Пикассо женщина с гитарой история картины

10 малоизвестных фактов о картине Пикассо «Старый гитарист»

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

1. Пикассо передал картиной свое душевное состояние

В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». Это видно по монохроматичности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.

2. Картина больше, чем считают многие люди

Из-за искаженной перспективы обычно все считают, что «Старый гитарист» — очень небольшое полотно. На самом деле, его размеры — 123 x 83 см.

3. Человек на картине слепой

Закрытые глаза, отрешенность от всего мира и только инструмент в руках имеет значение. «Старый Гитарист» стал одним из символов в литературе, который часто используется для того, чтобы передать то, как слепые видят что-то «за пределами этого мира».

4. Человеческие страдания – основная тема «голубого периода»

Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Особо его интересовала тема слепоты, а слепых людей можно найти в ряде его произведений. На «Скромной трапезе» (1904) изображены слепой мужчина и зрячая женщина, которые сидят перед практически пустым стволом. Похожая ситуация изображена на «Завтраке слепого» (1903). Наконец, на портрете «Селестина» (1903) нарисована женщина с бельмом на одном глазу.

5. Частично эту картину можно считать автопортретом

Единственным элементом «Старого гитариста» не синего цвета является гитара. Гитарист якобы находит утешение среди однообразия окружающего мира в своем инструменте. Точно так же и Пикассо рассматривал возможность вторить, как единственное светлое пятно даже в самые плохие времена.

6. Композиция «Старого гитариста» намекает на творчество Эль Греко

Как и все картины голубого периода, это полотно непосредственно связано с художником Эль Греко. Пикассо был большим поклонником этого художника, несмотря на то, что на то время в фаворе были другие художники эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что Пикассо специально выбрал странную угловатую позу гитариста, а также изобразил его конечности преувеличенно удлиненными. Якобы это было сделано в качестве дани таланту Эль Греко.

7. Картина, возможно, послужила вдохновением для стихов

Через три года после того, как «Старый гитарист» был выставлен в художественном музее Уодсворт Атенеум в Хартфорде, штат Коннектикут, американский модернист Уоллес Стивенс опубликовал стихотворение «Человек с голубой гитарой». Несмотря на, казалось бы, очевидную связь между живописью и поэмой, Стивенс отрицает какую-либо причастность к работе Пикассо.

8. На картине есть скрытая женщина

Если внимательно присмотреться, то можно разглядеть за ухом гитариста едва заметные лоб и глаза. Ученые художественного музея при Институте Искусств Чикаго, где хранится картина, просветили картину с помощью инфракрасного излучения и рентгена. Они обнаружили, что под слоем краски скрывается недописанное изображение обнаженной молодой женщины, которая кормит грудью ребенка, а также изображения теленка и коровы.

9. «Старый гитарист» — самое знаковое произведение голубого периода Пикассо

В течение 1900-1904 годов Пикассо написал довольно много картин, в которых преобладали оттенки синего и голубого цветов. Но ни одна из них не стала столь популярна, как «Старый гитарист».

10. Институт Искусств Чикаго вошел в историю благодаря этой картине

Институт искусств Чикаго приобрел картину в 1926 году. «Старый гитарист» стал первой картиной Пикассо, которая была приобретена американским музеем, а также первой картиной Пикассо, которую любой музей мира приобрел для своей постоянной коллекции.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Источник

LiveInternetLiveInternet

—Ссылки

—Метки

—Рубрики

• живопись искусство (20389)
• путешествуем по миру (6547)
• россия (1276)
• замки (1564)
• иллюстрация (1282)
• анималисты (1086)
• ювелирные изделия (637)
• жанровое (567)
• современные художники (514)
• соборы и храмы (431)
• антиквариат (397)
• русские художники (372)
• посуда (276)
• западные художники (274)
• история россии (240)
• статуэтки (230)
• сюрреализм (149)
• религия (121)
• гифки (111)
• русские художники пейзажисты (88)
• интересное (38)
• (1)
• видео (12)
• итальянские художники (9)
• креотив (3)
• московский кремль (1)
• (0)
• (0)
• (0)
• (0)

—Цитатник

Царское Село. Регулярный парк. Часть 1. Парковая скульптура. Часть 1. Более двух веков регуля.

