Творчество С.С. Прокофьева (1891-1953). Циклы фортепианных произведений

Творчество композитора и место в развитии музыки ХХ в.. Характеристика фортепианного наследия Прокофьева, его вклад как пианиста. Специфика произведений для фортепиано, циклов «Сарказмы», «Мимолетности», «Сказки старой бабушки», «Музыка для детей».

Рубрика	Музыка
Вид	реферат
Язык	русский
Дата добавления	15.02.2010
Размер файла	64,5 K

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Московский университет культуры и искусств

Кафедра истории России

Творчество С.С. Прокофьева (1891-1953).

Циклы фортепианных произведений

Глава I.

1.1 Творчество композитора и его место в развитии музыки ХХ века

Глава II.

2.1 Характеристика фортепианного творчество Прокофьева

2.2 Прокофьев-пианист

2.3 Произведения для фортепиано. Цикл «Сарказмы» (op.17)

2.4 Цикл «Мимолетности» (ор. 22)

2.5 Цикл «Сказки старой бабушки» (op. 31)

2.6 Цикл «Музыка для детей» (op.65)

“Может ли художник стоять в стороне от жизни. Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец призван служить человеку и народу… Он, прежде всего, обязан быть гражданином в своём искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему…”

В этих словах гениального композитора Сергея Сергеевича Прокофьева раскрывается смысл и значение его творчества, всей его жизни, подчинённой непрерывному дерзанию поискам, завоеванию всё новых высот на пути создания музыки выражающей помыслы народа.

Прокофьев вошёл в историю музыкальной культуры как композитор-новатор, создавший глубоко самобытный стиль, свою систему выразительных средств. Творчеству Прокофьева в высшей степени присущи действенность и активность. В его произведениях преобладает эпическое начало. Яркой индивидуальностью отмечена лирика Прокофьева — вдохновенная, глубокая и вместе с тем внутренне сдержанная, кристально чистая. В процессе развития творчества Прокофьева всё яснее выявлялись его тесные связи с традициями русской музыки (М.П. Мусоргского, А.П. Бородина, Н.А. Римского-Корсакова). Присущая композитору острая наблюдательность сделала его одним из выдающихся мастеров музыкального портрета, сочетающего внешнюю характерность с психологической правдивостью. Это предопределило главную роль сценических жанров в творчестве Прокофьева. Стремясь к сценическому реализму, преодолению статики и др. оперно-балетных условностей, Прокофьев значительно усилил в балете роль пантомимы, в опере отказался от стихотворного либретто, заменив его повсюду свободным прозаическим текстом. Прокофьев существенно обогатил сферу вокальной выразительности в опере за счёт широкого использования декламационности, основанной на гибком претворении речевых интонаций. Для опер Прокофьева характерны жанровая многозначность и многоплановость драматургии. Так, «Война и мир» сочетает в себе черты лирико-психологической драмы и народно-героической эпопеи. Большое место в творческом наследии Прокофьева занимают фортепианные сочинения, в которых своеобразно преломились особенности пианизма Прокофьева: конструктивная ясность формы и фактуры, отчётливость звучания, инструментальная трактовка фортепианного тембра, упругость и энергия ритма. Симфонические (симфонии, увертюры, сюиты) и вокально-симфонические (оратории, кантаты) произведения также в целом отразили характерную для Прокофьева эпическую направленность. Большинству из них присущи объективность, повествовательность тона, драматургия, основанные не на столкновении, а на сопоставлении контрастных образов.

Творчество Прокофьева составило эпоху в мировой музыкальной культуре XX в. Самобытность музыкального мышления, свежесть и своеобразие мелодики, гармонии, ритмики, инструментовки композитора открыли новые пути в музыке и оказали мощное воздействие на творчество многих композиторов.

Глава I.

1.1 Творчество С.С. Прокофьева и его место в истории развития музыки ХХ века

«Самым лучшим памятником какой-либо эпохе

все же является искусство».

Эти слова, сказанные когда-то русским художником Казимиром Малевичем, в полной мере могут быть отнесены к Сергею Сергеевичу Прокофьеву, чье творчество стало величественным памятником XX веку.

Начало XX века, взрывчатое и бурное, время революций и кровавых войн, отозвалось и в напряженной художественной жизни России. Пестрая, сложная, она была накалена спорами; возникали и сменяли друг друга разные творческие объединения, выставки которых поражали мир своими названиями («Ослиный хвост», «0.10», «Бубновый валет», «Голубая роза»), а манифесты декларировали страстную жажду нового. Время социальных переворотов будто взорвало и раскрепостило умы и сердца. Острое восприятие действительности, желание ее постичь чувствовалось в социальных темах творчества художников, в смело ворвавшихся образах язычества и скифства. Казалось, что мир молодых неопримитивистов Ларионова и Гончаровой, космические кристаллические структуры полотен Филонова, поиски «вселенского языка» Хлебникова, горячий голос и рубленый стих Маяковского рушат все привычные каноны.

Сочинения Прокофьева, входящего в мир искусства, отнюдь не потерялись в вихре художественной жизни. По-молодому дерзкие, они поражали и захватывали слушателей в такой же степени, как и окрыленные «Поэма экстаза» и «Прометей» Скрябина, как радостное буйство «Петрушки» и ошеломляющая стихийность «Весны священной» Стравинского. Найденная еще совсем молодым композитором новая звуковая и ритмическая атмосфера соответствовала поискам тех, кто обостренное ощущение времени и бытия хотел выразить через смелое сокрушение академизма в искусстве. Вместе со многими художниками своей эпохи Прокофьев яростно отвергал старое. И только тонкая чуткость к новому, свойственная далеко не всем современникам Прокофьева, но отличавшая, например, Асафьева, Мясковского, больших друзей Сергея Сергеевича, позволила уловить уже в первых произведениях композитора его складывающийся стиль. «Вот сочинения, от которых веет первобытной силой и свежестью. С каким наслаждением и вместе удивлением наталкиваешься на это яркое и здоровое явление в ворохах современной изнеженности, расслабленности и анемичности». «С. Прокофьев, несмотря на свою молодость, — композитор с вполне сложившимся и притом весьма ярким и своеобразным обликом. Облик этот суров и даже несколько жесток, но это не холодно — неизменная жесткость камня, а вечно живая, обжигающая упруго-могучая сила вихря». Так писал Мясковский в 1912— 1913 годах о ранних сочинениях Прокофьева. «Ни в какие рамки не вогнать пока творчество Прокофьева и никакой мерой не измерить — все будет насилием, потому что творчество его в будущем и судить его надо по его же законам». Эти слова Асафьева 1914 года оказались пророческими, так как искусство Прокофьева сразу было устремлено вперед, в наше время. Сегодня с уверенностью можно сказать, что сочинения Прокофьева даже на фоне сложнейшей современной звуковой палитры остаются столь же свежими, увлекающими и захватывающими слушателей.

