Пять нот от чего

Из чего состоит любая музыка? Пора разобраться

Если ты увлекаешься музыкой или просто любишь слушать треки в смартфоне, будет нелишним узнать о происхождении музыкальных терминов, нот, октав и всего прочего.

Кто придумал ноты

В XI веке в Италии жил монах по имени Гвидо Аретинский. Он занимался с хором мальчиков и учил их церковному пению.

Для помощи своим ученикам Гвидо решил записать высоту звуков на бумаге, дав каждому звуку название, чтобы их можно было читать с листа. Монаха принято считать первым, кто начал использовать современные ноты.

Откуда взялись названия нот

Существующая система наименований появилась благодаря гимну святому Иоанну «Ut queant laxis», который Гвидо использовал для распевки на музыкальных занятиях. Каждая следующая строчка этого произведения начиналась на ступеньку выше.

Первые шесть нот позже были названы как первые слоги каждой строки гимна, седьмую по аналогии добавили позже из следующей строки того же гимна.

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Ioannes

Первый неудобный слог Ut в XVII веке заменили на более мелодичное ДО. Есть мнение, что название ноты произошло от латинского Dominus, что значит – Господь.

Почему всего 7 нот

Изначально количество нот соответствовало количеству строк в гимне. Позже заметили, что между некоторыми нотами можно разместить промежуточные. Сложившуюся систему менять не стали, лишь ввели диезы-бемоли.

Так поучилось 12 нот, которые позволяют воспроизвести каждую мелодию в любой тональности.

Почему в нотном стане 5 линеек

Нотным станом называются пять линеек, на которых располагаются ноты. Иногда используют добавочные линейки для отображения нот выше или ниже используемого стана.

Отцом существующей системы записи нот считается все того же монах Гвидо Аретинский, который придумал запись нот в три линейки нотного стана. Четвертая линейка добавлялась при необходимости то сверху, то снизу.

Позже решили использовать все пять основных линеек, а дополнительные рисовать только при необходимости. Как показала практика, именно пять линеек позволяют комфортно читать записанные ноты и читать их. Меньшее число линеек требует постоянное добавление дополнительных, а большее – делает нотный стан слишком сложным для восприятия.

На чем же лучше слушать музыку? Конечно, на специализированных устройствах, способных раскачать любые наушники. Например, на одном из лучших плееров на рынке – FiiO X5 III.

Судите сами: двойной ЦАП AK4490EN, по одному чипу на канал, поддержка PCM и DSD, частота дискретизации до 768 кГц. Есть все необходимое от Wi-Fi до батареи на 3400 мАч. А еще плеер можно подключать к компьютеру в качестве USB-ЦАП!

Почему ноты так обозначаются

Изначально для записи музыкальных произведений использовались невмы (с латинского – кивок головой). Этими знаками фиксировали лишь направление движения мелодии, а для более точного понимания сверху добавляли высоту и длительность. По невмам исполнить музыкальное произведение мог лишь знакомый с ним человек.

Все тот же монах Гвидо Аретинский начал использовать подобное современному обозначение нот. Изначально он придумал способ записи невмов на нотном стане, а позже в самих невмах пропала необходимость, ведь вся нужная информация отображалась на нанесенных линейках.

Так для записи нот сначала начали использовать заштрихованные квадраты, а позже для удобства и быстроты перешли на овалы и круги.

Почему Италия законодатель всех музыкальных терминов

При объяснении происхождения большинства терминов мы упоминали итальянского монаха Гвидо Аретинский. Именно он ввел в использование большинство терминов, которые применяются в музыке по сегодняшний день.

Неудивительно, что именно Италия признана родиной музыкальных терминов.

Что такое скрипичный ключ

Ключ – это символ, который ставится на определенной линии нотного стана. Центральный элемент ключа указывает расположение на нотном стане высоты ноты.

С зарождением инструментальной музыки в Европе скрипичным ключом обозначали ноты для скрипки (отсюда и название). Сам ключ – символическое изображение скрипки.

Откуда появились символы других ключей

В современной классической пятилинейной нотации используют такие типы ключей: ключ «соль», ключ «фа» и ключ «до». Обозначающие их символы произошли от латинских букв, которыми записывали соответствующей ноты.

Ключ «соль» происходит от латинской буквы G, ключ «фа» произошел от упрощенного обозначения латинской F, а ключ «до» – от латинской C, обозначающей ноту «до».

Настоящее произведение искусства в мире аудиоплееров – FiiO X7 II

За вывод звука отвечает восьмиканальный ЦАП с компенсацией гармонических искажений. Бескомпромиссное звучание обеспечивают три отдельных кристаллических генератора частот. На выходе установлен абсолютно новый усилитель с обычным и балансным выходами.

Сколько всего октав в музыке

Весь диапазон применимых в музыке звуков разбит на 9 октав. Каждая из них имеет свое название. Есть несколько способов отображения принадлежности звуков той или иной октаве. Самые распространенные – нотация Гельмгольца и научная нотация.

