Произведения с глиссандо для фортепиано

А мне даже пальцами больно было. Или я не правильно играла, или с непривычки? Научите теоретически, правда что.

Я чисто ногтем играю. Правой: вверх третьим пальцем, вниз первым. Левой: зеркально. На первых парах сдирал кожу рядом с ногтем, но потом научился не продавливать до кожи, только роговой поверхностью. Вверху завершается (та нота, к которой идем) первым пальцем. Степень легкости достигается разной степеню давления, но всегда только ногтем.

Во-первых, не нужно прилагать никаких физических усилий, а играть непринуждённо, как бы скользя по поверхности клавиш. Больно может быть только оттого, что играли на тугом пианино. :solution:

Меня учили сильно не прижимать, задевать кончиком ногтя (если только нет длиннющего маникюра:lol:)

про глиссандо.. всегда была загадка для меня этот элемент у Равеля в «Утренней Серенаде шута» (ну или Альдебарада и лкак так называется. фик выговоришь:) ) там толи в кварту, толи в квинту глиссандо правой рукой. пращай пальцы:)

зы «Guero» Лахенманна — это чего такое. нотки запись. )

У нас один из пианистов играл на ГОСе «Альбораду» Равеля. Там вроде сложнее сыграть последнее глиссандо вверх, которое тише и медленней других. 8) Здорово сыграл. :appl:

Одной рукой глиссандо в интервал? (Озадаченно) Это как?
Распальцовкой(:-P) , типа, указательный-мизинец? 🙄

Первый-третий, если не ошибаюсь.

зы «Guero» Лахенманна — это чего такое. нотки запись. )У Равеля «Альборада».
Guero Лахенманна, чтобы не оффтопить в этой теме, я выложила вот ТУТ (http://www.forumklassika.ru/showpost.php?p=324990&postcount=248)

закачл ноты.. глянул — обалдел. закачал звук.. попытался сопоставить с нотами.. еще больше обалдел. чем и как играют, так и не понял:)

закачл ноты.. глянул — обалдел. закачал звук.. попытался сопоставить с нотами.. еще больше обалдел. чем и как играют, так и не понял:)
Не за что, Демон!!
Вероятно, играется это как раз ногтем — по поверхности клавиатуры. Возможен также вариант игры костяшками пальцев.8)

от правильного глиссандо пальцы не болят
главное не задевать основание ногтей

я знал одну пианистку, она костяшками пальцев играла, причем на любом рояле, как с заоваленными клавишами, так и с прямоугольными!!
я даже не пробовал, не мазохист)

У меня с глиссандо ещё в школе были проблемы: в 6 классе играла 1 партию Концертино Шостаковича, на глиссандо всегда сбивала 3-й палеz правой до крови (под ногтем в том числе). Учительница, кажется, ничего конструктивного не советовала. А сейчас нашла в архиве Тараканова такую забавную пьеску для ф-но:
В.-А. Моцарт, «Tartine de Beurre» («Бурре»), для фортепьяно, 2 стр., 90Кб

Написано, что в правой руке использовать только один палец.Выглядит и звучит интересно, но как играть, а главное, учить её играть детей? Чтобы мне потом их родители секир-башка за травмированные пальчики не сделали? Или это вообще не для детей? Подскажите малоопытному педагогу (и опытному аккомпаниатору). 😮

Glissando было сыграно ЛОКТЕМ.

а костюм было не жалко?! 😉

Актуальный вопрос для пианистов.Но вопрос не сложный.
Прежде всего его не надо бояться,а надо любить играть,больше юмора и улыбки,друзья мои.
Я это себе представляла,как полёт над клавишами.Надо изучать музыку,которую исполняем.
И глиссандо должно рассматриваться,как краска,как штрих,для создания образа. И тогда всё получится.
Вперёд ,и за работу!:solution:

Спасибо, конечно, за литературное эссэ, но проблема (моя, в частности) уже и конкретнее — как не травмировать пальцы себе, во-первых, и как научить это (глиссандо) делать детей?
Мне одна местная учительница посоветовала им на первых порах вокруг пальца, которым делается глиссандо, наклеить пластырь 😮

Долго думал, решился на несколько слов.

