Ван Гог – Петр Кончаловский

Петр Кончаловский «Автопортрет (в желтой рубашке)», 1943

По понедельникам московские музеи не работают. Но это не значит, что у публики нет возможности познакомиться с прекрасным. Специально для понедельников m24.ru запустило новую рубрику «10 неизвестных», в которой мы знакомим вас с десятью произведениями мирового искусства из собрания московских музеев, объединенных одной тематикой. Распечатывайте наш гид и смело отправляться с ним в музей начиная со вторника.

В феврале исполняется 140 лет со дня рождения и 70 лет со дня смерти художника Петра Кончаловского. Русский последователь французских импрессионистов, поклонник Поля Сезанна, Ван Гога и Гогена, Петр Кончаловский сумел вобрать в свою живописную манеру влияние всех крупнейших мастеров рубежа XIX-XX веков.

Петр Кончаловский «Портрет художника Г.Б.Якулова», 1910

Петр Кончаловский родился 21 января 1876 года в городе Славянск Харьковской области. Живописи он начал учиться в Харьковской рисовальной школе, затем на вечерних курсах в Строгановском художественно-промышленном училище и в академии Р. Жюлиана в Париже (1897-98), где познакомился с крупнейшими художниками эпохи, и, наконец, в Высшем художественном училище при Петербургской Академии Художеств (1898-1905). Хотя своим духовным отцом Петр Кончаловский всегда считал Сурикова, французская школа проявилась в его творчестве во всех своих стилистических особенностях. В 1910-е годы это привело к увлечению искусством примитива, в работах мастера появляется плоскостная композиция, предметы теряют объем и окрашиваются в яркие локальные цвета. Некоторые из них, в том числе и портрет художника Георгия Якулова, по всему композиционному строю и живописному решению напоминают ярмарочные фотографии начала ХХ века.

Петр Кончаловский «Бой быков», 1910

Во время путешествия по Испании Кончаловский сделал с натуры множество этюдов на тему корриды, набрасывая различные сцены то акварелью, то маслом. В таких беглых работах почти всегда присутствует трибуна со зрителями и арена. Тема быков часто встречается в творчестве Пабло Пикассо, и зачастую работы художников оказываются очень созвучными. Живописец отмечал, что ему хотелось сделать быка не таким, как его все видят, а похожим на примитив, на игрушку. Вместе с Кончаловским увлечения искусством примитива пережили многие художники творческого объединения «Бубновый валет».

Петр Кончаловский «Семейный портрет (сиенский)», 1912

На портрете изображена семья Кончаловских: сам художник, его жена Ольга Васильевна, дочь русского живописца В.И. Сурикова, и дети – Наташа и Миша. Портрет был написан во время пребывания Кончаловских в Италии, поэтому и получил название сиенский. Этим масштабным произведением Кончаловский подводит итоги своим поискам конца 1900-х – начала 1910-х годов. Помимо характерного интереса к примитиву, которым окрашено все творчество мастера данного периода, в сиенском портрете просматривается влияние фресковой живописи раннего итальянского Возрождения с типичной для этой эпохи композицией. Кроме того, здесь очевидно понимание роли цвета, близкое к фовизму, направлению во французской живописи конца XIX – начала XX века, для которого характерны яркие, кричащие, цвета.

Петр Кончаловский «Хлебы на зеленом», 1913

Для натюрмортов Кончаловского важным было стремление освободить живопись от литературности, желание вернуть ей способность пользоваться только собственными средствами воздействия на зрителя – цветом и пластикой. Художника интересовало не единство предметов и пространства, не создание реалистичной композиции, а сами предметы, их материальная убедительность, форма и фактура. Перед зрителем предстает не вид накрытого для трапезы стола и не букет цветов на фоне окна, а изобильное, как на уличной вывеске, нагромождение однообразных продуктов – буханок, караваев и калачей.

Петр Кончаловский «Натурщица у печки», 1917

В картине «Натурщица у печки» к натюрморту добавляется фигура обнаженной женщины. Живописная плоскость дробится и осыпается, в чем проявляется влияние живописи Пабло Пикассо и кубизма в целом. Сложные цветовые переходы прерываются черными линиями и отдельными штрихами, дробящими форму на отдельные плоскости. При этом формы укрупняются, огрубляются, становятся более плотными и крепкими, физически осязаемыми. Цвет здесь передает не столько поверхностную раскраску, сколько саму форму и массу, материальную плоть вещей.

Петр Кончаловский Автопортрет с женой», 1923

В работах 1920-х годов исчезает «бубнововалетский» схематизм формы и цвета, живопись Кончаловского обретает колористическую тонкость, сложное богатство переходов и внутренних контрастов. При этом он начинает пробовать сложные импрессионистические живописные техники, создавая формы из отдельных мазков и цветовых пятен, не смешивая краски, а накладывая их на холст рядом друг с другом. Художник обращается к истории искусства, находя подходящие для своих работ композиции в творчестве Рубенса или Рембрандта («Портрет с Саскией на коленях», 1635 год).

