Нота бене от 27 января

&nbsp28 Мая 2021г. &nbsp&nbsp 07:41:33 &nbsp&nbsp &nbsp84

Монреаль детства Элисон Рассел, угрюмость Оливии Родриго, божественный Гэри Ньюман, “место для общения посторонних, чудаков, непризнанных и нелюбимых”, болезненная эйфория танцпола и другие альбомы в подборке лучших музыкальных релизов недели.

Allison Russell – Outside Child

Люди часто говорят: «Музыка спасла меня», и в этом всегда есть доля правды — музыка может заглушить плохие вещи в жизни, позволяя пройти сквозь них в следующий день. Но чтобы быть по-настоящему СПАСЕННЫМ музыкой? Мало кто может сказать это с такой же абсолютной правдой, как Эллисон Рассел. Во время своего сольного дебюта «Outside Child» певица в душераздирающих подробностях рассказывает о своем опасном детстве и о том, как она смогла выжить и добраться до того места, где находится сегодня.

Рассел выросла в Монреале. После пребывания в приемной семье, она переехала жить к своей матери (которая больна шизофренией) и мужу. В пять лет — до того, как она пошла в детский сад — приемный отец начал издеваться над ней, это продолжалось и в подростковом возрасте. Первый трек альбома «Montreal» — песня о любви к ее родному городу и времени, которое она провела там в подростковые годы, пытаясь сбежать от своего обидчика. Переключаясь с английского на французский, она наслаждается свободой и анонимностью, которую находит, бродя по улицам в любое время суток — «Твои тени казались любящими руками» — потому что спать на кладбище и церковных скамьях было безопаснее, чем в собственной постели.

В те юные годы Рассел находит любовь в лице своей подруги 15-летней девушки, о чем она рассказывает в «Персефоне» с мелодией в стиле кантри. «Outside Child» — автобиографический альбом, но это совсем не сухой пересказ личной истории. Рассел умеет рассказывать мрачные истории с помощью красивой, а иногда даже радостной музыки, и именно это делает песни более проникновенными и мощными. «Nightflyer» воспевает конфликт между тьмой и светом, в «Ядовитой стреле» (Рассел играет на меланхоличном кларнете) рассказывается о призраках, которые не покидают певицу и сегодня.

«All of The Women» показывает певицу взрослой, помогающей женщинам, у которых есть проблемы. Их жизни, как и ее когда-то, полны опасностей — «Я думаю обо всех женщинах / которые исчезают» — но они, как и она, выковали броню невольной стойкости. И когда мы подходим к концу этого тома о жизни Рассел, финальными звуками нас провожает «Joyful Motherfuckers», радостная дань уважения ее коллеге по группе (из «Birds of Chicago»), сородительнице (у них есть дочь) и партнерше по жизни Джей Ти Неро. И вот здесь ты точно понимаешь — музыка МОЖЕТ быть спасением.

Olivia Rodrigo – Sour

Романтические расставания не просто болезненны; они сюрреалистичны — пространственно-временная трещина, шлепок от Бога, сообщение о том, что вы не главный герой мира. Тот, кто всегда был рядом, просто исчезает. Будущее рушится в прошлое. Это тяжело в любом возрасте, но особенно когда вы сталкиваетесь с этим впервые, а это значит, что некоторые из самых проникновенных медитаций о разрыве исходят от певцов-подростков. «Бог его знает, кем бы я был без тебя», — пел Карл Уилсон из «Beach Boys», изнывающий от любопытства в 19 лет. «Каким бы реальным это ни казалось, но это было только в моих снах», — признавалась изумленная 16-летняя сенсация Дебби Гибсон в 1987 году.

В январе 2021 года «Водительское удостоверение» 17-летней актрисы студии Диснея Оливии Родриго стало новой вехой юного недоумения . Скрипом пианино и призрачными хлопками в ладоши она устроила сеанс пенетрации чувств подростку в недавно приобретенном седане. Родриго пела о планах, которые строила со своим парнем, когда он ушел к другой.