Художник Otto Diderich Ottesen (1816-1892). Лирические портреты цветов Утонченные и р.

Китай отгорожен великой стеной. Художник Tony Wu. Великая китайская стена Китай отгорожен .

И наконец, море! Художник Edward Henry Potthast / Эдвард Генри Потхаст (США, 1857-1927) .

Замечательные работы Люси Ньютон Художник и иллюстратор Люси Ньютон живет и работает в Эдинбурге.

—Поиск по дневнику

—Подписка по e-mail

—Статистика

Пабло Пикассо (1881-1973) , часть 2

Пабло Пикассо (1881-1973) , часть 2

«Художник — это человек, который пишет то, что можно продать.
А хороший художник — это человек, который продает то, что пишет».
Пабло Пикассо

Пабло Пикассо. Голубка Пикассо. 1949
фр. La Colombe, исп. La Paloma рисунок, литография

1916—1925 года считаются периодом, когда Пикассо неожиданно возвращается к классическому портрету, в картинах появляются прозрачные очертания, легкие тона, правильные черты обликов и фигур. Почему в эти годы?
Искусствоведы объясняют этот переворот в его творчестве внешними обстоятельствами. Во-первых, Жорж Брак, с которым они «придумывали» и совершенствовали кубизм, ушел на фронт. Самого Пикассо в это время приглашают в Италию, оформлять спектакль для труппы Дягилева, и он попадает в среду классического балета и античной атмосферы Рима.
Непосредственное сотрудничество с «Русским балетом» повлияло на художника, который в своем творчестве стал обращаться к изобразительным приемам и сюжетам классического искусства. И самое главное — в этот период рядом с ним жила и вдохновляла его очаровательная русская женщина (ставшая его официальной женой) — балерина труппы Сергея Дягилева — Ольга Хохлова.
Многочисленные портреты балерины являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником, даже при том, что своей слегка классической направленностью и пародийностью они несколько озадачили общество того времени. Ольга не любила неопределенность в живописи, терпеть не могла творчесике искания Пикассо и настаивала на том, чтобы быть узнаваемой на полотнах и художник исполнял ее просьбу так долго, как только мог.

Portrait d’Olga dans un fauteuil, 1917.
130 × 89 см. Холст, масло.
Париж, Музей Пикассо
Этот период полон нежности и любви, и непонятно, что важнее для него — вдохновение или любовь, но, может быть, эти чувства просто неразделимы в его жизни. Для кого то Ольга Хохлова была средней балериной, невыдающейся красоты и не высокого интеллекта. Друзья художника, лишенные розовых очков влюбленности, видели в ней ничем не примечательную мещанку. Многие уверяли, что в жизни она была намного проще и менее интересней, чем на этих портретах — но когда любящий взгляд был объективным? Он идеализировал ее, сделал божеством, видел ее такой и мы не в праве здесь спорить. Для Пикассо, который пробовал и проституток, и двуполых моделей, и туберкулезных красавиц, и темнокожих девочек из Мартиники, Ольга была настолько обыкновенна, что считалась экзотикой. Но в ней была и какая то загадка. На сей раз это была не таинство другой действительности, а тайна другой страны. Пикассо находил что-то захватывающее во всем русском.

Портрет Ольги в кресле

Этот портрет Ольги Пикассо – это вовсе не абстрактная живопись, но некоторая схематичность в нём, всё же, прослеживается. Нетщательно выписанные волосы и мех на воротнике, неглубокие светотени, хотя они, конечно, присутствуют и создают настроение, расплывчатые очертания браслета на руке Ольги – всё это уводит зрителя от деталей, подводя его к главному – общему настрою полотна. Его идея – это задумчивость.

Упрощённость изображения – всё же не помеха тому, чтобы образ казался необычайно живым. Момент задумчивости, взор, направленный в никуда так присущи человеку искусства, а Ольга была таковой. Лёгкий наклон головы, но удивительно ровная спина, положение рук – всё это выдаёт в супруге художника балерину. Есть в образе и кротость, свойственная русской женщине тех лет. Искусство, поистине, не имеет границ.