Представить себе Сергея Сергеевича Прокофьева как человека и художника нам помогают не только его искусство, но и его собственные записки, высказывания, переписка с друзьями, воспоминания современников.

Будучи еще ребенком, Прокофьев поражал всех самостоятельностью мышления, необыкновенной целеустремленностью, смелостью суждений. Верный своей позиции, он откровенно смеялся над теми, кто предлагал надеть на молодого автора смирительную рубашку. «. Я люблю быть в движении», — говорил композитор. И этот динамизм натуры, творческое горение души, редкий оптимизм сохраняется у Прокофьева до последних дней жизни, определяя общий настрой его творчества. Вечная живость, неукротимость в натуре Прокофьева сочетались с глубочайшей человечностью, верой в добро, сердечностью, умением ценить людей и дружбу. Нежность души Прокофьева, заслоненная в его первых опусах «варваризмами», звуковой эффектностью, гротескной заостренностью, со временем все больше и больше проявляла себя в щедрости лирического начала его произведений. Прокофьев всегда удивительно чувствовал бурную, меняющуюся действительность. И как художник-гуманист, сын своей Родины, он никогда не был в стороне от нее. «Я придерживаюсь того убеждения, что композитор, как и поэт, ваятель, живописец, призван служить человеку и народу. Он должен украшать человеческую жизнь и защищать ее. Он прежде всего обязан быть гражданином в своем искусстве, воспевать человеческую жизнь и вести человека к светлому будущему. Таков, с моей точки зрения, незыблемый кодекс искусства», — писал композитор. Этот кодекс стал основой творчества Прокофьева.

Наследие Прокофьева впечатляет как разнообразием жанров, так и количеством созданных им произведений. Свыше ста тридцати опусов написал композитор за период с 1909 по 1952 год. Редкая творческая продуктивность Прокофьева объясняется не только фанатичным желанием сочинять, но и дисциплинированностью, трудолюбием, воспитанными с детства. В его творчестве представлены практически все музыкальные жанры: опера и балет, инструментальный концерт, симфония, соната и фортепианная пьеса, песня, романс, кантата, театральная и киномузыка, музыка для детей. Удивительна широта творческих интересов Прокофьева, его поразительное умение переключаться с одного сюжета на другой, артистическое вживание в мир великих поэтических творений.

1.2 Жизненный и творческий путь

Сергей Сергеевич Прокофьев родился 23 апреля 1891 года в Сонцовке Екатеринославской губернии (теперь село Красное Красноармейского района Донецкой области). Отец его — Сергей Алексеевич — был учёным агрономом, управляющим в имении помещика Сонцова. От него передалась сыну любовь к природе. Среди детских рукописей Серёжи Прокофьева сохранилась тетрадка, в которой мальчик отмечал, когда какие цветы расцветают в Сонцовке.

Музыку он слышал в доме с самого рождения. Мать Мария Григорьевна играла сонаты Бетховена, мазурки и ноктюрны Шопена, пьесы Чайковского. В пять с лишним лет Серёжа уже сочинил фортепианную пьеску под названием «Индийский галоп». Вскоре появились и другие сочинения.

Мальчику было девять лет, когда его привезли в Москву и он впервые попал в оперный театр. Вернувшись в Сонцовку, он начал писать оперу «Великан» на собственный сюжет.

Образованием Серёжи вначале занимались его родители, которые были просвещёнными, интеллигентными людьми, умными и строгими воспитателями. Они приучили его к сосредоточенному и систематическому труду. Отец приучил сына русскому языку, арифметике, географии, истории, ботанике. Мать — Иностранным языкам (с детства Сергей Сергеевич знал два языка — французский и немецкий, позже английский). Мария Григорьевна была и его первой учительницей музыки. Увидев успехи сына, она решила показать его какому-нибудь крупному музыканту.

Зимой 1902 года его привезли в Москву к Сергею Ивановичу Танееву — выдающемуся композитору, профессору Московской консерватории. Отметив дарование мальчика, Танеев посоветовал начать с ним серьёзные занятия гармонией и систематическое ознакомление с музыкальной литературой. По рекомендации Танеева в Сонцовку на лето прибыл молодой музыкант, окончивший Московскую консерваторию с золотой медалью. Это был Рейнгольд Морицевич Глиэр, впоследствии известный советский композитор, автор балетов «Красный мак», «Медный всадник», концерта для голоса с оркестром и других сочинений.

Живые, интересные занятия с Глиэром оказались благотворное влияние на развитие таланта Прокофьева. Под руководством учителя он стал вскоре писать симфонию и оперу «Пир во время чумы» по Пушкину. Глиэра поразило в его ученике удивительное сочетание взрослого профессионально-серьёзного отношения к музыке, самостоятельности суждений и — совершенно детских черт. Так, на пюпитре у двенадцатилетнего Серёжи Прокофьева, сочинявшего оперу или симфонию, стояла резиновая кукла по имени Господин, которая должна была слушать новое сочинение.

Сильнейшим увлечением будущего автора прославленных опер и балетов был театр. Со своими друзьями — сонцовскими мальчиками и девочками — он постоянно придумывал и разыгрывал представления, на которых присутствовали обитатели дома в Сонцовке.

Уже в детстве Прокофьев обнаружил редкую наблюдательность и разнообразие интересов (литература, театр, шахматы). Любопытно его мальчишеское увлечение железной дорогой, быстрым и точным движением. Одним из удивительных свойств творчества взрослого композитора Прокофьева станет стремительность, динамичность, через которую он передаст своё новое ощущение жизни, её молодости, её движения.