Во-первых, то, что глиссандо — это не просто последовательность быстрых нот, играемых не так, как всё остальное, а часть образа, (по крайней мере так должно быть) — это однозначно.

Во-вторых, глиссандо как такового не нужно бояться, играть его свободнее, т.к. часто существует психологический барьер.

В-третьих, о технике. Лично я играю глиссандо: правой вниз — 1м пальцем, вверх — 3м и 4м вместе прижатыми друг к другу. Левой — зеркально. Динамику делаю наклоном пальцев. Чем более вертикально стоит рука — тем громче, чем больше наклон — тем тише.

Наконец, об октавных глиссандо. В «Исламее» и Мефисто вальсе они не так трудны, т.к. идут на форте. В Мефисто-вальсе есть возможность играть его двумя руками, и не вижу причин, чтобы этого не делать (только в конце нужно внимательно посмотреть и придти к октаве).
В Исламее несколько труднее, т.к. приходится играть одной рукой. Но можно под правильным углом наклонить пятый палец и освободить руку. Первый — почти не слышно. Пробовать лучше сначала на лёгких роялях. Честно говоря, проблем у меня с этим глиссандо особо не возникало.

А вот в «Авроре» в коде финала всё намного труднее, т.к. идёт на пианиссимо. Честно говоря, сам избегаю играть там глиссандо, играю пальцами, как обычно, а в левой приходится выкидывать часть верхних нот. Но, честно говоря, ни разу не слышал, чтобы к этому придирались, даже на серьёзных конкурсах.

У меня вот такой вопрос. Как лучше играть глиссандо левой рукой вверх, если правой играю в двух направлениях первым пальцем, а левой вниз тоже первым пальцем? Вроде и кожу со всех пальцев (кроме 2-х и 5-х) сдирала, на больших пальцах уже ногти расслаиваться стали и вроде бы первым пальцем левой руки вверх вначале удается глиссировать, но больше 1,5-2 октав не выходит 🙁

Вниз понимаю как делать, а вверх делаю — ерунда получается. Точнее нисколько не выходит 🙁
Вроде 1 пальцем удобнее, чем 3 или еще какими-то другими. и когда вниз делаю, то упор идет на среднюю часть ногтя (я имею ввиду, что при исполнении глиссандо лев. рукой вниз я не выворачиваю палец вовнутрь или наружу). Пытаюсь играть зеркально правой руке — не получается 🙁

Может я мало старалась? Подскажите, пожалуйста. Может как-то кисть развернуть или корпус? Ну, боком к инструменту делать, или махнуть рукой сильнее? Просто я, откровенно говоря, задолбалась разучивать эту левую руку, скоро психологический барьер будет, из-за которого буду бояться глиссировать левой рукой. Аж разрыдаться охота :’-(

Источник

Произведения с глиссандо для фортепиано

Глиссандо (итал. glissando, от франц. glisser — скользить) — особый приём игры, заключающийся в быстром скольжении пальца по струнам или клавишам муз. инструмента. В отличие от portamento, являющегося средством выразит. исполнения, не фиксируемого композитором в нотной записи и часто ошибочно называемого Г., собственно Г. фиксируется в потной записи, представляя неотъемлемую часть нотного текста. В фп. игре Г. достигается скольжением внешней стороны ногтевой фаланги большого или 3-го пальца (обычно правой руки) по белым или чёрным клавишам. В произв. для клавишных инструментов Г. впервые встречается у франц. композитора Ж. Б. Моро в его сб. «Первая книга пьес для клавесина» («Premier livre piиces de clavecin», 1722). Особые технич. трудности представляет исполнение на фп. Г. гаммообразных последовательностей двойных нот (терций, секст, октав) одной рукой (при её твёрдо фиксируемом положении), требующее одновременного скольжения по клавишам двух пальцев (такого рода Г. исполняются и двумя руками).