Художник умел работать в разных манерах и техниках. Достаточно изучить по картинам тему его взаимоотношений с Ольгой, которой была посвящена далеко не одна работа, и становится ясно, насколько Пикассо был разноплановым мастером.

Ольга Хохлова,1923

Этот темпераментный испанец полюбил всем сердцем балерину из труппы Дягилева и был вынужден сделать ей предложение, так как его предупредили об особом менталитете русских девушек, что «на них жениться надобно». Ольга Хохлова приняла его. Две творческих натуры были друг с другом счастливы, и эта гармония нашла своё отражение в картинах великого мастера.

Танцоры. Ольга Хохлова лежит на переднем плане. 1919-20. Карандаш

Портрет матери художника. 1896. Пастель на бумаге.
Музей Пикассо, Барселона.

Портрет матери Пикассо написан в совершенно не свойственной для него манере. Яркий представитель кубизма в живописи, он нарисовал портрет матери нежно, едва уловимо отступив от своего традиционного стиля.
Это не просто женщина на холсте, она для художника – наивысшая ценность, наибольшая любовь. Пронизанный нежностью портрет оставляет только самые теплые ощущения.
Кажется, что женщина дышит. Не мигая смотрите на портрет – вам покажется, что грудь дамы вздымается вверх и опускается, настолько реалистично и тепло написан портрет матери.

Автопортрет. 1896. Холст, масло.
Музей Пикассо, Барселона.

С 1925 года автор испытывает большие творческие переживания, которые угадываются в его картинах – персонажи являют собой ирреальную монструозность, художник делает вызов, заигрывает с воображением зрителя, обратившись к сюрреализму. Одна из самых известных сюрреалистичных картин – «Сон» 1932 года.

«Сон» 1932

«Le Rêve» (фр. — «Мечта»), или «А Dream» (анг. — «Мечта»), или «Сон» (русский вариант) считается одним из самых знаменитых шедевров Пикассо периода «большой эротики» и наиболее изысканным примером Живописи Секса. Популярность картины можно объяснить не только благодаря ее явному эротическому подтексту, но и казусу, который произошел с ней в 2006 году. Что касается живописи, то «Lе rêve» была написана Пикассо в течении одного дня 24 января 1932 года в Буажелу (Boisgeloup). На картине изображена любовница-муза художника Мария-Тереза Вальтер — светловолосая красавица с греческим профилем, — которая нежится с закрытыми глазами в ярко-красном кресле. Пикассо было на то время 51 год, а его пленительной натурщице всего лишь 22, последние 5 лет из которых она провела в любовной связи с художником.
Наряду с упрощенными, плавными и упругими линиями, дерзким цветом и округлыми формами, картина является откровенным представлением того, кем была Мария-Тереза для Пикассо — всего лишь сексуальным объектом. Не равной во всех аспектах развития, не спутницей жизни или женой, даже не обыкновенным другом, а попросту игрушкой, бездонным источником сексуального возбуждения и удовлетворений художника. Сильный и прямой эротизм картины указывает, без какой-либо двусмысленности, на опыт физической любви с этой женщиной, описывая его чувственность и прежде всего сексуальную удовлетворенность. Сладострастное содержание «Le Rêve» неоднократно отмечалось критиками, которые утверждали, что картина преисполнена явными сексуальными намеками. Самым примечательным указанием можно считать изображение мужского полового органа на наклоненном лице модели. Если внимательно присмотреться, то действительно в верхней половине раздвоенного лица Марии-Терезы можно узнать фаллический символ. Согласно оригинального названия картины, «Le Rêve» с французского переводится как «Мечта» — таким образом картина изображает процесс «мечтаний» и эти грезы напрямую касаются Пикассо
Картина Пикассо относится к самым дорогим полотнам мира. Сейчас полотно находится у частного владельца, который приобрел её за 115 миллиона долларов. Эта самая дорогая оценка произведению, за всё время его существования.