В 1904 году, по совету Глазунова, светловолосый тринадцатилетний мальчик пришёл на экзамены в Петербургскую консерваторию. Экзамен вёл Н.А. Римский-Корсаков. «Это мне нравится!» — весело воскликнул он, увидев Прокофьева, сгибавшегося под тяжестью двух папок, где были сложены его сочинения (четыре оперы, две сонаты, симфония и довольно много фортепианных пьес). Приёмная комиссия (в её состав входили А.К. Глазунов и Н.А. Римский-Корсаков) была восхищена абсолютным слухом и умением читать с листа.

Серёжу приняли, и жизнь его круто изменилась. Вместо вольного степного простого украинского села Сонцовки, в котором он родился и провёл детство, хмурый Петербург, где предстояло серьёзно и долго учиться.

Прокофьев учился в консерватории у замечательных русских музыкантов: Анатолия Константиновича Лядова (гармония, контрапункт), Николая Андреевича Римского-Корсакова (инструментовка).

В консерваторские годы обогатилась и развились его музыкальные вкусы. К любимым с детства Бетховену и Чайковскому прибавились Григ, Вагнер, Римский-Корсаков, Скрябин, Рахманинов. Он познакомился с сочинениями современных западноевропейских композиторов — Р. Штрауса, Дебюсси.

Интерес к изучению классической и современной музыки, а также к творчеству друг друга сблизил Прокофьев с Николаем Яковлевичем Мясковским. Дружба, начавшаяся в годы их совместного учения в Петербургской консерватории, продолжалась в течение всей жизни.

Прошло несколько лет. Музыкальные сочинения Прокофьева поражали слушателей, вызывали жаркие споры. Всё, что он написал, было новым по манере и по содержанию — молодым, задорным, смелым.

Окончив в 1904 году консерваторию, Прокофьев много лет выступал как пианист во Франции, Испании, Англии, Америке, Японии, на Кубе и во многих европейских странах. Повсюду композитор играл свои сочинения, а его новые оперы и балеты исполнялись в разных городах мира. Так, в1921 году в Чикаго состоялась премьера весёлой, блестящей оперы Прокофьева «Любовь к трём апельсинам» (по сказке итальянского писателя Карло Гоцци). В том же году композитор закончил третий концерт для фортепиано. Самые лучшие сочинения Прокофьева тех лет были посвящены Родине. Русские мелодии звучат в пьесах для фортепиано «Сказки старой бабушки», в которых оживают воспоминания детства и герои народных сказок. Тоска по Родине становилась всё острее. «В ушах моих должна звучать русская речь, я должен говорить с людьми моей плоти и крови, чтобы они вернули мне то, чего мне здесь недостаёт: свои песни, мои песни», — писал Прокофьев.

В середине 20-х годов Прокофьев с огромной радостью откликнулся на предложение С.П. Дягилева написать балет на тему о строительстве новой жизни в России. Сюжет балета, названного «Стальной скок», оказался наивным, «индустриальным». «Прокофьев путешествует по нашим странам, но отказывается мыслить по-нашему», писали зарубежные газеты о премьере балета, поставленного в Париже и Лондоне в 1927 году.

За границей Прокофьев встречался со многими выдающимися деятелями искусства (композиторами Равелем, Стравинским, Рахманиновым, дирижёрами Стоковским и Тосканини, киноартистом Чарли Чаплином и многими другими). Но атмосфера лихорадочной художественной жизни Парижа 20-х годов не удовлетворяла его. «Я должен вернуться. Я должен снова вжиться в атмосферу родной земли. В ушах должна звучать русская речь. Здесь я лишаюсь сил».

И, наконец, — он снова дома. Прокофьев вновь встречается со своими друзьями Мясковским и Асафьевым. Начинает работать вместе с советскими режиссёрами, балетмейстерами, писателями. Его увлекают задача воплощения высоких идей, человечности, возможность обращения не к узкому кругу «ценителей», а к огромным массам народа.

Композитор много и увлечённо работает, создавая одно прекрасное произведение за другим. Они различны по темам, времени действия, характерами героев. Но во всех них есть нечто общее. Всюду композитор сталкивает лицом к лицу светлые образы и образы жестокости и насилия. И всегда утверждает победу высоких человеческих идеалов. Смелость, присущая Прокофьеву-композитору, поражает во всех этих сочинениях.

В 1935 году создан балет «Ромео и Джульетта» (по трагедии Шекспира). Герои его отстаивают свою любовь в борьбе с кровавыми средневековыми предрассудками, повелевающими им ненавидеть друг друга. Трагическая смерть Ромео и Джульетты заставляет примириться враждующие издавна семьи Монтекки и Капулетти.

До Прокофьева крупные музыканты, писавшие балетную музыку, не решались обращаться к шекспировским трагедиям, считая, что они слишком сложны для балета. А Прокофьев создал произведение, проникнутое духом Шекспира. Поэтичная, глубокая, содержащая реалистические, психологически точные портреты действующих лиц «Ромео и Джульетты» дала возможность балетмейстеру Л. Лавровскому и оставить балет, который приобрёл мировую славу (премьера балета состоялась в 1940 году в Ленинградском государственном академическом театре оперы и балета имени С.М. Кирова).

Прокофьев пишет музыку не только для театра, но и для кино. Например, Александр Невский (1938 год). Вместе с кинорежиссёром Сергеем Эйзенштейном Прокофьев воспевает благородный патриотический подвиг дружины Александра Невского, защищавшей родную землю от тевтонских завоевателей. Сюжет исторический, но музыка звучит современно, словно предвосхищая острый драматизм и победный исход битвы советского народа с фашизмом.

В 1939 году написана опера «Семён Котко» (по повести В. Катаева «Я сын трудового народа»). Действие её происходит на Украине в 1918 году. Музыка Прокофьева с удивительной правдивостью рисует образы крестьян, солдат, большевиков, борющихся за установления Советской власти на Украине.

В своих произведениях советского периода композитор особенно стремился к ясности, доступности, простоте.

Специально для детей, на собственный текст, Прокофьев сочинил симфоническую сказку «Петя и Волк». Каждый персонаж здесь обрисован мелодией, исполняемой определённым инструментом оркестром или группой инструментов: Птичка — флейтой, Утка — гобоем, Волк — валторнами, а Петя — целой группой струнных инструментов.

Удивительна работоспособность Прокофьева. Он писал фантастически быстро и мог работать сразу над несколькими сочинениями. Выступал с исполнением своей музыки как пианист и дирижёр. Участвовал в работе Союза композиторов. Интересовался литературой. В конце 30-х годов начал писать живую и остроумную «Автобиографию». Был отличным шахматистом. С увлечением водил автомобиль. Любил танцевать, быть среди людей.