Относительно легко Г. исполняется на фп. старых конструкций с их более податливой, т.н. венской механикой. Возможно поэтому Г. параллельными секстами применялось уже В. А. Моцартом (вариации «Lison dormant»). Октавные Г. встречаются у Л. Бетховена (концерт до мажор, соната ор. 53), К. М. Вебера («Концертштюк», ор. 79), Г. терциями и квартами — у М. Равеля («Зеркала») и др.

Если на клавишных инструментах с их темперированным строем при помощи Г. извлекается звукоряд с определённой высотой тонов, то на смычковых инструментах, для к-рых характерен свободный строй, посредством Г. извлекается хроматич. последовательность звуков, при к-рой необязательно точное исполнение полутонов (с Г. на смычковых инструментах не следует смешивать аппликатурный приём — исполнение хроматической гаммы скольжением пальца). Поэтому значение Г. при игре на смычковых инструментах гл. обр. в колористич. эффекте. Исполнение Г. нек-рых пассажей на смычковых инструментах, кроме хроматич. звукоряда, возможно лишь при игре флажолетами. Один из ранних примеров Г. на смычковых инструментах — у итал. композитора К. Фарины (в «Необычайном каприччо», «Capriccio stravagante», 1627, для скр. соло), использующего Г. как натуралистич. приём звукоподражания. В классич. музыке для смычковых инструментов Г. почти не встречается (редкий случай Г. восходящей хроматич. последовательности октавами в коде 1-й части концерта для влч. А. Дворжака). Как приём блестящей виртуозной игры Г. широко применялся в произв., написанных скрипачами и виолончелистами романтич. направления (Г. Венявский, А. Вьётан, П. Сарасате, Ф. Серве и др.). Особенно разнообразно используется Г. как тембровая окраска в муз. лит-ре 20 в. для смычковых инструментов и как колористич. прием в оркестровке (С. С. Прокофьев — Скерцо из 1-го концерта для скрипки; К. Шимановский — концерты и пьесы для скрипки; М. Равель — рапсодия «Цыганка» для скрипки; З. Кодай — Г. аккордами в сонате для влч. соло; Г. скрипок и контрабасов в «Испанской рапсодии» Равеля). Один из наиболее характерных примеров Г. влч. содержится во 2-й части сонаты для влч. и фп. Д. Д. Шостаковича. Особый приём составляет Г. флажолетами, напр. виолончелей у Н. А. Римского-Корсакова («Ночь перед рождеством»), В. В. Щербачёва (2-я симфония), Равеля («Дафнис и Хлоя»), альтов и влч. у М. О. Штейнберга («Метаморфозы») и др.

Г. — широко распространённый приём в игре на педальной арфе, где оно получило совершенно особое применение (в сочинениях композиторов 1-й пол. 19 в. часто использовался итал. термин sdrucciolando). Apфовое Г. обычно строится на звуках септаккордов (в т.ч. и уменьшенных; реже на звуках нонаккордов). При игре Г. все струны арфы, с помощью перестройки отд. звуков, дают звучание только тех нот, к-рые входят в данный аккорд. При нисходящем движении Г. на арфе исполняется слегка согнутым первым пальцем, при восходящем — вторым (одной или двумя руками в сходящемся, расходящемся и перекрещивающемся движении рук). Изредка применяется Г. на гаммообразных последовательностях.

Г. применяется при игре на медных дух. инструментах — на тромбоне с помощью движения кулисы (напр., соло тромбона в «Пульчинелле» И. Ф. Стравинского), трубе, на ударных инструментах (напр., Г. педальных литавр в «Музыке для смычковых инструментов, ударных и челесты» Б. Бартока).