Эта странная песня о похоронах отношений побила все рекорды и восемь недель занимала первое место в чарте «Billboard Hot 100», сигнализируя о появлении либо нового ведущего артиста, либо чуда с одним хитом. В интервью, выступлениях и в социальных сетях Оливия излучает уравновешенность и доступность: атрибуты успешного ребенка-актера, но также и нового подросткового кумира, влиятельного лица «TikTok». Она хорошо поет — при наложении друг на друга надутых губ, шепота, визга и болтовни, каждый слог выходит волнующим. Она впитала техники Тейлор Свифт на нескольких уровнях (каденция, тексты песен, управление изображениями), но она также проецирует в своей музыке так много индивидуальности, что было бы глупо называть ее копией.

Название ее дебютного альбома «Sour» идет вразрез с сентиментальным тинейджерским происхождением «Beach Boys», Gibson или ранней Swift. Родриго не стремится быть возлюбленной Америки, хотя, скорее всего, способ добиться этого титула в 2021 году — это именно провозглашать свой отказ от него (примером вам призрачная эстетика Билли Эйлиш или насмешки Доджи Кэт), последние прорывные музыканты используют свою жизненную силу, чтобы показать пресыщенность. Родриго идет тем же путем.

Аналитические и красноречивые песни нашей героини одновременно и эффективны, и провокационны. Возьмите «Дежавю», ее броский второй сингл. Она использует мерцающие колокольчики, туманную гитару и мелодии, которые вывернуты вверх тормашками, чтобы создать ощущение скольжения времени. Певица описывает уловки на свидании, которые ее бывший повторяет уже со своей новой девушкой: клубничное мороженое, подпевки Билли Джоэлу, точно выбранное время для признаний «Я люблю тебя». Вы прямо чувствуете, как Родриго пытается уловить каждую конкретную деталь и передает ощущения, о которых трудно говорить.

«Sour» — это дерзкое, очаровательное, и при этом довольно интеллектуализированное признание о себе и своём возрасте.

Erika de Casier – Sensational

Эрика де Касье родилась в Португалии в семье матери бельгийки и отца из Кабо-Верде. В возрасте 10 лет семья переехала в крошечную датскую деревню Рибе, где она с братом оказались единственными детьми смешанной расы в школе. Музыка стала не просто убежищем, а зеркалом: «MTV было единственным местом, где я видела других чернокожих», — вспоминала она позже. В старшей школе де Касье открыла для себя музыкальный раздел местной библиотеки, где нашла компакт-диски таких артистов как Erykah Badu, NERD и Destiny’s Child. После окончания школы, когда де Касье училась музыке, в своей спальне она научилась петь шепотом, чтобы не беспокоить своих соседей по квартире.

Так появился её знаменитый тембр, который ни с кем не спутаешь: соблазнительный, игривый, но местами становящийся мощным. Новая пластинка, как и ее дебют 2019 года «Essentials», вдохновлена R&B 90-х и 00-х годов. Эрика использует отличительные черты продукции той эпохи: искрящуюся акустическую гитару, сухие шейкеры и римшоты, а под всем этим — сладострастный суб-бас, имитирующий одурманенное желание. Она упивается пластичностью синтезированных деревянных духовых инструментов и струнных сэмплов, а также глянцевыми тембрами чиллаута в стиле Café del Mar, липкими, как масло для загара. Атмосферы добавляет иногда слышимое пение птиц.

Арфа и колокольчики обрамляют голос де Касье, близость которого мы можем сравнить с теплом дыхания на чувствительной коже. В стихах певица ругает себя за то, что не может обуздать свои худшие порывы, упивается сиянием нового увлечения и отчитывает любовника, который достаточно глуп, чтобы оставить ее. Часто мужчины в ее песнях предстают полными придурками. В «Вежливости» на свидании её пара грубо общается с официантом; в песне «Все, о чем ты говоришь» бестолковый красавчик одержим Версаче и Фенди. Хуже всех оказывается всезнайка в томном «Insult Me», печальной изюминке альбома, который прямо игнорирует то, что она говорит. «Ты оскорбляешь меня, чувак», — поет она и ее голос растворяется в смеси печали и презрения. Трудно представить себе припев более лаконичный.

Эти песни являются своего рода терапией для де Касье, возможностью постфактум взять верх. Ее легкое чувство юмора делает эти воображаемые победы еще более торжественными. Она сексуальная, самоуверенная, энергичная, веселая. У Де Касье мягкий голос, ярко выраженная индивидуальность, и даже в самом приглушенном виде «Sensational» излучает очарование.

salem ilese — (L) only Child

Социальные сети и COVID-карантин можно считать проклятием для существования многих людей, но не для иронично-культовых салемских жителей.