Pablo Picasso (1881-1973) Jeune fille endormie oil on csnvas 46.3 x 55 cm Painted 1935
Пабло Пикассо. «Спящая девушка», 1935

На картине изображена Мария Тереза Вальтер – натурщица, муза и любовница.
Пикассо встретил Марию, когда ей была 17 лет, в то время уже состоял в браке с русской балериной Ольгой Хохловой, а их сыну было 5 лет. Брак художника, а также несовершеннолетие Марии, были основными причинами, из-за которых художник долгое время скрывал свой роман. Но скрывать свой роман в своем творчестве Пикассо не удалось, ведь то, с какой нежностью и любовью изображалась на картинах Мария, не могло остаться незамеченным. Эта женщина серьезно повлияла на творчество испанского гения.
Картина относится к целому циклу работ с изображением юной любовницы, в ней чувствуется теплота и нежность женского сна или полудрема. Данные эмоции на столько четко переданы, что иногда зрители в страхе разбудить прекрасную Марию. Идея сонной, мечтательной и любящей женщины еще много раз повторяется в работах Пикассо.

Мария часто позировала обнаженной и судя картинам, она скорее была объектом вожделения, страсти художника, но никак не равноправной любви.

После рождения у Марии дочери Майи, жене художника стало известно об его изменах и она сразу забрала сына и уехала. Позже у Пикассо появилась еще одна любовница Дора Маар, однажды, любовницы столкнулись в его мастерской, и между ними даже возникла драка, этот момент он назвал одним из самых ярких воспоминаний в своей жизни. Мария Тереза Вальтер до последних дней Пикассо поддерживала с ним отношения и мечтала выйти за него замуж, но этого так и не случилось. Через 4 года после смерти художника, она повесилась в своем гараже.

В 2011 картина «Спящая девушка» ушла с молотка аукциона Кристис за космические 21.9 млн. долларов, покупатель мирового шедевра пожелал остаться неизвестным.

1931 Figures au bord de mer
Пабло Пикассо «Фигуры на берегу моря (поцелуй)». 1931

Это одна из самых известных работ испанского художника, скульптора и дизайнера Пабло Пикассо. Картина написана в 1931 г. в жанре сюрреализма. И хотя Пикассо мало интересовался идеями сюрреалистов, в определённый период своего позднего творчества он нашёл вдохновение в так называемых принципах психического автоматизма и особой, конвульсивной красоты. В немалой степени на восприятие Пикассо в тот период повлияла и сюрреалистическая поэзия.

Так или иначе, но в течение нескольких лет художник писал работы, в которых довольно радикально изображал человеческую природу. Атмосфера картин создаёт мир галлюцинаций, конвульсивных движений и непрекращающейся истерии. Под кистью художника возникают образы монстров, распадающихся на части, кричащих, превращающихся в нечто неведомое.

Картина «Фигуры на берегу моря» воплощает одну из подобных метаморфоз, объединённых с агрессивным эротизмом. Техника написания работы выглядит свободной и сложной одновременно. Бег переплетающихся линий создаёт сложные геометрические формы. Чтобы подчеркнуть это, Пикассо прибегает к ярким цветовым акцентам.

В период сюрреализма женщины на картинах Пикассо изображаются в пугающем виде и напоминают сложные детали неведомой машины. Человеческие конечности теряют привычную для зрителя форму, становясь похожими на острые, гладкие, идеально выточенные детали. Вместо привычных выражений лиц – оскал и острые зубы. В такой интерпретации женский облик приобретает угрожающие, хищные черты. Женское тело словно распадается на составные части, из которых волей художника складывается монстр.

Картина «Фигуры на берегу моря (поцелуй)» находится в персональном музее художника в Париже. Дальнейшие сюрреалистические эксперименты с человеческой натурой вдохновили Пикассо на создание скульптурных произведений.

Пабло Пикассо «Танец», 1925

Картина «Три танцора» была написана в 1925 году, в переломный момент творческого становления Пикассо. Картина была создана после самого спокойного классического этапа, во время которого художник одновременно работал в двух совершенно разных стилях — в декоративной форме позднего синтетического кубизма, с одной стороны, и неоклассическом стиле, с другой стороны. Особое значение картины в том, что она знаменует собой распад сдержанной, классической фазы и начало нового периода эмоционального насилия и искажений, по своей манере коренным образом отличаясь от великих «неоклассических» работ. С этой картиной Пикассо начал совершенно новый этап своего творчества. Работа очень близка к сюрреализму, но в то же время художник всегда оставался верным себе и своей индивидуальности, и даже приблизившись к сюрреалистам, он следовал по своему собственному пути.