Г. широко используется в народной инстр. венг. (стиль вербункош), рум. и молд. музыке, а также в джазе. В нотной записи Г. обычно котируются лишь начальный и конечный звуки пассажа, промежуточные звуки заменяются чертой или волнистой линией.

Источник

Произведения с глиссандо для фортепиано

Приём игры, заключающийся в скольжении по диатонической гамме (для фортепиано) или по хроматической гамме (для струнных инструментов) называют портаменто, глиссандо или slide. Данным приёмом заполняют промежуток между двумя нотами разной высоты. Скольжение может быть как вверх, так и вниз.

Термин «глиссандо» употребляют, в основном, инструменталисты. Термином «портаменто» пользуются вокалисты.

Обозначается портаменто и глиссандо волнистой чертой, соединяющей две ноты:

Портаменто, глиссандо

Рисунок 1. Портаменто, глиссандо

Slide

Этим термином часто называют глиссандо, исполняемое на гитаре. Обозначается прямой линией, соединяющей ноты. В данном случае, скольжение возможно по нескольким струнам одновременно:

Slide

Рисунок 2. Обозначение slide

Помимо определённых нот в начале и в конце slide, возможно опускание либо начальных нот, либо конечных. В этом случае прямая линия остаётся, а крайняя нота (или аккорд) не указывается.

Портаменто

Помимо описанного выше приёма исполнения, термином «портаменто» обозначают глубокое нон легато. Это почти связное исполнение звуков или аккордов (нечто среднее между «>легато и «>стаккато ). Обозначение данного приёма включает в себя обозначения и легато, и стаккато:

Источник

Десять композиций, которые помогут влюбиться в фортепиано

Во-первых. Людвиг Ван Бетховен «К Элизе»

Людвик Ван Бетховен

Михаил Оргиш: Мелодия довольно проста. Но это не та простота, которую может создать любой, только присев за рояль. В классическом мире «К Элизе» можно отнести к сегменту попсы – и чем младше музыкант, тем более она ему нравится. С течением времени профессионал перестаёт «торчать» от простоты, в силу того, что развитие и обучение предполагает освоение всё более сложных форм. Обычному слушателю это уже малопонятно, и он предпочитает просто, красиво, мелодично. Но составляя список десяти выдающихся произведений для фортепиано, невозможно не включить «К Элизе». Пожалуй, самый известный мировой фортепианный хит был написан более 200 лет назад, и с лёгкостью даст фору любым современным трекам любых современных композиторов. И это будет вечно».

Во-вторых. CHOPIN «Waltz Op.64 n.2»

Есть версии, что причиной написания вальса в до-диез минор послужила тоска по родине. Фредерик Шопен уехал из Варшавы в Европу на долгие годы. Другая версия – несчастная любовь: Шопен жил в Париже и любил Жорж Санд – болезненный юноша с рыцарским поведением тосковал по решительной женщине. Шопен умер в 1849 году через два года после написания вальса от болезни легких.

Михаил: «Как говорил великий Рахманинов: «При всём уважении к Листу, Шопен до сих пор остаётся в зените». С такой мыслью можно, конечно, и поспорить – но это говорил гениальный композитор и пианист. Что касается отношений с Жорж Санд, то женщины её бисексуального типа не ценят гения, который перед ними. Они слишком влюблены в себя и в свои чувства, чтобы ещё париться гуманными проблемами (вспомните хотя бы Дали и Галу).

Но парадокс в том, что гений как раз и любит такую женщину, ибо она сама – харизма и секс, в чистом виде.

Она проживает свою жизнь остро и полно, чем вызывает тотальный магнетизм: рядом с ней Шопен оживал, получая иллюзию счастья. А сам по себе гений, подлинный гений, счастливым быть не может: прошивка не та, а обновить нет возможности».