Известная тем, что прорвалась на «TikTok» со своим громким синглом «Mad at Disney», Салем с тех пор создала звуковое царство, которое поддерживает чувствительность поп-музыки, но при этом существует полностью в своей собственной, максималистской Вселенной. Ее новый EP «(L) only Child» только укрепляет эту теорию, действуя как сундук с сокровищами треков, которые создавались годами.

HAPPY: Итак, как прошел твой день?

САЛЕМ: Чертовски хорошо! У моего бородатого дракона только что было свидание со знаменитой черепахой из «TikTok»!

HAPPY: Что? Знаменитая черепаха в «TikTok»?

САЛЕМ: Да… Её зовут Типтоу, и я привезла своего бородатого дракона Маленькую Корову, и они устроили вечеринку! Это была самая милая вещь, которую я когда-либо видела в своей жизни!

HAPPY: У тебя есть бородатый дракон?

САЛЕМ: Он спит прямо сейчас, потому что устал от игры.

HAPPY: Кто для тебя является ориентиром??

САЛЕМ: Оооо, да. Люди всегда такие: «Ага, скажи нам артиста, на которого ты похож», а я такая: «Это вы мне скажите! Я не могу сказать!».

HAPPY: А как создавались песни?

САЛЕМ: Большинство песен были написаны в течение последних трех лет. Какие-то когда я училась в музыкальном колледже Беркли в Бостоне в течение 2 лет. Остальные в Лос-Анджелесе. Я приехала сюда, когда мне было 19 и использовала любой шанс, чтобы записать песни, в этом мне помогали друзья.

HAPPY: Мой личный фаворит на альбоме это «Ромео и Джульетта»!

САЛЕМ: Я написала её с моим другом Эваном Войтасом, и мы несколько раз работали вместе до этого, но в тот день мы были просто на другом уровне странностей. Мы тусовались около двух часов, а потом он показал мне документальный фильм о парне, который влюбился в дельфина.

САЛЕМ: Это действительно безумие! Он втюрился в этого дельфина, а затем дельфин скончался, и это была такая трагическая история любви. А потом, сразу после этого, мы написали «Ромео и Джульетта» за час.

HAPPY: Могу я просто уточнить для протокола… «Romeo & Juliet» — задушевная песня о разбитом сердце… но также и о желании трахнуть дельфина.

САЛЕМ: Да! Вы можете процитировать это!

HAPPY: Как ты выбираешь темы для своих песен?

САЛЕМ: Очевидно, что о любви и разбитом сердце легче всего писать, потому что это одно из самых распространенных чувств. Счастливых песен меньше, чем грустных, потому что, когда вы счастливы, вам действительно не нужно говорить об этом или анализировать это — вы просто счастливы. Но всякий раз, когда у вас возникает чувство недовольства, вы хотите просто упорно его преодолеть и понять: «Почему я несчастен?» «Как я могу это исправить?» «В чем корень проблемы?». Итак, будь то разбитое сердце, или беспокойство, или, знаете, нервозность по поводу состояния мира, все эти вещи отражаются в моих композициях, потому что это то, что я чувствую в данный момент.

HAPPY: Как ты считаешь, какая лучшая поп-песня всех времен?

САЛЕМ: Ой! Toxic — это так хорошо! Песня Бритни Спирс — это просто произведение искусства. Она неподвластна времени, и там прекрасная мелодия. «Я поцеловала девушку» Кэти Пери конечно культовая! (смеется).

HAPPY: Зачем людям слушать «(L) only Child»?

САЛЕМ: Этот альбом для тех, кто слушает музыку только для удовольствия, например, для того, чтобы просто расслабиться и повеселиться. Но с помощью него можно так же узнать обо мне и моих взглядах на мир. Этот EP действительно автобиографичен. Послушаете его, обязательно узнаете меня получше.

The Real Tuesday Weld – Blood

В 2018 году нью-йоркский кинотеатр «Quad Cinema» представил ретроспективу американского режиссера Алана Рудольфа. Его работы необычны по своему характеру — смешные и меланхоличные, странные и немного возвышенные — их трудно поместить в единое время, пространство или тон. Мысли о том, как независимая рок- и поп-музыка может оставаться видимой после выхода на пенсию артистов, создавших ее, возникали при просмотре нуарного романа Алана Рудольфа 1985 года «Trouble In Mind». Они вернулись, когда стало известно о лебединой песне группы «The Real Tuesday Weld» в виде серии из трех финальных альбомов.