Петр Кончаловский «Сирень в корзине», 1933

«В этом букете все живет, цветет и радуется», ‒ говорил Кончаловский о своей картине «Сирень в корзине». Признанный мастер натюрморта, он очень любил цветы. Среди его цветочных натюрмортов есть «Букет цветов в белой вазе» (1907), «Гладиолусы» (1912) и многие другие. Художник оставил огромное живописное наследие, которое насчитывает более 1500 работ. Оставаясь независимым (насколько это было возможно в те времена), художник все свои работы представлял на суд супруги, Ольги Васильевны. Если она говорила: «Не то», то участь холста была предрешена и он шел «под нож», или Петр Петрович использовал их под новые произведения, безжалостно загрунтовывая предыдущую работу.

Петр Кончаловский «Портрет В.Э. Мейерхольда», 1938

Портрет был создан Кончаловским в период массовых репрессий, незадолго до ареста и гибели Всеволода Мейерхольда, театрального режиссера-реформатора. С целью показать конфликт личности с окружающей действительностью – в это время Мейерхольд был уже отстранен от работы – художник избирает сложное решение в построении композиции. Фон, которым является ковер с пестрым орнаментом, решен как декоративная орнаментальная плоскость, а фигура написана объемно и выдержана в монохромной тональной гамме. Столкновение плоскости и объема, контраст цветовых пятен, дробные формы орнамента и фигура модели – все это создает особое эмоциональное напряжение, раскрывающее содержание образа. Вот как описывает картину Всеволод Иванов: «На тахте лежит человек. Казалось бы, отдыхает. К этому располагают и нарядный ковер, и мирный пес. Но его творческая мысль не прекращается ни на минуту, она так же напряжена и беспокойна, как узор ковра…».

Петр Кончаловский «А. Н. Толстой в гостях у художника», 1941

Петр Кончаловский дружил со многими представителями интеллигенции своего времени. Многие писатели и художники часто бывали у него в гостях. Однажды в мастерскую Кончаловского пришел Владимир Маяковский в экстравагантной желтой блузе, с красно-оранжевой морковкой, торчавшей вместо платка из кармана. Но так как «бубнововалетчики» к тому времени уже разошлись в своих творческих поисках с «футуристами», Кончаловский сказал: «Футуристам здесь делать нечего», – и захлопнул дверь перед носом поэта.

Петр Кончаловский «Полотер», 1946

Кончаловский старался сохранять нейтралитет по отношению к советской власти и отказался писать портрет Сталина, сославшись на то, что он реалист и не может делать портреты по фотографии. Хотя, конечно, это был знак протеста против расстрела Мейерхольда и опалы многих друзей художника. При этом, в 1942 году получил Сталинскую премию I степени «За многолетнюю творческую деятельность», и смог организовать несколько персональных выставок в 1940-х и 1950-х годах, а в 1947 году был избран действительным членом Академии художеств СССР. Петр Кончаловский скончался 2 февраля 1956 года и был похоронен на Новодеичьем кладбище в Москве.

Источник

Художник Пётр Кончаловский

Попробуйте ввести в гугле «Кончаловский» – и вездесущая википедия тут же приведет Вас на страницу про режиссера Андрея Сергеевича Кончаловского. Но речь сегодня пойдет не о нем, а о его дедушке – о художнике первой половины XX века Петре Петровиче Кончаловском. Кстати, тестем живописца был сам В.И. Суриков , если продолжать говорить о его «звездной» родне.

Кончаловский – это художник-хамелеон, который умело и непринужденно лавировал между стилями Сезанна, Матисса, Ван Гога и импрессионистов. Причем как правило все мастера выходят из колыбели реализма, оперяются (то есть, смелеют, а иногда – наглеют) и давай писать напропалую, опровергая все законы живописи, нокаутируя почтенных академистов. Композицию – долой, перспектива – да кому она нужна в наши-то дни, рисунок – и без него могём. Всё как Бог на душу положит, гуляй-веселись! Кое-кто осуждающе качает головой и причитает про «разве-ж-это-искусство», но вот парадокс: в этом «веселье» многие из них по-настоящему гениальны.

Путь Кончаловского несколько иной. Он был из тех, кто считал, что «в жизни все нужно попробовать» – в хорошем смысле этого слова. Он никогда не отрекался от прописных академических истин и не уходил самозабвенно в один стиль, как в монастырь – пожизненно. Сначала с упоением творил в манере Поля Сезанна так, что подчас художников бывает сложно отличить друг от друга. Появляются элементы кубизма (особенно в натюрмортах), которые сближают его с Пикассо, но в меньшей степени. Сравните:

Порой сквозь длинный мазок, жирную черную обводку объектов, нарочито декоративный цветочный фон позади моделей, и конечно, изображение ирисов на нас смотрит Ван Гог. А Матисс подмигивает с ярких наивных картин, перспектива которых безвозвратно нарушена.