Что стало причиной такой негативной эмоционально-экспрессивной окраске картины, и почему выбран именно такой сюжет? Одной из причин тяжелого настроения в картине называют сложности в отношениях Пабло с его женой, Ольгой Хохловой, которые шли к разрыву. Отсюда и сюжет: балетный круг был очень близок женщине, и в попытке изобразить его, по словам искусствоведов, Пикассо не мог сопротивляться своему настроению и эмоциям.

Другая причина для изображения трех танцующих фигур был любовный треугольник, свидетелем которого был художник. Его друг, втянутый в эти отношения, застрелился из-за своей возлюбленной, которая стала затем женой другого, которого всегда любила. Однако последний умер как раз в 1925, во время написания картины.

Как уже было сказано, это первая работа художника в жанре сюрреализма. В ней автор разбирает тела танцоров и танцовщиц, составляя из них затем новые, которые переливаются в причудливые формы и фигуры, создавая множество теней и образов. Лица же персонажей выражают эмоции, распознать которые довольно сложно из-за их символического изображения. Все эти танцы происходят в комнате с желтым полом и черно-коричневыми открытыми дверями.

Было распространено мнение, что семейные проблемы послужили причиной изображения взявшихся за руки людей, как странноватых изуродованных игрушек, вроде марионеток на ниточках. Но лишь в 65 году Пикассо дал объяснение, что полотно изображает «Пляски смерти», связанные с гибелью двух хороших друзей художника из-за девушки, которая не принесла счастья в браке ни тому, ни другому.

Художник и его модель, 1926

Пикассо считается одним из великих художников 20 века. Его полотна оцениваются миллионами долларов. Но далеко не все его работы понятны для восприятия обычного человека. Не подготовленных они могут повергнуть в шок. Вся жизнь Пикассо поделена на жизненные периоды, которые влияли на его восприятие окружающего мира и людей.

«Художник и модель» — это одна из картин цикла полотен по данному сюжету. На нем изображен художник, который на холсте рисует обнаженную модель. Пикассо не раз обвиняли в женоненавистничестве за его искажение фигур и лиц женщин.

Возможно, это связано с его нелегкими отношениями с его первой супругой, с которой он так и не наладил отношений. На своих полотнах он нарочно уродует до неузнаваемости фигуры и лица.

Картина из цикла «Художник и модель» 1926 года не стала исключением из этого правила. Она относится к периоду жизни Пикассо под названием сюрреализм. Это один из самых сложных этапов в жизни для художника. Он часто был склонен к истерии и страхам в своих работах.

Как раз в этот период дополнительное негативное влияние на формирование образов в голове Пикассо оказывали плохие отношения с женой. Свою агрессию он выплеснул на изображения женщин в уродливых формах.

Натурщица изображена с причудливыми толстыми пальцами, на руках и ногах. Они словно распухли от укуса насекомого. Но еще более впечатляет грудь женщины. Она имеет непонятную форму и расположена не в соответствии с человеческой анатомией. Кожа имеет бело-синий цвет, словно девушка не с нашей планеты. Смотря на художника, создается впечатление раздваивания в глазах.

Картина одновременно удивляет и шокирует, впрочем, как и все работы Пикассо. Хотя, все же, есть в этом цикле более адекватные и похожие на нормальные полотна. Понять Пикассо весьма сложно.

1932 Femme avec une fleur
Пабло Пикассо «Женщина с цветком»

Такую картину вряд ли зрители будут воспринимать однозначно. Абстракция – она для того и придумана, чтобы просто вызывать у человека определённое впечатление. Кто-то на этом полотне и вовсе не увидит женщину, только набор геометрических фигур, ну и листья – в лучшем случае.

Но ведь есть, есть на ней, пусть и очень схематичные, но всё же черты лица. Оно сурово и сердито, а потому должно контрастировать с цветком. Для чего женщинам дарят цветы? Чтобы ещё раз подчеркнут природную красоту тех и других. Цветы должны располагать человека к положительным эмоциям, а здесь налицо – диссонанс, конфликт. Да и сам цветок больше похож на крупную гальку или на воздушный шарик, нежели на растение.