Главной работой композитора в годы Великой Отечественной войны была грандиозная патриотическая опера «Война и мир». Прокофьев и раньше задумывался над тем, чтобы воплотить в музыке образ великого произведения Льва Толстого. В дни войны с фашизмом этот замысел получил осуществление. Вновь поставил перед собой композитор задачу редкой сложности. Из огромного литературного произведения нужно было отобразить самые важные сцены. В оперу вошли, с одной стороны, тонкие психологические «мирные» сцены, в которых участвуют Наташа Ростова, Соня, князь Андрей, Пьер Безухов; с другой — монументальные картины, рисующие борьбу народа с наполеоновскими захватчиками. Опера получилась необычной по жанру. В ней сочетаются лирико-психологическая драма и национальная эпопея. Новаторская по музыке и по композиции, опера развивает вместе с тем традиции русских классиков — Мусоргского и Бородина. С Мусоргским Прокофьева сближает особое внимание к психологической характеристике героев, раскрываемой через правдивую вокальную интонацию. Интересно, что опера «Война и мир» написана не на условный стихотворный текст либретто, а подлинный текст романа. Прокофьеву важна была сама интонация толстовской речи, которую он сумел передать в музыке. И это придаёт особенную достоверность вокальным партиям героев оперы.

«Война и мир» — любимое сочинение Прокофьева. Он совершенствовал его до конца своей жизни.

В победном 1945 году увидели свет три значительных произведения композитора:

Пятая симфония, посвящённая «величию человеческого духа»;

Первая серия кинофильма «Иван Грозный» — новая совместная работа с Сергеем Эйзенштейном;

Светлый сказочный балет «Золушка». Этот спектакль, поставленный осенью, был первой послевоенной премьерой в Большом театре.

В последующие годы появилось ещё несколько новых работ. Среди них: опера «Повесть о настоящем человеке» (по одноимённой книге Б. Полевого), прославляющая мужество советских людей в годы войны; балет «Сказ о каменном цветке» (по П. Бажову) — о радости творчества, обращённого к народу; оратория «На страже мира» (на слова С. Маршака); концерт-симфония для виолончели с оркестром.

Снова Прокофьев пишет для детей. Сюита «Зимний костёр» для чтецов, хора мальчиков и симфонического оркестра (на слова С. Маршака) посвящена советским пионерам. Седьмая симфония была задумана вначале как симфония специально для детей, но в процессе работы приобрела более широкое значение — мудрой симфонической сказки, утверждающей красоту и радость жизни. Это последнее законченное произведение Прокофьева.

В конце 40-х — начале 50-х годов Прокофьев тяжело заболел. Чтобы сохранить силы для творчества, ему пришлось отказаться от многого, и в том числе от посещения театров и концертов. Самое трудное время наступало для него тогда, когда врачи запрещали ему сочинять музыку или разрешали работать не более 20 минут в день.

Большую часть времени в эти годы Прокофьев проводил на своей даче на Николиной горе на берегу Москвы-реки. Он очень любил эти места, совершал далёкие прогулки (если позволяло здоровье). Сюда приезжали к нему музыканты — почитатели и исполнители его музыки: композитор Д. Кабалевский, пианист С. Рихтер и другие. Некоторые из них написали впоследствии интереснейшие воспоминания о великом композиторе. Умер С.С. Прокофьев в Москве 5 марта 1953 года. И даже в день смерти он работал. Вечером Сергея Сергеевича не стало, оборвалась жизнь человека, ещё полного творческих планов, страстно желающего жить и работать.

2.1 ХАРАКТЕРИСТИКА ФОРТЕПИАННОГО ТВОРЧЕСТВА С.С. ПРОКОФЬЕВА

Фортепианные жанры в творчестве Прокофьева занимают такое же место, как опера, балет или симфония. Своеобразный стиль фортепианных произведений композитора отразил не только характер его творческого мышления, но и черт самобытного пианизма. Известно, что Прокофьев был выдающимся пианистом-виртуозом, исполнявшим, как и Скрябин, преимущественно свои произведения. Об особенностях Прокофьева-пианиста точно написал Г. Нейгауз.

Жанровый спектр фортепианной музыки Прокофьева предельно разнообразен: от небольших миниатюр, циклов миниатюр до масштабных сонат и концертов, приближающихся к симфониям.

Новизна фортепианной музыки Прокофьева неотделима от претворенных в ней разнообразных стилей — классицизма, романтизма и конструктивизма. Так, Прокофьев использует некоторые традиционные для классической и доклассической эпохи жанры — менуэт, гавот, токкату. Классична структура частей в его фортепианных сонатах, по-классицистски лаконично изложение тем. В фортепианной фактуре нередко воплощены элементы стиля Д. Скарлатти, Гайдна, раннего Бетховена (перебросы через руку, подчеркнутое двухголосное движение). В то же время в прокофьевских Adagio немало общего с романтической фортепианной музыкой, требующей выразительного кантиленного „пения» на рояле. В скерцозных эпизодах Прокофьев широко разрабатывает технику скачков, также продолжая традиции романтиков. В своей музыке Прокофьев акцентирует и приметы пианизма и конструктивистского стиля, свойственные XX веку: подчеркнутое токкатное и ударное звучание, суховатость, акцентность, максимальное раздвижение динамических рамок (например, в Шестой сонате композитор использовал прием игры кулаком для передачи предельного напряжения), строгая экономия средств. В умении взять элементы из творческого багажа предшествующих эпох, переплавить их и создать новое кроется своеобразие музыки Прокофьева — стиля, в котором соединились черты классицистского конструктивизма, пылкость, лиризм, непредсказуемость романтиков и дикие «варваризмы» нового века.

В фортепианных миниатюрах, сонатах, концертах проявляются многие типологические качества мышления Прокофьева. Одно из них — беспредельная творческая фантазия, определяющая оригинальность замысла в каждом отдельном произведении, даже принадлежащем к одному жанру. Неповторимы структуры концертов и сонат, разнообразны построение миниатюр, фактура, неисчерпаема мелодическая, гармоническая, ритмическая изобретательность.

В отклике на исполнение ранних пьес Прокофьева (ор. 12) Асафьев назвал композитора «творцом звуковых радостей». И в дальнейшем все созданное Прокофьевым содержит радостные, неожиданные откровения.