Всё это до двадцатых годов, когда у Кончаловского появилась новая страсть – импрессионизм. В нем мастер размахнулся со свойственной ему широтой души, уверенно и без полумер, как и прежде, как и во всём.

Помимо живописи художник занимался иллюстрацией (в основном произведений Лермонтова), графикой, декорациями театров, как и многие авторы XX века.

Небольшое патриотическое отступление: современные европейские живописцы – мастера узкого профиля. Например, заглянешь на сайт Saatchi и видишь: в одном аккаунте сплошные велосипеды, в другом – исключительно пчелы, в третьем – почему-то чемоданы акварелью . И велосипеды прекрасны, и пчелы шедевральны, и чемоданы «аховые», но невольно задаешься вопросом: почему так узко? Наверное, в нашей русской разгуляй-душе заложена эта размашистость и многогранность. Она была и у Кончаловского, который чувствовал себя тесно в рамках европейского искусства, его вдохновлявшего. Кстати, интересом к техникам XIX-XX веков дело не ограничилось, автор засматривался даже на Рембрандта. «Автопортрет с женой» – очевидная аллюзия к «Автопортрету с Саскией на коленях»!

Неужели эта мозаика-ребус из цитат – предтеча постмодернизма? Ведь на этой бесконечной повторяемости и зиждется главный постмодернистский догмат! Хочется, конечно, сделать подобный комплимент прогрессивности и дальновидности живописца… Но скорее, это просто интерес ко всему но свете и тяга к экспериментам.

Ну и напоследок. Яблоко от яблони недалеко падает: не поленитесь посмотреть на генеалогическое древо Кончаловского. Отдельная статья в википедии есть про каждого из доброй половины членов семьи, так что автор оказался плодовитым во всех смыслах слова!

Больше интересных статей о художниках Вы найдете в моем арт-блоге PaintingRussia !

Делитесь статьей с друзьями в соцсетях, многим будет полезно. Спасибо за Ваши лайки, комментарии и подписки, они мотивируют меня продолжать писать для Вас!

Источник

5 натюрмортов «Бубнового валета»

Р анний русский авангард вошел в историю искусства картинами «Бубнового валета». Это художественное объединение появилось в самом начале 1910-х годов, его участники вдохновлялись популярными в те годы европейскими живописными течениями и делали ставку на экспрессию и эпатаж. В основу их творчества легло любование предметным миром, а одним из самых популярных жанров стал натюрморт. Вспоминаем краткую историю «Бубнового валета» и известные картины его участников.

«Тузы» русской живописи

Художественное объединение «Бубновый валет» официально сформировалось в 1911 году. Но выставка его участников прошла чуть раньше — в 1910-м. Название выставки, а впоследствии и объединения провоцировало почтенную публику: «бубновыми тузами» до 1917 года называли каторжников из-за нашивки в виде кумачового ромба на тюремной одежде, а «валетами» именовали мошенников и плутов.

Объединяло художников «Бубнового валета» увлечение французской живописью, кубизмом и русским народным искусством. Петр Кончаловский, Илья Машков, Аристарх Лентулов и другие живописцы отказались от традиций реалистического искусства XIX века, от наследия академизма и передвижников. Учителем для многих стал французский постимпрессионист Поль Сезанн. В своих картинах художники делали акцент на форме предмета, его массе и цвете. Так, любимым жанром бубновалетцев стал натюрморт.

В разные годы в выставках «Бубнового валета» участвовали Михаил Ларионов и Наталия Гончарова, Казимир Малевич и Василий Кандинский, Давид Бурлюк и многие другие. В 1916 году из «Валета» вышли основатели Илья Машков и Петр Кончаловский, а в 1917 году прошла последняя выставка объединения, после чего оно распалось.

Петр Кончаловский, «Натюрморт. Поднос и зеленая картонка»

Петр Кончаловский был одним из ведущих художников русского авангарда и одним из основателей «Бубнового валета». В его раннем творчестве проявлялись детали, характерные для полотен Винсента Ван Гога. У мастера постимпрессионизма Кончаловский перенял экспрессию, темпераментность и некоторые художественные приемы.

В 1910-х годах живописца особенно заинтересовал натюрморт. Нередко главным героем полотна у Кончаловского становился яркий поднос. Расписной аксессуар обычно становился центром композиции, художник писал его с фруктами, овощами, посудой и даже бытовыми предметами. Например, на картине «Натюрморт. Поднос и зеленая картонка» Петр Кончаловский изобразил вазу для фруктов, шляпу на коробке из-под головного убора и роскошный красный поднос, который придал повседневному полотну декоративное звучание. Особую гармонию создают округлые формы предметов, на которые зритель смотрит как бы немного сверху.