В картине есть движение – это фиолетовые руки и трёхцветная накидка его создают. Но что именно хотел сказать этим полотном Пабло Пикассо, не совсем понятно.

Скорее всего, показать какую-то увиденную им женскую эмоцию. И вполне возможно, что рассерженную чем-то женщину, которая посчитала.

1945 Poireaux, crГne et pichet 3
Пабло Пикассо «Натюрморт»

Картина «Натюрморт» согласно подписям под ней самого автора называлась – «Порей, череп и персики», и была создана в 1945 году. В этот период художник создает целый ряд картин подобного рода, с одним и тем же сюжетом, но с изменением некоторых деталей. Среди нагромождения всевозможных треугольников на картине явственно просматривается череп, тем явственней, чем больше его округлые формы отличаются от окружающей остроты углов.

«Натюрморт» написан в конце войны, которая так поразила художника, что ей он посвятил целый период своей жизни, так и называемый в искусстве – «Война. Герника». И действительно картины этого периода темные и мрачные, так в «Натюрморте» преобладают сиреневые и синие краски, и только золотистый череп выделяется из общего плана картины. Но создав центр картины темным, как бы призывая зрителя посмотреть именно в эту сторону, Пикассо осветлил края полотна, придав им вид расходящихся солнечных лучей. Видимо такое написание не случайно, поскольку война уже заканчивалась, и впереди маячило светлое будущее, в котором больше не будет черепов и костей, но по-прежнему останутся натюрморты.

Данная картина принадлежит к серии из трех подобных картин, которые носят такие же названия, но имеют слегка видоизмененный сюжет, написаны картины одновременно, и чтобы их как-то разделить, принято вводить цифровое деление от 1 до 4, так как именно столько картин под одним общим названием написал художник. Сам он себя величал Чертом, и потому, когда ему задавали вопросы о том, зачем он изображает в картинах настолько гнетущее воплощение смерти, отвечал, что Черту больше изображать то и нечего.

На самом деле жизнь художника не была настолько мрачна, как этом жжет показаться из черепа, изображенного на картине, поскольку Пикассо прожил до 90 лет и умер уже в известности, хотя самая настоящая слава все же пришла после смерти.

1941 Dora Maar au chat
Пабло Пикассо «Дора Маар с кошкой

Дона Маар была любовницей, верной спутницей жизни и подругой Пабло Пикассо. Эта была красивая, загадочная женщина. Причиной того, что она всех полотнах Пикассо Дона изображена крайне жутко, стал период, в который разворачивались отношения этой женщины и великого художника. Мировая Война отразилась на всех сферах жизнедеятельности каждого человека. Не обошло это и творчество испанского мастера кисти. Союз Доны Маар и Пабло Пикассо нельзя называть романтическим, сентиментальным. Правильнее будет говорить, что их отношения были организацией двух умов, интеллектуалов, художников.

Не секрет, что когда два человека с сильным характером сходятся, их отношения являются больше борьбой между двумя неординарными личностями. Возможно, именно в силу этого факта, Пикассо рисовал красавицу Дору очень искаженно, придавая ей острых углов и темных оттенков.

Характерными объектами для Маар на полотнах Пикассо стали шляпки и длинные острые ногти. Шляпка подчеркивала причастность женщины к сюрреалистическому движению. В жизни эти детали внешности были достаточно важны для женщины, возможно, поэтому Пикассо подчеркивал их в своих произведениях.

В портрете «Дора Маар с кошкой» подчеркивается острота ноготков присутствием маленькой черной кошки. Ногти, изображенные на картине, являются символом ногтей необузданных представителей кошачьих. Синие ногти нарисованной Маар являются символом обладания мощью, насилием. Пабло Пикассо не единожды заявлял, что характер Доры Маар он сопоставлял с темпераментом афганской кошки.Художник прибегал к кубическим способам рисования. Таким образом, он переработал красивое, утонченное, овальное личико возлюбленной Доры в неузнаваемую и деформированную карикатуру. Ухо женщины на изображении расположилось под глазом, рот искривился в улыбке. Да и само лицо представлено одновременно с двух сторон: фронтальной и профильной.