Фортепианное творчество Прокофьева разнообразно по жанру (фортепианные циклы, миниатюры, транскрипции балетных сочинений, концертные сонаты). Прокофьев по праву считается представителем антиромантичнской традиции первой половины XX века наряду со Стравинским, Бартоком, Хиндемитом.

Преодоление романтической трактовки фортепиано происходит из-за нескольких факторов:

· отказ от чувственной трактовки звучания (сухое, жесткое, стеклянное). Особая роль акцентности, стиль non legato;

· неперегруженность звучания: минимум фактурных пластов, её линеарность. Частое использование крайних регистров. Нет ощущения полноты;

· ударная трактовка фортепиано. Прокофьев продолжает традиции раннеклассического искусства Скарлатти, Гайдна, французских клависинистов, клавирного классицизма Дебюсси, а в русской традиции Мусоргского.

Несмотря на преобладание антиромантических традиций, в фортепианном стиле Прокофьева есть черты и романтической фортепианной музыки. Это справедливо особенно в отношении моментов кантиленных тем. Обычно фортепианное творчество Прокофьева делят на три периода:

1) Ранний. До отъезда за границу (1908 — 1918 гг.). В этот период написано четыре сонаты, два концерта, этюды (соч. 2), пьесы (соч. 3,4), Токката (соч. 11), Сарказмы (соч. 17), Мимолётности (соч. 22);

2) Зарубежный (1918 — 1933 гг.). В творчестве происходит углубление лирической сферы. Написано 3-й, 4-й, 5-й концерты, 5-я соната, «Сказки» (соч. 31), четыре пьесы (соч. 32);

3) Советский (середина 1930-х гг.). По словам самого Прокофьева в этот период творчества происходит «переход к новой простоте». Написано «Детская музыка» (соч. 65), транскрипции, сонаты 6-9.

2.2 Прокофьев-пианист

С.С. Прокофьеву повезло с самого раннего детства, — дарование обнаружилось рано: «. Когда мать ждала моего появления на свет, она играла по шести часов в день: будущий человечишка формировался под музыку», — писал Сергей Сергеевич. Художественный такт, прозорливость, осмысленность в занятиях с маленьким Сережей, проявленные матерью — неплохой пианисткой, — поразительны. Если бы ее заветы могли стать подспорьем для советской педагогики на ранней стадии обучения! Вот строчки из прокофьевской «Автобиографии»: «Занятия на рояле мать начинала с упражнений Ганона и этюдов Черни. тут я и старался примоститься к клавиатуре. Мать, занятая экзерсисами в среднем регистре, иной раз отводила в мое пользование две верхние октавы, по которым я выстукивал свои детские эксперименты. Вскоре «дитя» стало подсаживаться самостоятельно, пытаясь что-то подобрать. К моему музыкальному развитию мать относилась с большим вниманием и осторожностью. Главное — поддержать в ребенке интерес к музыке и, сохрани бог, не оттолкнуть его скучной зубрежкой. Отсюда: на упражнения как можно меньше времени и как можно больше на знакомство с литературой. Мать переводила меня на другую и третью пьесу. количество музыки, которое проходило сквозь меня, было огромно».

Отобранные для знакомства пьесы совместно обсуждались, и, таким образом, в мальчике рано развилась способность к самостоятельному мышлению, так же как склонность к импровизации. При гостях он охотно импровизировал, причем безудержная фантазия не давала ему закончить пьесу. И только вмешательство отца или матери освобождало присутствующих от «долгоиграющего» юного артиста.

Молодому Прокофьеву и дальше везло с педагогами. Создается впечатление, что каждый из них появлялся на его пути в свой час. Если говорить о развитии пианиста, то после творческих свобод, предоставленных матерью, в лице педагога консерватории А. А. Винклера Сергей Сергеевич столкнулся с прямо противоположной методикой, благодаря которой он заметно преуспел в фортепианной технике. Для начала учитель посадил ученика на «пост» двухнедельных упражнений. «Наконец-то на меня наложили узду: до сих пор я играл все что угодно, но все в достаточной мере небрежно и пальцы держал прямо, как палки; Винклер потребовал, чтобы я играл аккуратней, пальцы держал округло и ставил с точностью» («Автобиография»).

Когда Прокофьев почувствовал, что перерос педагога, он под напором со стороны друзей, особенно Мясковского, перешел от Винклера в класс известной пианистки А.Н. Есиповой, считавшейся лучшим профессором консерватории. Общение с мировой знаменитостью, да еще у такого восприимчивого ученика, даром не прошло. Возрос артистический масштаб, развилась художественная индивидуальность.

Отличаясь редкой целеустремленностью, молодой Прокофьев поставил себе целью окончить фортепианное отделение с отличием и завоевать премию имени А.Г. Рубинштейна. Любопытна программа, которую он выбрал вполне самостоятельно. Вместо традиционных фуг из «Хорошо темперированного клавира» И.С. Баха он выучил трудную фугу из баховского «Искусства фуги». Вместо классического концерта поставил свой Первый концерт. Завершала программу фантазия «Тангейзер» Вагнера — Листа, продемонстрировавшая феноменальную виртуозность молодого музыканта. Сам Прокофьев назвал выпускной экзамен «боем роялей».

Консерваторская профессура раскололась на две резко противоположные партии — «за» и «против» Прокофьева. Красноречив был отзыв директора консерватории А.К. Глазунова: «Самобытный виртуоз нового типа с своеобразной техникой, желающий извлечь из современного фортепиано непосильные эффекты, часто в ущерб красоте звучности. Утомительная аффектация, не всегда искренняя». При этом Глазунов поставил высший балл — пять с плюсом.

В результате бурного обсуждения Первая премия имени А.Г. Рубинштейна (рояль фабрики Шредер) была присуждена Прокофьеву. Он победил. Теперь ему предстояло покорить публику.

Уже в течение следующего года имя Прокофьева все чаще фигурирует в программах петроградских концертов. Примечательно его выступление с собственным Вторым концертом на симфоническом собрании Русского музыкального общества (дирижировал Николай Малько). Сам факт приглашения в цитадель музыкального академизма опасного «бунтаря», ниспровергателя всех канонов, свидетельствовал о том, что не считаться с появлением выдающегося таланта было уже нельзя.