В-третьих. Сергей Рахманинов – «Итальянская полька»

В конце 1906 года композитор с женой уехали во Флоренцию, где в середине мая сняли дачу в Марина-ди-Пиза. К дому часто приходила итальянка с осликом, который вез небольшой орган. Женщина заводила его, раздавалась музыка. Она так понравилась Рахманинову, что тот записал польку, а после переложил для фортепиано (еще позже – для духового оркестра). Отсюда вопрос: почему произведение считают авторским, то есть принадлежащим Рахманинову?

Михаил: «Да, я слышал эту историю. Думаю, что Рахманинов не просто переложил, но и переписал многое из того, что услышал. Не исключено, услышь мы оригинал – его вообще было бы сложно узнать. Композиторское мышление – такая штука, что бывает невозможно проследить, что натолкнуло на создание произведения, настолько может быть всё иначе по сравнению с первоисточником. Исходя из этого, полька – Рахманинова, а не женщины с осликом. Хотя ей огромный респект – оказалась в нужном месте в нужное время».

Переходим к музыке «нью-эйдж»

Это классика с долей современности, и о причинах включения ее в топ лучших произведений пианистов Михаил говорит следующее: «Тут всё просто: эта музыка нашла отклик у публики. Не всем нужны поп-рок-электро-метал-трусы-сиськи-эпатаж-псевдопафос-группы. Классическое искусство, к сожалению, с этим не справляется: слишком сложно для обывателя. Спросите десять случайных человек на улице, кто выиграл последний конкурс Чайковского? Мало кто ответит, если не вообще по нулям. Однако потребность в высоком никуда не делась. Неоклассика – то самое направление к высокому в значительно более доступной обёртке. Безусловно, до академической музыки по её глубине и силе воздействия – как до Пекина на самокате, но опять же – для посвящённых. А обыватель этого Пекина даже и не ощутит – просто пожмёт плечами и скажет пару междометий».

В-четвертых. Yiruma – «River Flows in You»

В 2004 году южно-корейский композитор-пианист Юрима дебютировал на японской сцене. Сольные выступления в японских холлах сделали его одним из самых популярных корейских артистов «нью-эйдж» в Японии.

Михаил: «Я часто слышу от не слишком удачливых академических музыкантов мнение, что неоклассику писать легко и просто, но вот беда – лень. Это заманчивая и удобная позиция, но она неверна. Такими псевдомузыкантами, только чуть менее ленивыми, написаны тонны подобной музыки – и этот факт обрушил интерес к настоящей неоклассике: слушатель, за красивым названием и симпатичной картиночкой, часто стал сталкиваться с абсолютно бездарной музыкой. Пару раз ткнув в том же Вконтакте, Ютубе, или на Саундклауде на такого рода «музыку» – человек разочаровывается и перестаёт искать новые имена в этом сегменте. С другой стороны, благодаря наводнению из отстоя, подлинные имена приобретают ещё большую ценность – например, Людовико Эйнауди, Олафур Арналдс, Юрима, и другие».

В-пятых. Ludovico Einaudi – «Fly»

Итальянца Людовико Эйнауди и его произведение «Fly» 2006 года создания мы можем знать по саундтрекам (почти всем) к фильму «1+1». В целом вся его музыка уходит корнями в поп, рок и фолк.

В-шестых. Jon Schmidt – «All of Me»

Американский пианист признавался, что на него оказали влияние произведения Бетховена. Композиция «All of Me» 2011 года отлична от предыдущих двух большей задорностью и динамизмом, тем не менее, в ней отчетливо прослеживаются фольклорные нотки направления «нью-эйдж».

Михаил: «Да, академический музыкант, зашоренный академическим образованием слабо воспринимает неоклассику – ему она кажется бледной неудачной копией. Ну не торкают его мелодии, построенные на меньшем количестве нот, чем он привык слушать и исполнять. И ничего с этим не сделаешь. И ещё есть чисто психологический фактор, в котором многие академовцы боятся себе признаться – изучив тонны классики, не комильфо получать удовольствие от такого «простенького» стиля. «Я же академический серьёзный музыкант! Работник культуры! Как я могу обращать на это своё внимание»? В принципе, таких людей большинство, и их можно понять. Шагнуть чуть дальше, за свои привычные рамки – удел немногих отважных. И тут такой шаг особенно опасен: нужно отключить от памяти почти все музыкальные разделы мозга, и потом на эту чистую пустыню дозированно пробовать насадить новые оазисы. Полюбив оазисы, мозг вскоре вернёт и джунгли, но теперь это будет полное изобилие всех форм. Процесс долгий и сложный, и даётся единицам».