Музыка TRTW кинематографична, так же, как работы Алана Рудольфа. Это место для общения посторонних, чудаков, непризнанных и нелюбимых — будь то музыкальные стили или повествовательные персонажи. В тональном плане слушатель никогда не знает, где он и в каком состоянии находится. Действие «Trouble In Mind» происходит в вымышленном городе Дождя, который кажется, но не является типичным американским городом со страниц Хэммета или Спиллейна, но есть странное сдержанное ощущение киберпанка, как будто Рудольф был вдохновлен «Бегущим по лезвию», но имел только сотую часть его бюджета. Точно так же на первом из трех прощальных альбомов «The Real Tuesday Weld» «Blood» есть почти жуткое сопоставление стилей и идей, которое создает двойственное беспокойство, компенсируемое знакомыми уху звуками и текстурами, а также великолепной, обескураживающей мелодией и приятной оркестровкой. Эти «десять тем для фильмов в жанре нуар» — это песни, которые можно представить себе, как они звучат на музыкальном автомате Эдварда Хоппера «Ночные ястребы» или, может быть, тихо проигрываются по радио повара фаст-фуда, трудящегося в глубине кухни.

Повторное прослушивание «Blood» напоминает о других музыкальных кино-примерах. Общей точкой отсчета для «The Real Tuesday Weld» является Том Уэйтс, если вспомнить его героя из фильма «Вне закона» Джармуша, человека, навсегда связанного с жизнью певцов из бара и блюзовых исполнителей, но находящегося при этом в небольшом, добровольном отстранении от действия. Еще один странный кинематографический / музыкальный кроссовер, который вызывают в воображении эти песни, — это караоке-исполнение Мика Джонса «Should I Stay или Should I Go» из почти (несправедливо) забытого научно-фантастического «Кода 46» Майкла Уинтерботтома. Опять же, это особая смесь странного и очень знакомого.

TRTW оставляют бесконечно изобретательное и полезное наследие, даже если им всегда будет суждено быть унесенными в море, — будем надеяться, что их запомнят те, кто любит искусство, которое вызывает в воображении эту особую смесь знакомого и странного, будь то на экране или в записи.

Billie Marten – Flora Fauna

Билли Мартен однажды сказала, что ее молодость — «самое худшее в ней». Одержимость общества возрастом, особенно в контексте искусства, может быть чем-то вроде отравленной чаши. В ранних статьях о певице основное внимание уделялось ее якобы «не по годам» таланту, а в заявлении, прилагаемом к этому альбому, она говорит о том, что ранее скрывала себя в своей музыке и была «одержима тем, что люди думают обо мне». Уверенность и ясность пришли с возрастом, а вместе с ними и ее самая большая, самая смелая музыка.

Третий альбом Мартен «Flora Fauna» — это сборник песен, в которых признается необходимость искоренить токсичное поведение с использованием метафор природы, чтобы указать как на ее собственные недостатки, так и на личностный рост или пороки всего человечества. Все это в значительной степени оказывается уходом от красивого, но безопасного акустического звучания ее дебютного альбома «Writing Of Blues And Yellows» 2016 года и последующей пластинки 2019 года «Feeding Seahorses By Hand». Мартен добавила басы и двинулась в сторону краутрока на этом диске; мелодии здесь самые смелые, рассказы — самые открытые, а эксперименты — самые обширные.

В «Руине» Мартен размышляет о своей склонности к самоуничтожению. Она иллюстрирует конфликт, когда осознает это, но все равно продолжает действовать.

В «Garden Of Eden» Билли поет о природе как о тонизирующем средстве от современного переутомления. «Human Replacement» рассказывает о женской безопасности и религиозной вере.

В «Фауне флоры» Мартен обретает уверенность, исследуя, что нужно для выживания и процветания. Это ее самая зрелая и яркая работа – она безусловно впечатлит слушателя, какого бы возраста он не был.

Claire George – The Land Beyond the Light

Редко когда эйфория на танцполе причиняет столько боли, как на дебютном альбоме Клэр Джордж «Земля за пределами света». Добро пожаловать на туманный танцпол с розовыми и синими огнями, сияющими сквозь густой туман. В самой музыке есть нечто большее, чем намек на меланхолию, но драйвовые и угрюмые минорные фортепианные аккорды часто затушевываются устойчивой перкуссией пластинки, заставляющей все двигаться вперед. В конце концов, это танцевальная музыка.