«Говору и толков — масса! — комментировал реакции на выступление Прокофьева его друг Б.В. Асафьев. — Кто «за», кто «против», но все чувствуют, что идет сила и талант, а кому не любо — убирайся. Педанты. вопят изрядно и упорно не желают взять на себя труда просто внимательно, без предвзятости послушать, а только ругаются».

Слава молодого Прокофьева была завоевана, прежде всего, пьесами для фортепиано в его собственном исполнении. Этот инструмент он облюбовал с детства и всю жизнь использовал его для утверждения своих новаторских идей. Уверенно, даже демонстративно отказываясь от изысканно-утонченной манеры своих предшественников — Скрябина и Дебюсси, Прокофьев часто использовал фортепиано для своих трибунных, «ораторских» выступлений. Недаром недоброжелатели юного музыканта издевательски обвиняли его в «маяковничаньи». Эта ссылка на Маяковского сближает эпатирующие тенденции в его пианизме с сенсационными выступлениями русских «кубо-футуристов».

Мнения о Прокофьеве резко разделились и тогда, когда он с командировкой Наркомпроса, подписанной А. В. Луначарским, выехал за рубеж. Стремясь добиться признания в музыкальном мире Запада, он предпринимает бесчисленные поездки, курсируя между Европой и Америкой. Как в калейдоскопе, меняются города и страны: Чикаго, Париж, Берлин, Лондон, Нью-Йорк, Канада, Бельгия, Испания, Италия. Более всего желая играть собственные сочинения, Прокофьев, однако, вынужден по настоянию менеджеров включать в программу давно известные и привычные слуху публики чужие опусы. И все-таки рецензенты либо нещадно шельмуют его искусство, либо превозносят юного ниспровергателя основ до небес. Характерны заголовки статей: «Пианист-титан», «Русских хаос в музыке», «Карнавал какофонии», «Безбожная Россия», «Большевизм в искусстве» и т. п.

Прокофьевскую игру характеризовали как «атаку мамонтов на азиатском плато», о его пианизме писали как о механической игре, лишенной оттенков: «Стальные пальцы, стальные запястья, стальные бицепсы, стальные трицепсы. Это звуковой стальной трест». После такой аттестации негр-лифтер в отеле предупредительно потрогал мускулы пианиста, приняв его за знаменитого силача. Очевидно, такое восприятие личности молодого музыканта было поверхностным и слишком односторонним. А вообще был ли Прокофьев-пианист склонен к механистическому звукоизвлечению, стальным кричащим ударам? Или это легенда, созданная недальновидными самоуверенными критиками? Он был слишком музыкален, чуток к фразе, к построению цельного художественного образа. Все это не давало никаких основания для репутации самодовлеющего разрушителя. Так, может быть, скорее прав в суждениях об исполнительских особенностях Сергея Сергеевича его французский друг Серж Морё, который считал, что Прокофьев был «прирожденным пианистом, и все, кто помнит мощное звучание его нервных выступлений, подкрепляющееся безошибочно уверенной техникой, могут понять, почему его называли «Паганини рояля». Французский композитор Франсис Пуленк отмечал мощную и гибкую руку Прокофьева-пианиста, лишь незначительным касанием клавиш способного добиваться звучности необычайной силы и интенсивности.

Вот другой отзыв, композитора Д.Б. Кабалевского: «Все, что он играл, было проникнуто полнокровием, физическим и душевным здоровьем, все было красочно, оригинально, но нигде ни в чем никакого преувеличения, никакой резкости, тем более грубости. Никакого «скифства». И главное — все было овеяно искренним, поэтическим чувством, живой человечностью. »

Сейчас, когда слушаешь грампластинки с драгоценными записями Прокофьева-пианиста, впечатления Кабалевского оказываются очень созвучными. Что бы ни играл Сергей Сергеевич — свою ли музыку или же Скрябина, Рахманинова, Мусоргского, его исполнение отличает звуковая бережность, но не расплывчатость; одухотворенность лирики, но без чувствительности; идеальное чувство ритма, при весьма свободных и пикантных rubato, изящная танцевальность, острая характерность, но ни грана «выколачивания»; широкая динамическая шкала без сильных forte; склонность к непринужденной смене темпо-ритмов (черта театрального художника) без разбивки пьесы на куски и т. п. Прокофьев-пианист прекрасно чувствует тембр, волшебно превращая тот или иной регистр фортепиано в специфическую оркестровую звучность. И как бы ни была сложна фактура, слышны, осмыслены каждая нота, линия — это тоже выдает слух композитора, мыслящего партитурным многоголосием.

Да, «Паганини фортепиано». И все же он, видимо, всегда предпочитал творчество исполнительству. И каждое столкновение с прекрасной «чужой» музыкой почти неизменно давало толчок к созданию собственного сочинения. Совсем еще юный Прокофьев переживает период влюбленности в Шумана: «За Токкату Шумана я взялся охотно. Техника. представляла много приятностей для пальцев и привела меня постепенно к сочинению собственной Токкаты, которая хотя своими хроматизмами и не доросла до шумановских диатонизмов, все же имела постоянный успех у публики».

По свидетельству первой жены композитора, пианистическая карьера Прокофьева, отнимавшая массу времени, в начале пути была необходима, причем не только по материальным соображениям. Ему представлялась возможность наилучшим образом пропагандировать собственную музыку. Постепенно сочинения Прокофьева начали исполнять известные артисты, и тогда он стал сокращать свою пианистическую деятельность, доведя ее до минимума, а затем и вовсе прекратил. Желание освоить его музыку Сергей Сергеевич всегда встречал очень охотно и доброжелательно, объясняя, как ее надо исполнять. Любопытный пример — советы музыканту-любителю, большому другу композитора, ветеринарному врачу В. Моролеву, «запутавшемуся» в пьесах op. 3: «Шутку» надо играть безумно легко, шаловливо и пикантно; вся пьеса должна пропорхнуть моментально. Тогда она хороша. «Марш» надо играть с ритмом и блеском. «Призрак» исполняется быстро, мрачно и туманно. Это какие-то неясные контуры фигур в темноте, только в середине какой-то ослепительный луч пронзает темноту, но затем все исчезает так же быстро и тревожно, как и появилось». После подобных ярко образных «назиданий», кажется, всякому захочется попробовать и получится.