Музыканты, которые пишут саундтреки для фильмов

В-седьмых. Yann Tiersen – «la valse d’amelie», 2001

Французский композитор-мультиинструменталист Ян Тирсен – создатель официального трека к фильму «Амели». При прослушивании однозначно представляешь Париж, горячий шоколад, художников с мольбертами и Эйфелеву башню.

Михаил: «Ну да, Франция ощущается. Почему? Наверно потому что сильный художник не может не впитывать атмосферу своей жизни, и не писать соответственно бытию. Как-то излишне философски, но так и есть. Тирсен – самый первый композитор, который начал писать просто, красиво и минималистично. Точнее, первый из хорошо раскрученных. К сожалению, на данный момент это удел многих музыкантов-инструменталистов: попал к производству правильного фильма, сделал чёткий саундтрек – всё, ты в обойме. Но фильмов на всех не хватает. Именно Тирсен породил иллюзию, что такую музыку могут писать многие и в большом количестве. Однако он в этом не виноват. Более того, его «Skyline» – один из последних альбомов – написан совершенно не в том стиле, который сделал Тирсена известным. Наверное, он устал от простоты, а писать-работать-то нужно, вот и вьётся его музыкальная душа по неизведанным дорогам».

В-восьмых. Clint Mansell – «Together We Will Live Forever», 2006

Перейдем к Клинту Мэнселу, написавшему саундтрек «Вместе мы будем жить вечно» к фильму «Фонтан» Даррена Аронофски. Даже абстрагируясь от самого фильма, сама композиция несет ощущение неминуемости смерти. Экзистенциализм в чистом виде.

Михаил: «Режиссёр Аронофски почти все свои фильмы отдаёт на саундтрек Манселлу – и это не удивительно, они очень хорошо понимают, чего друг от друга хотеть и ждать. По итогу получается тот самый катарсис, который и нужен зрителю. Прекрасная команда! Касательно эмоций, вызываемых треком – не знаю как насчёт смерти, но эта музыка отражает неминуемость жизни, во всей её неоднозначности. Все наши привычно-говоримые банальности о тьме и свете, добре и зле, чёрно-белых полосах трансформируются здесь в философскую созерцательность неразгаданной тайны жизни. И эта тайна скорее, конечно, грустная, так уж сложилось».

В-девятых. Nils Frahm – «Unter 2011»

Что можно сказать о немецком композиторе Нильсе Фраме и его произведении «Unter»? Фрам использует игру на рояле и пианино вместе, недавно представил публике объединенный инструмент весом 100 кг. «Второй аспект примечательности трека Фрама, – добавляет Михаил, – так называемый препарированный рояль, а проще говоря, подготовленный.

Самый простой приём – это засунуть в рояль что-то бумажное, и он уже станет издавать не такие звуки, как обычно. У Нильса Фрама же есть целая прикольная студия с разными финтифлюшками, которые он периодически в рояль засовывает и слушает, что из этого получается».