Сколько всего тональностей

В музыке принято учитывать 24 тональности. 11 и которых диезные, 11 – бемольные и 2 используют без знаков.

Когда появились первые профессиональные музыканты

Термин «музыка» зародился еще в древней Греции и походил от слова муза. Тогда же и появились первые представители данной профессии, которые зарабатывали на жизнь пением или игрой на музыкальных инструментах.

Вот так, теперь можете удивлять друзей интересными фактами и историями во время совместного прослушивания музыки.

Источник

Загадка пяти нот

Мы часто сталкиваемся с различением понятий «азиатская» и «европейская» музыка. Что под этим подразумевается? Совпадают ли музыкальные и географические границы?

Этим вопросам был посвящен один из вечеров цикла «Корни музыки Азии» музыковеда и певицы Ирэн Аравиной, проходивший в алматинской кофейне «Кофеделия». На таких встречах Ирэн не только затрагивает самые разнообразные аспекты музыкальной истории, но и сопровождает увлекательный рассказ живым исполнением под аккомпанемент музыкантов. Как пояснила певица, она хотела оттолкнуться от понятия азиатская, или восточная музыка, чтобы рассказать о системе пентатонического лада: «В Китае в VII веке до н.э. пентатонику даже возвели в ранг философии. Пять нот соответствовали пяти стихиям и пяти чувствам. Каждая нота имела социальный статус». Развитие музыки повсюду начиналось с пентатоники — будь то Азия, Америка, Африка или Европа. На ее основе до сих пор создается множество шедевров музыкального искусства. Почему наши предки придавали такое значение этому ладу?

От физики к психологии

По словам музыковеда, углубляясь в физику, в раздел акустики, изучающей волновые сокращения звука, обнаруживается, что один звук содержит огромное количество призвуков, обертонов, нередко доходящих до сотни, но они не различаются человеческим слухом. Но наш слух может улавливать первые пять обертонов. На примере фортепьяно мы четко слышим первый обертон — квинту. Пять первых обертонов составляют пентатонику. Это гамма, содержащаяся в одном звуке. Она продиктована самой природой. Каждый звук, любая нота раскладывается на пять обертонов. Этот естественный звук воздействует на психику. Он успокаивает, приводит в равновесие расстроенные чувства. Во время прослушивания такой музыки возникает ощущение покоя и радости. Но, чуть видоизменяя ритм и пульсацию, можно привести душу в деятельное состояние. Примером может служить военная музыка, пробуждающая в воине благородную ярость. На современном примере это можно проиллюстрировать творчеством рок-групп, использующих яростную пентатонику. Песня группы Deep Purple, Smoke over the water, поддерживается четырехдольной пульсацией, битом, в ней подчеркиваются призывные кварты, пробуждающие в слушателях активную энергию. Так, пентатоническая музыка древности могла подвигать на героические поступки.

В современной европейской музыке много примеров и успокоительной пентатоники. Например, блюз. Блюзовый лад и есть пентатоника, но с добавленной позже альтерацией, утверждает Ирэн. Таким образом люди, потерявшие родину и возможность поддерживать связь с ней, насильно привезенные в чужую страну и инициированные другой религией, черпали силы. Из недр афроамериканской культуры возник жанр, который стал великим достижением современной цивилизации.

Антипентатоника

Получается, все есть пентатоника, поскольку все из нее вышло. Как известно, музыка различается, принято даже противопоставлять европейский и азиатский способы музицирования. Уже в древности на основе пентатоники возникает то, что ей противостоит. Это диатоника, которая происходит от пентатоники как более древней формы. Для появления диатоники необходим развитый слух, способный различать мелкие интервалы между звуками, что обусловлено возрастанием общего интеллектуального уровня цивилизации в целом и музицирующей личности в частности. Диатоника заполняет отсутствующие звуки в пентатонике. Появляется диатонический лад из семи звуков. Соответственно, увеличивается количество нот в произведениях — появляется больше выразительности. Если пентатоника — бесконфликтная, то диатоника начинает проявлять соотношение диссонанса между звуками, несовпадение по волновой кратности. Звуки начинают спорить друг с другом. Появляются полутона, диссонансы. Отсюда — напряжение в звучании. Этим и воспользовалась Европа и весь западный мир. Диатоника еще больше усложнилась и была доведена западными музыкантами до хроматизма, полутоновой гаммы, широко применяемой в ХХ веке. Хиндемит, Прокофьев, Шостакович усложняют лады настолько, что появляется огромное количество разновидностей ладов.

Основа мировосприятия

Пентатоника и диатоника — не только разные типы музыки, но и типы мировоззрения. Это настолько широкие и всеобъемлющие понятия, что под них подпадает множество явлений. На примере их различий можно говорить не только о психологических, но и культурно-исторических типах. У людей, воспитанных на диатонической музыке, больший спектр сомнений, эмоций и поиска, поскольку в музыке, которую они слушают, больше конфликтов. Выросшие же на пентатонике азиаты умиротворены и уверены, что все преходяще. По наблюдениям Ирэн, японцы, китайцы, тайцы смотрят и на себя, и на нас как бы со стороны: «У них уравновешенная психика, чтобы стать европейцами, им надо много нервничать. В основе их воспитания лежит как музыкальная, так и философская основа восприятия мироздания, благодаря которой они становятся уверенными в себе, знающими, бесконфликтными».