Место исполнительства в многоцветной палитре прокофьевского творчества наиболее убедительно выразил известный пианист и педагог Генрих Густавович Нейгауз: «Особенности Прокофьева-пианиста настолько обусловлены особенностями Прокофьева-композитора, что почти невозможно говорить о них вне связи с его фортепианным творчеством. Игру его характеризуют. мужественность, уверенность, несокрушимая воля, железный ритм, огромная сила звука. особенная «эпичность», тщательно избегающая всего слишком утонченного или интимного. Но при этом удивительное умение полностью донести до слушателя лирику. грусть, раздумье, какую-то особенную человеческую теплоту, чувство природы — все то, чем так богаты его произведения. ».

Ярко образная манера игры, умение доносить свой замысел до слушателя вызывали у аудитории подчас ответную реакцию энтузиазма. А если слушатель был художником, то он мог откликнуться и своим творчеством. Так, известный график, друг Маяковского Александр Родченко оставил серию рисунков к циклу из двадцати фортепианных пьес «Мимолетности». А поэт К. Бальмонт, вдохновленный Третьим фортепианным концертом Прокофьева в авторском исполнении, написал стихотворение. Бальмонтовский сонет, отмеченный символистскими изысками, небезынтересен как попытка пересказать средствами поэзии услышанную музыку:

Ликующий пожар багряного цветка

Клавиатуру слов играет огоньками,

Чтоб огненными вдруг запрыгать языками.

Расплавленной руды взметенная река.

Прокофьев! Музыка и молодость в расцвете,

В тебе востосковал оркестр о звонком лете,

И в бубен солнца бьет непобедимый скиф.

Музыка Прокофьева живет. И не одно поколение пианистов воспитывается на ней, завоевывает вершины мастерства. Наследуются и его пианистические традиции. Прославились как исполнители произведений Прокофьева Святослав Рихтер, Эмиль Гилельс, Николай Петров, Михаил Плетнев, Евгений Кисин. Мастер уходит, а его творения подвергаются усовершенствованию. Таков закон искусства.

2.3 Произведения для фортепиано. Циклы для фортепиано

Самобытный стиль фортепианных сочинений Прокофьева, с его ударной трактовкой инструмента и преломлением раннеклассицистских фактурных приёмов, сыграл значительную роль в формировании нового пианизма в музыке ХХ века. Музыка Прокофьева, завоевав огромную популярность во всём мире, оказала значительное влияние на творчество многих советских и зарубежных композиторов. Ниже приведён список фортепианных произведений С.С.Прокофьева:

ь «Соната № 1 Фа-минор для фортепиано» — ор.1 (1907—1909)

ь «4 этюда для фортепиано» — ор.2 (1909)

ь «4 пьесы для фортепиано» — ор.3 (1907—1908)

ь «4 пьесы для фортепиано» — ор.4 (1908)

ь «Концерт № 1 Ре-бемоль мажор для фортепиано с оркестром» — ор.10 (1911—1912)

ь «Токката Ре-минор» — ор.11 (1912)

ь «10 пьес для фортепиано» — ор.12 (1906—1913)

ь «Соната № 2 Ре-минор для фортепиано» — ор.14 (1912)

ь «Концерт № 2 Соль минор для фортепиано с оркестром» — ор.16 (1912—1913)

ь «Сарказмы» — ор.17 (1912—1914)

ь «Мимолётности» — ор.22 (1915—1917)

ь «Концерт № 3 До-мажор для фортепиано с оркестром» — ор.26 (1917—1921)

ь «Соната № 3 Ля-минор для фортепиано» — ор.28 (1907—1917)

ь «Соната № 4 До-минор для фортепиано» — ор.29 (1908—1917)

ь «Сказки старой бабушки» — ор.31 (1918)

ь «4 пьесы для фортепиано» — ор.32 (1918)

ь «Соната № 5 До-мажор для фортепиано» — ор.38 (1923)

ь «Дивертисмент» — ор.43b (1938)

ь «6 транскрипций для фортепиано» — ор.52 (1930—1931)

ь «Концерт № 4 (для левой руки) для фортепиано с оркестром» — ор.53(1931)

ь «2 сонатины для фортепиано» — ор.54 (1931—1932)

ь «Концерт № 5 Соль-мажор для фортепиано с оркестром» — ор.55(1931)

ь «3 пьесы для фортепиано» — ор.59 (1933—1934)

ь «Музыка для детей» — ор.65 (1935)

ь «Ромео и Джульетта» — 10 пьес для фортепиано — ор.75 (1937)

ь «Соната № 6 Ля-мажор для фортепиано» — ор.82 (1939—1940)

ь «Соната № 7 Си-бемоль мажор для фортепиано» — ор.83 (1939—1942)

ь «Соната № 8 Си-бемоль мажор для фортепиано» — ор.84 (1939—1944)

ь «3 пьесы для фортепиано» — ор.96 (1941—1942)

ь «Золушка» — 10 пьес для фортепиано — ор.97 (1943)

ь «Золушка» — 6 пьес для фортепиано — ор.102 (1944)

ь «Соната № 9 до мажор для фортепиано» — ор.103 (1939—1944).

В циклах миниатюр, которые Прокофьев охотно создавал больше в раннем периоде творчества, особенно ярко проявляется лаконизм, точность, пластичность образов и тематизма. Для таких циклов характерны ударная трактовка фортепиано, освоение различных фактур, типов моторики, активизация ритмического начала, пластичность тематизма. Образные сферы: широко понимаемая лирика и движение (скерцозное, гротесковое и т. д.).

Цикл пьес был написан в период с 1912 по 1914 г.г. Этот цикл интересен для понимания эволюции его творчества, который находится в центре противоречий, свойственных идейно-творческим исканиям Прокофьева в ранний период. Это наиболее ценный цикл, объединяющийся на основе общности замыслов и круга выразительных средств. Первая пьеса отличается от других сложностью формы — рондообразная с двухчастным вторым эпизодом. В ней господствует моторное, энергичное движение. Моторика главной темы сопоставляется с «диковатой» лирикой второй темы. В пьесе много резких, «дразнящих» эффектов, острых гармоний, акцентов и атональных моментов.

Во второй пьесе присутствует ироническое, «бесовское» начало. Развитие основано на развитии одной и той же темы. Музыка носит атональный характер, хотя в кадансах ощущается тональная определённость (ми мажор — ми минор). По форме пьеса одночастная.