За женщиной находится кошка. Ее позиция тоже достаточно неопределенная. С одной стороны, животное достаточно милое и забавное, но окрас кошки подчеркивает устрашающие ноты произведения. Соединение женщины и кошки Пабло Пикассо представлял как комбинацию бесконечной сексуальной агрессии и хитрости, свойственной представительницам прекрасного пола. Определенно, что черная кошка – это символ горячей, огненной личности Доры Маар и самих отношений между двумя художниками. Таким образом, сплетение самых разных эмоций Пикассо вылилось на полотно «Дора Маар с кошкой», которое является гордым достоянием шкатулки мирового творчества на сегодняшний день.

Пабло Пикассо «Алжирские женщины»

Данная картина была создана известным художником Пабло Пикассо. Время ее создания датируется 1955 годом. Неоднократно искусствоведы отмечали, что серия картин «Алжирских женщин» является лучшей работой великого художника.

Состоит она из пятнадцати картин, каждая из которых обозначена соответствующей буквой алфавита. Тематика картин соответствует восточному стилю. Описываемая картина пятнадцатая по счету. Ее можно распознать под буквой О. На данный момент она пребывает в одной из частных коллекций.

Отметим, что «Алжирские женщины» Пабло Пикассо были навеяны одноименной картиной Эжена Делакруа, созданной в 1834 году. Длительный период времени это полотно было в коллекции Виктора и Салли Гантц. Они купили его через год после ее написания за 212 тысяч долларов, что на 1956 год было баснословной суммой.

Если внимательно присмотреться к картине, то можно заметить, как умело автор смог передать свои мысли и переживания. Впечатляет превосходная игра цвета. Во время работы над картиной Пикассо не побоялся совместить довольно большое количество цветов. Особенного внимания заслуживают отдельные элементы картины, которые выполнены с особой точностью.

Главным персонажем «Алжирских женщин» являются, как ни странно, женщины восточной наружности. Автор ставил перед собой цель передать весь колорит и внутреннее состояние своих натурщиц. Чувствуется особый подход работы художника. Ему удалось с помощью кисти запечатлеть людей, точно передавая их внутренний мир и состояние.

Картина привлекает внимание своей необычностью и экстравагантностью. Сейчас эту картину купили в Нью-Йорке. Ее стоимость оказалась рекордной и составила 179 миллионов долларов. Таким образом, картина Пикассо стала самой дорогой репродукцией, которую продали через аукцион.

1931 Femme lanЗant une pierre
Пабло Пикассо «Девушка бросающая камень»

Великий художник с множеством стилей письма не пытался в своих произведениях писать в установленных рамках стандарта, раскладывая все детали по полочкам.

На каждом творческом этапе художника, в период его становления как сюрреалиста, присутствовала Муза, которая вдохновляла на создание новых интересных шедевров.

Будучи в браке с балериной Ольгой Хохловой, которая жаждала присутствовать на всех его полотнах, он обратился к неоклассицизму. А обращение в сюрреализм случился чуть позже, когда в его жизнь вошла молодая блондинка Мария Тереза Вальтер. Благодаря отношениям с ней, основная доля картин Пабло составила наследие сюрреализма, а также отобразилось в географических циклах. Здесь происходит сочетание классики и античных мотивов.

В своих полотнах художник производит образное вскрытие женского тела, и он пытается соорудить монстров из его составных частей. Одной из подобных работ является картина «Девушка, бросающая камень», написанная в 1931 году.

Он как ребёнок, разбирая на части новую игрушку с целью посмотреть «что же там внутри», проводит исследования над новой моделью на полотне. Фрагменты тела складываются, перекручиваются, и разбираются на части. Он играет с ним как с конструктором, и пытается определить – что же будет, если сложить детали по-другому. И результат показывает, что вне зависимости от смены перемены деталей чувственность сохраняется без присутствия агрессии. Глядя на картину, создаётся впечатление, будто девушка вылеплена из пластилина, настолько мягкие и обтекаемые формы.

Сам человека и его части тела становятся сгустками дикого, природного начала и естественных желаний. Художник задаётся вопросом «Что за существо – человек?», что будет происходить, если убрать все ненужные элементы? Останется всего лишь воплощение сущности человека в натуральных желаниях и стихиях организма.

1972 autoportrait face Е la mort
1972 автопортрет перед лицом смерти

Источник