Это коллекция песен убитых горем и трауром. Но вместо того, чтобы погрязнуть в отчаянии, артистка из Лос-Анджелеса использует танцевальные биты и синтезаторы, чтобы поднять свой голос ввысь, в надежде, что в процессе она испытает своего рода катарсис.

Создание «Земли за пределами света» связано с двумя событиями в жизни Джордж, которые изменили её жизнь — разрывом отношений и смертью друга из-за токсикомании. А поскольку горе многогранно и сложно, эта боль смешивается здесь: невозможно выяснить, какие песни соответствуют каким чувствам отчаяния. Превратить боль в нечто конструктивное — уже само по себе достижение. Превратить её в девять захватывающих и великолепных поп-треков — настоящее чудо.

На пластинке, заполненной небольшими сценами, описывающими горе Джордж в очень реальных условиях, она позволяет себе в одной песне «Bag of Peaches» вернуться к началу, когда она была безумно влюблена. Это веселая песня о любви, напоминающая о тех временах, когда все было намного проще, когда пикники на лужайке кампуса могли пробудить истинные чувства и страсть. На альбоме, наполненном сильными страданиями, такой трек, как «Bag of Peaches», является отличной передышкой. «Земля за пределами света» — трогательная дань уважения тем, кого Клер потеряла как метафорически, так и физически. Но это также большой шаг вперед для певицы, которая приложила руку к написанию и продюсированию каждой песни на пластинке. «The Land Beyond the Light» демонстрирует ее способности, выходящие далеко за рамки ее EP 2018 года «Bodies of Water». После его выхода молодой певице выдали много авансов, она начинает их реализовывать в полной мере.

«Земля за пределами света» — это триумф, кульминация творчества художника, каким-то образом переводящая ее сильное личное отчаяние во что-то прекрасное. Пластинка наполнена эмоциональным катарсисом, который можно часто испытать в инди-рок-музыке, но редко встречается в танцевальной музыке. «The Land Beyond the Light» понимает, что невозможно полностью избавиться от боли, но она поможет вам пройти через нее, пусть даже это получится с помощью дурацких синтезаторных проигрышей.

Alice et Moi – Drama

— Давайте сразу перейдем к главному: каково это — выпускать свой первый альбом?

— Это очень увлекательно и одновременно напряженно. Я чувствую чистую радость и облегчение после года ожидания.

— Почему вы выбрали название «Драма»?

— Вначале было другое название, но со временем я поняла, что назвать надо именно так. Для меня драма — это действительно интенсивность, усиление эмоций. Я такая и в творчестве, и в жизни. В драме есть и искренность, и в то же время некая искусственность, этакая забавная и ироничная сторона королевы драмы (смеется).

— Вы много говорите об эмоциях, а «Алиса и я» — это как раз та амбивалентность между чувствительностью и провокацией. Почему возникло желание делиться такими личными и интимными вещами?

— Когда вы пишете альбом, вы подводите итоги своей жизни и своей музыки. Я заметила, что говорила много о любви и эмоциях, но недостаточно о том, что часто «играю» как и все мы. Я это скрывала, не хотела сразу все показывать и, наконец, сказала себе: «Это мой первый альбом, я должна сказать все о себе ». Я хотела выйти за пределы своих возможностей просто потому, что живу этим каждый день. Интересно, что уже после записи, когда я увидела треклист альбома, я сказала себе: «А ведь это действительно Алиса и Я!». Этот альбом помог мне освободиться, потому что он позволил мне принять себя такой, какая я есть, без прикрас.

— Тема любви одна из самых основных в ваших песнях…

— Я не могла записать альбом, не говоря о любви, потому что это место всех эмоций. Есть много форм любви. Я говорю о романтической, чувственной любви. Но есть и плотская любовь, когда вы находитесь под контролем, но вы ничего не можете с этим поделать. Я нахожу это прекрасным. Я принимаю крайности любви, потому что это сильные эмоции, поэтому очевидно, что они могут быть и хорошими, и плохими.

— Какой песней вы больше всего гордитесь?