Третья пьеса цикла написана в простой 3-хчастной форме. Внешний рисунок нот даёт нам представление об одновременном использовании двух тональностей — ми минор и фа-диез минор. Пьеса основана на токкатном движении восьмых длительностей. В средней части же возникает «островок» прозрачной, тихой лирики.

Следующая пьеса — № 4, написана в простой 3-хчастной форме. С самого начала присутствует атональность. Диссонирующие квартовые созвучия, синкопирующий ритм придают первой части тревожный оттенок. Первому разделу пьесы контрастирует суровая патетика и грозные, «набатные» звучания среднего эпизода.

Пятая пьеса цикла (простая 3-хчастная форма) основана на противопоставлении двух начал — силы и нерешительности, энергии и хрупкости. Здесь композитор использует, как приём, — тональную неопределённость.

Все пять пьес цикла пронизаны единым настроением — гротескным смехом, порой нарочито бешеным и диким. «Сарказмы» — это злой выпад против утончённости чувств, против «вкусных пряностей» модного импрессионизма.

2.4 «Мимолетности» (ор. 22)

Этот цикл состоит из 20 миниатюр, которые сочинялись не подряд. Сам Прокофьев в „Автобиографии» писал о том, что сначала была сочинена № 5, последней — № 19, а «. порядок в сборнике был установлен из художественных соображений. ». Название цикла фортепианных миниатюр, как подчеркивает композитор, родилось из стихотворения Бальмонта:

В каждой мимолетности вижу я миры,

Полные изменчивой, радужной игры.

Определение „мимолетность» отражает характер замысла. Каждая из nьec предельно лаконична и показывает быстро сменяющиеся настроения, впечатления, картинки.

Пьесы совершенно самостоятельны и обособлены, но в то же время образуют единое целое. Не случайно Прокофьев в «Автобиографии» упоминает о порядке, а Мясковский пишет в статье о «Мимолетностях», что «. чем больше проникаешь в их своеобразие и неисчерпаемое богатство содержания, тем более чувствуешь, что мимолетность таит в себе какую-то неразрывность дневника, рисующего в своей прерывности, быть может с еще большей ясностью, нежели при преднамеренной связанности, единую сущность выявившейся в нем души?».

Будучи своеобразными страницами дневника, «Мимолетности» стали и своего рода «кратким словарем» стиля Прокофьева. Они вобрали в себя основные типы прокофьевских образов, сконцентрировали основные элементы речи.

По жанровому наклонению «Мимолетности» разделяются на три группы, разнообразные и даже контрастные внутри.

Наибольшая группа, которая и приближает цикл к страницам дневника, — лирические мимолетности. В них Прокофьев создает тонкие оттенки лирики и использует многообразные выразительные средства: от простейших песенных до изысканно импрессионистичных. Основу лирических тем и образов в цикле закладывают первые две пьесы.

Мимолетность № 1 основана на двух темах песенного склада:

В мелодии первой подчеркнута простота диатонических интонаций. Но она обладает типичным для прокофьевского стиля свойством: мелодия развивается в широком диапазоне, охватывающем две октавы.

Простота второй темы оборачивается загадочностью и таинственностью: начало с уменьшенного трезвучия, низкий регистр, черты хоральности.

В обеих темах специфичен гармонический строй, образующийся из-за параллельного, ленточного (Ю. Тюлин) движения аккордов, что также присуще стилю Прокофьева. В варьированной репризе в первую тему введен нисходящий хроматический подголосок, который привносит в лирику черты хрупкости, придает теме оттенок сказочного повествования, а с точки зрения гармонической — затеняет общий колорит.

В последующих мимолетностях Прокофьев подчеркнет многие грани лирического высказывания: повествовательного (№7), жанрово-изобразительного (№ 12), лирико-психологического (№ 13, 16), сказочного (№ 17). При этом объединяет все лирические пьесы поэтичность, изящество, психологизм.

Другую область составляют мимолетности скерцозного типа. Градации скерцозных тем широки — от шутливости до иронии и гротеска. В скерцозности Прокофьев подчеркивает момент игры: регистрами, тембрами, акцентами, динамикой. Нередко пьесы представляют собой миниатюрные инструментальные сценки с ярко театральными образами. В них узнаются маски скоморохов, шутников, трогательных кукольных героев, напоминающих Петрушку. Такова мимолетность № 10. Ее характер определен Прокофьевым в ремарке «ridicolosamente», что означает — «смешно». Петрушечный образ в этой мимолетности создается противопоставлением строгого, равномерного движения аккомпанемента и неукладывающегося в точные логические схемы движения мелодии. Она основана на игре двутактами, однотактами, полутактами — на прихотливых структурах. Причудливы как ритмика мимолетности, так и сопоставление гармоний, акцентов, регистров, динамики:

Мир веселой шутки отражен также в № 3. Иногда шутливость сочетается с выразительной, серьезной лирикой, как в № 11, подчас в скерцозности возникает тонкая лирическая жанровость, как в № 6.

Встречаются драматические скерцо — № 19. Об этой миниатюре Прокофьев пишет, что она была создана во время февральской революции, и мимолетность частично отразила его впечатления; «. скорее взволнованность толпы, чем внутреннюю сущность революции».

Ряд мимолетностей соединяет черты скерцо и токкаты. Токкатность приобрела разные выразительные формы. Героико-скифский образ возник в № 14. Показателен и типичен для Прокофьева гармонический язык этой пьесы, в частности использование аккордов нетерцовой структуры:

Беспокойный, тревожный, очень мрачный токкатный образ возник в мимолетности № 15. Она перекликается с трагическими сценами опер, с финалом Седьмой сонаты остинатностью, гармонической жесткостью, остротой хроматических гармоний, динамикой.

По образному строю, стилистике, миниатюризму форм к «Мимолетностям» примыкают «Сказки старой бабушки».

Окончив в 1914 году консерваторию, Прокофьев много лет выступал как пианист во Франции, Испании, Англии, Америке, Японии, на Кубе и во многих европейских странах. Повсюду композитор играл свои сочинения. Самые лучшие сочинения Прокофьева тех лет были посвящены Родине. Русские мелодии звучат и в пьесах для фортепиано «Сказки старой бабушки», в которых оживают воспоминания детства и герои народных сказок. Тоска по Родине становилась всё острее. «В ушах моих должна звучать русская речь, я должен говорить с людьми моей плоти и крови, чтобы они вернули мне то, чего мне здесь недостаёт: свои песни, мои песни», — писал Прокофьев.

Источник