Михаил: «На самом деле, у Фрама есть один вменяемый альбом – это «Felt». Если смотреть с точки зрения неоклассики. Всё, что до него – очень на любителя. А всё, что после – уже не неоклассика, а электронная эклектика (там, кстати, есть мощные вещи – меломанам обязательно к прослушиванию). Так вот, касательно альбома «Felt»: в треке «Unter», который я выбрал, есть так называемая Вивальдиевская Секвенция, использование которой несёт безотказный эффект на слушателя, независимо от пола, возраста или религиозных стремлений. Кратко проводя ликбез, можно сказать, что половина попсовых песенных хитов, если не 80%, имеют в своей структуре Вивальдиевскую Секвенцию, в том или ином виде: полную, неполную, видоизменённую. Это – от Антонио Вивальди, известного своей нетленкой «Времена Года» – имейте в виду. Не то, чтобы он прямо придумал эту Секвенцию, но он использовал ее настолько часто, что растиражировал приём на века. Самый кассовый приём в мировой музыкальной культуре.

Кстати говоря, Нильс Фрам издаётся на Лондонском Лейбле Erased Tapes Records – пожалуй, единственный крупный лейбл в мире, имеющий реальные доходы от продажи и поддержки нестандартной музыки. Респект. Зайдите послушать – там много интересного!»

Пианист Михаил Оргиш по окончании Консерватории занялся шоу-бизнесом, создав в 2009 году группу «Август» (позже «Лермонт»). После пика популярности группы на горизонте замаячили московские продюсеры, что, однако, не пошло на пользу группе, и она распалась, несмотря на то, что ей пророчили большую славу в нише «Би-2». Сейчас Михаил сочиняет неоклассику – конкурентов в этой нише у Оргиша в Беларуси нет. Записывается на японском лейбле Riccolabel: на альбоме Михаила Оргиша «Again Alone» около 55 минут музыки, сконцентрированных в 13 треков.

В-десятых. Mike Orgish – «Soulf 2015» (Майк Оргиш)

В окончании подборки пристальнее посмотрим в сторону самого Mike Orgish, а также его произведения «Soulf». Да, музыка направлена на универсального слушателя и призвана в доступной форме изложить содержание высокого искусства для неофита. Почему же современной молодежи так трудно воспринимать на слух классику, если слушать ее постоянно?

Михаил: «Я вообще не знаю ни одного человека, который относит себя к молодёжи и постоянно слушает классику. Если, конечно, это не студент Консерватории. Знаю людей, которые постоянно висят в телефоне, постоянно смотрят сериалы, постоянно играют в игры, постоянно выкладывают посты с глуповатыми комментариями – но чтобы постоянно слушать классику… Может, банально прозвучит, но у современного человека жизнь полна моральных забот, проблем и вечного диссонанса между желаемым и достигнутым в жизни. В этих реалиях будет ли человек утруждать себя ещё и прослушиванием сложной для него музыки? Наверняка нет. Если говорить о истоках – первобытном мире, то составляющими первых музыкальных проявлений были голос и удар. Попевки были простые, повторяемые и короткие. Ударные также – ритмичные и чёткие. Вам это напоминает что-нибудь? Именно. Поп масс-маркет 20-го века. Вокал плюс ударные – вот музыкальные истоки. Вертикаль веков именно в этом – в простоте, повторяемости, запоминаемости вокала, и чёткой поддержке остальной пачки. Именно поэтому классика проиграла как приоритетный музыкальный жанр. Первобытное в людях гораздо сильнее любого элитарного.

И последнее. Об одиночестве или «Again Alone» Михаила Оргиша

Одиночество – полезное ощущение, которого мы всё больше боимся. Напрасно. Бег и суета современного мира – иллюзия, а реально львиную долю нашей жизни мы проводим наедине с самими собой. Наверно, одиночество не может быть гипервесёлым. Скорее, это созерцание спокойствия, и музыка способна повлиять на выявления того одиночества, которое свойственно именно вам. А после сделать из этого ощущения своего союзника – дело техники. Оставайтесь наедине с музыкой и закрывайте глаза. Медитируйте. Отпускайте мысли, не бойтесь подумать о чём-то пугающем, страшном, или выходящем за рамки вашей морали – пропустите через себя все, самые дальние волны, не прячьте их. Выйдя на свободу, с ними гораздо легче поговорить, понять, принять, и жить дальше».

Источник