— К сожалению, я не смогу ответить… Если честно «Оставьте меня в покое» пошло мне на пользу. Я изменилась, когда написала эту песню, я перестала бояться брать на себя ответственность. Еще «Мама сказала мне» очень личная песня, я даже не думала, что смогу рассказать что-то настолько интимное.

— У вас есть последнее слово в заключение?

— В нашем обществе мы подошли к тому моменту, когда мы выражаем себя больше, чем раньше, благодаря соцсетям и этому сложному периоду с covid. Мы храним в себе много эмоций, и я надеюсь, что моя музыка сможет затронуть людей и сделать их более открытыми и раскованными. Нам не обязательно быть примерами глянцевой туристической рекламы! Не бойтесь разыгрывать драму, вы должны принимать свои эмоции. Драма – это то, насколько интенсивно вы будете проживать свою жизнь. Будьте Drama Queen и Drama King!

Biig Piig – The Sky is Bleeding

Джессика Смит, также известная как Biig Piig, выпускает свой самый большой и, возможно, лучший сборник песен на сегодняшний день в новом EP, состоящим из шести треков. Ирландская исполнительница, которая сейчас живет в Лос-Анджелесе, приковала к себе внимание со времен выхода в марте 2017 года ее дебютного сингла «Crush’n», приправленного трип-хопом/R&B.

«The Sky Is Bleeding» представляет собой четвертый за три года релиз EP и второй для лейбла Sony Music. До тех пор, пока Смит не подписал контракт с Sony летом 2019 года, все ее релизы были независимыми. Джессика признается: «Такое ощущение, что я выросла благодаря этой записи». Она выпустила «The Sky Is Bleeding» после двух лет работы над своим новым материалом и прокомментировала это в страстном посте, которым она поделилась в своей ленте в Instagram: «Этот гребаный проект был путешествием. В конце этого путешествия я стала совсем другим человеком. Это безумие».

«Sky Is Bleeding», безусловно, является самой совершенной работой артистки на сегодняшний день и содержит шесть выдающихся треков, которые были тщательно обработаны и искусно записаны. Похоже, что была предпринята сознательная попытка экстраполировать и исследовать каждую сторону эмоций на новом альбоме. От мягкой нежности вступительного трека «Remedy» до выдающегося завершающего трека «American Beauty Jess Smyth», который очаровывает слушателя своим творческим мастерством и неотразимым исполнением.

Трек, который был написан первым для этого EP, — один из самых мрачных и ярких в её карьере. Настроение и атмосфера песни определенно отражает душевное состояние Смит, которая рассказала про песню: «Baby Zombies» о том времени, когда я была в самом худшем своём состоянии, я много пила и употребляла наркотики».

К счастью, дальше у Джессики Смит пошло всё гораздо лучше: «Перенесемся в конец. Я переехала в Лос-Анджелес. У меня ясная голова, я воспринимаю каждый день таким, какой он есть, я очень спокойна, счастлива, я другой человек. Я думаю, это чертовски невероятно, просто сила музыки в целом невероятна. Сначала я стыдилась себя и чувствовала виноватой, и, честно говоря, просто испытывала отвращение к себе самой. Единственное, что меня понимало, — это музыка. Я все время её слушала. С ней я не чувствовала себя одинокой. Теперь мне кажется, что это где-то там, в другой жизни, это словно груз с моих плеч. Всё, что я сейчас рассказываю, похоже на разговор, который я веду в голове сама с собой в течение двух последних лет, и в этом альбоме я не могла им не поделиться со всеми».

Этот разговор захватывает. Тлеющий, почти шепчущий вокал Джессики звучит поверх изолированного барабанного ритма и робких клавиш, окутан мягкой перкуссией и холодной электроникой, заставляя слушателя тосковать по каждой следующей ноте.

HAERTS – Dream Nation

Немецкая инди-поп-группа «HAERTS» выпустила новый альбом. Коллектив состоит из двух участников: Нини Фаби и Бенни Герберта. Несмотря на то, что это всего лишь группа из двух человек, их музыке удается найти связь со многими людьми по всему миру. Их последний альбом не исключение, это прекрасный сборник песен, в которых артисты делятся своей душой и личными мыслями.

Второй трек альбома «It’s Too Late» — это ностальгический побег. Песня начинается с мелодичного фортепианного соло, которое парит над другими инструментами. Гармония вызывает чувство ностальгии, демонстрируя, как участники «HAERTS» относятся к прошлым отношениям. В конце концов, инструменты затухают, и смелый фортепианный аккорд завершает песню.