После революции Петр Кончаловский стал одним из крупнейших художников советской живописи. Эксперименты ранних лет сменились ценностями социалистического реализма. В своем творчестве он оставался относительно свободным от надзора власти, однако полотна строго оценивала супруга — Ольга Сурикова, дочь мастера исторической живописи Василия Сурикова. Если она не одобряла произведение, то Кончаловский загрунтовывал холст под новую картину.

Аристарх Лентулов, «Самовар»

Аристарх Лентулов родился в многодетной семье священника в провинции, в Пензенской губернии. На его творчество повлияла дружба с поэтом-футуристом, авангардным художником Давидом Бурлюком и учеба в парижских студиях, где Лентулов познакомился с французскими кубистами. Некоторые их стилистические приемы живописец позаимствовал и для своих полотен. Многие картины Лентулова напоминали витражи: художник раскладывал формы на цветовые плоскости, которые соединяются в декоративную композицию. Одним из таких полотен был натюрморт «Самовар», который художник создал в 1913 году с изображением мозаичного, словно составленного из геометрических фигур чайного столика.

Александр Куприн, «Натюрморт с синим подносом»

Александр Куприн писал пейзажи и насыщенные сочным глубоким цветом натюрморты. Художник вспоминал об увлечениях бубновалетовцев: «Французское искусство овладело нашими устремлениями, нашими помыслами, и французы стали нашими учителями. Позднее… глаза наши раскрылись на наше русское искусство (древнее), так как оно живо до наших дней и будет жить впереди веков, так как несет в себе элементы «большого искусства».

Куприн изображал в натюрмортах подносы и посуду, книги и статуэтки, бутылки и цветы. Иногда художник сам создавал нужные для постановок предметы, включая муляжи фруктов и искусственные цветы. На его полотнах, как и у Кончаловского, появлялись подносы — разной формы и цвета. Картину с синим чайным аксессуаром художник написал в 1914 году. Экспрессию полотну придают глубокие резкие тени и чистые краски доминирующих предметов — подноса и перцев. О картинах тех лет Александр Куприн писал: «Живопись, сильная по цвету, форме, с решительностью выражения, с новой манерой письма, свободной, широкой, не кропотливой и не серой, коричневой, а яркой, цветистой, с неимоверным напором устремления и энергии». Он выбирал большие холсты, писал с размахом, хотя перед работой масляными красками всегда продумывал и наносил на рабочую область карандашный набросок.

Илья Машков, «Синие сливы (Фрукты на блюде)»

Илья Машков родился в крестьянской семье, учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у Константина Коровина и Валентина Серова. В период «Бубнового валета» художник увлекался творчеством Поля Сезанна. Предметы в натюрмортах Машкова обобщены, для изображения посуды и фруктов художник использовал прием красочной обводки силуэтов. На картине «Синие сливы» художник изобразил фрукты с черным контуром. Нейтральный серый фон делает яркие пятна плодов — апельсина, слив, яблок и персиков — особенно эффектными. В натюрмортах Илья Машков отражал не реальный цвет натуры, а кричащий оттенок чистой краски — оранжевой, синей, лиловой.

Как и Петр Кончаловский, с годами Илья Машков пришел к реалистическому искусству. В 1924 году он вступил в Ассоциацию художников революционной России (АХРР), писал полотна в духе соцреализма, создавал портреты героев труда, партизан, колхозные пейзажи.

Роберт Фальк, «Бутылки у окна»

Роберт Фальк получил художественное образование в студии у Ильи Машкова, а позднее, как и многие бубновалетцы, в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Он много путешествовал по Европе, где изучал работы известных художников. Фальк писал тонкие лирические портреты и пейзажи, а в начале 1910-х создал серию натюрмортов.

На полотнах художник изображал простые повседневные бытовые предметы: посуду, фрукты, горшки с цветами, выпечку и бутылки. Для его картин периода «Бубнового валета» характерны элементы кубизма, при этом формы были мягкими и пластичными. Художник работал долго и вдумчиво, тщательно подбирал цвет для каждого мазка. Он писал: «Я любил яркие, контрастные сочетания, обобщенные выразительные контуры, даже подчеркивал их темной краской». Натюрморт 1917 года будущая жена Роберта Фалька Раиса Идельсон назвала «поющими бутылками».

В Советском Союзе Роберт Фальк не был популярным. Какое-то время он жил в Париже, в 1937 году вернулся на родину, где его обвинили в формализме. Лишь в 1950-х годах творчество Фалька стало объединяющим между авангардом 1920-х годов и второй его волной в годы хрущевской оттепели.

Источник