«Drift Away», пятый трек на альбоме, — медленная эмоциональная песня с лаконичным звучанием. Дуэт поет о том, что в нашей жизни всегда будет тот, кто отдаляется от нас, и с этим ничего нельзя сделать, это не остановить. Гитары припева звучат так, как будто облака медленно плывут по небу. Вокал парит над инструментальными партиями, а нежная соло-гитара, сопровождающая вокал, создает меланхоличный звук, идеально сочетающийся с лирикой. Хотя песня душераздирающая, передаваемые чувства наверняка понравятся многим, поскольку опыт, о котором они поют, понятен и знаком.

Шестой трек «Why Only You» начинается с красивого фортепиано и нежных барабанов. Затем к ним присоединяются синтезатор и тяжелые барабаны, создавая более энергичный танцевальный битовый трек. Хотя песня может звучать более оптимистично и живо, тексты эмоциональны и душераздирающие. Они поют о невозможности будущего с человеком, который уходит из их жизни. Эта песня заставляет слушателя танцевать, одновременно разбивая им сердце.

Наконец, последний трек альбома «No Shame» — это меланхоличная баллада. Она пытается утешить того, кто чувствует себя побежденным. Воодушевляющая баллада понимает боль слушателя, одновременно вдохновляя его снова встать и сражаться. И при этом мелодия успокаивает и умиротворяет.

Новый альбом «HAERTS» «Dream Nation» отправляет слушателя в эмоциональное путешествие и оставляет его в финале удовлетворенным и довольным.

Gary Numan – Intruder

«Планета рассматривала нас как своих детей, полностью игнорирующих ее благополучие. Она почувствовала себя преданной, обиженной и опустошенной. Разочарованная и убитая горем, она начинает сопротивляться. По сути, начинает считать человечество вирусом, атакующим планету. Изменение климата — неоспоримый знак того, что Земля говорит, что достаточно, и, наконец, делает то, что ей нужно сделать, чтобы избавиться от нас, и объясняет, почему она считает, что должна это сделать».

Для тех, кто вырос на музыке конца 1970-х годов, Гэри Ньюман стал чем-то вроде несгибаемого музыкального Бога. В то время как Джонни Роттен продавал масло, а Стинг брался за лютню, Гэри Ньюман всегда был крутым. Он был немного готом до того, как Роберт Смит взял в руки тушь, и являлся самой эмоцией, в то время когда родители участников «Fall Out Boy» голосовали за молодого сенатора США по имени Джо Байден. И он все еще здесь, все еще выглядит как антропоморфный ворон, и он вернулся с новым альбомом “Intruder”.

Это альбом, который быстро ставит слушателя на корточки в позу молящегося. «Betrayed» становится оглушающим началом, как лучшая песня «Linkin Park», которую они так и не написали. «The Gift», рассказывающий про прошлое певца, мог бы озвучить особенно захватывающий уровень компьютерной игры. Все здесь, всё в сборе: мрачное вдохновение, мощные электронные басы и олдскульные синтезаторы.

«Black Sun» — это наслаждение, наполненное фортепианными звуками, но если кто и заслуживает того, чтобы играть на фортепиано, так это Гэри Ньюман. Следующие треки – «The Chosen», «And It Breaks Me Again», а также потрясающий сингл «Saints and Liars» — вероятно, лучшая демонстрация сочетания сильных сторон альбома. Это эмоциональный рок с современным звучанием, но без гитар и пронизанный минималистской чувственностью, которая сделала музыканта звездой.

«Intruder» не удовлетворит тех, кто любит сдувать пыль с записей любимых старых артистов. Что примечательно в нем, так это то, что, несмотря на то, что он все еще остается альбомом Гэри Ньюмана, он звучит ново и свежо. Он точно произведет впечатление на тех, кто достаточно молод, чтобы быть его внуками. Если бы модная группа с красивыми, капризными стрижками выпустила подобный диск, критики, вероятно, стали бы говорить о том, насколько они новаторски настроены и какое их ждет большое будущее.

Это работа от художника, который не почивает на лаврах, а мощно и упорно прокладывает себе новые дороги в яркое будущее, не опираясь на обширный каталог дискографии за спиной.

Источник

Нота бене от 27 января

Выпуски NotaBene

Выпуски NotaBene