Царство ритма

Глобализация приводит к распространению универсальных образцов культуры. Говорят даже о вытеснении субкультурных ценностей и замене их на некие универсальные образцы потребления. Например, шествующие по миру голливудские фильмы. Верно ли это в отношении популярной, современной музыки? Она по преимуществу диатоническая или пентатоническая? По словам Ирэн, современная музыка — сплав нескольких культур, но в ней преобладают африканские корни. Африка сильно повлияла на современный музыкальный мир. Возникло правило, его привнес джаз, что самое основополагающее в звучании — ритм. Сегодня король музыки — ритм, а ведущие инструменты — бас и барабаны, уверена музыковед. Таковой музыка стала недавно, до этого в ней преобладали другие идеалы звучания. «Представьте себе симфонию Моцарта или сонату Шопена, там нет ритма, они где нужно замедляются, где нужно ускоряются, — рассказывает Ирэн. — В этой музыке царствуют мелодия и гармония. Очень много сотен лет ни в Европе, ни в Азии ритм не имел такого господства. Теперь Африка указала музыке путь развития, повлияв на рок и поп-культуру». Это диктат современного образа жизни, его эстетические пристрастия. По мнению музыковеда, люди приняли ритмический способ звучания еще и потому, что время беспокойное. В китайских трактатах написано, что в такое время превалирует музыка с громко звучащими цимбалами, с ярко выраженным ритмом. Музыка свидетельствует, что мы живем во времена перемен. Мы не знаем, что будет завтра. Древнекитайские мудрецы говорят о динамике звучания — чем более мирно живет народ, тем спокойнее и тише музыка.

Децибелы на пределе

Другая характерная черта современного звука — громкость. Нередко она доходит до 110 дБ. «Удивительно, как люди остаются живы. Я сама работаю на сцене и ненавижу громкий звук, но приходится терпеть. Мне тяжело посещать ночные клубы и дискотеки, — сетует певица. — Не понимаю, как можно получать от такого звучания удовольствие. Я предпочитаю выступать в акустике с небольшим составом — дуэт, трио, квартет». Тенденция усиления звука может быть обусловлена развитием техники — изобретением радио, записывающих и воспроизводящих устройств самого широкого спектра, в которых можно убавить и прибавить звук. Компьютерные программы для написания музыки могли повлиять на выдвижение на первый план ритма. Но с этим тезисом Ирэн не согласна. По ее мнению, техника — всего лишь вспомогательное средство, которое начали совершенствовать с ХХ века. «Это раздел радиофизики и электроники. Как только появилось электричество, все стало развиваться в сторону усиления. Стал преобладать ритм. Техника не может провоцировать человека на создание такой музыки, напротив, она создается им самим. Дело в психологии, — уверена певица. — Появилась потребность в пульсации. Раньше ее не было. Когда распевались романсы, был популярен цыганский фольклор. Поедем к цыганам — вот что было самым отвязным в России, в XIX веке. Превалировали эмоции, плачущие интонации». До этого симфонические оркестры исполняли наполненные разными тембрами сказочные гармонии. В эпоху романтизма были написаны шедевры, которые можно было слушать сутками. Буквально в течение одного века все это оказалось перечеркнутым и забытым.

Приятного просмотра и пищеварения

Современная культура визуально ориентирована. Это подтверждает бурное развитие кинематографа. Примером могут служить и клипы. Современная музыка накрепко привязана к визуальному ряду. Визуализация обеспечивает более полное восприятие, подключающее еще и зрение. Скрябин пошел дальше, он не только хотел визуализировать музыку, но и говорил об ощущениях — запахах, рассказывает Ирэн. К этому стремились еще древние римляне, которые слушали музыку, лежа и вкушая пищу. Уже тогда были установлены соответствия между вкусом и звуками, выработана своего рода эстетика. Наши современники идут слушать музыку в рестораны и клубы потому, что хотят получить оптимальное удовольствие, услаждая вкус, слух и зрение. При этом, как отмечает певица, в заведениях часто звучит далеко не лучшая музыка. Все же если звуки в лагманной не отличаются особым вкусом, то дорогой ресторан стремится нанять лучших музыкантов. В солидных местах выпускники консерватории играют классику и джаз, а публика вкушает морские коктейли. «В самом дорогом ресторане нашего города, где блюда подаются в белых перчатках и на серебряных подносах, существует специальная хореография официантов, то, как они приближаются к столу и преподносят пищу. Создается впечатление, что посетитель должен вознаграждать происходящее аплодисментами», — делится певица личным опытом. Еда тоже искусство, а повара сегодня возведены в ранг гениев. Завтрак можно прекрасно вкушать и под Моцарта — улучшается пищеварение. Даже фермеры доят коров под музыку.

Цзинцзюй и бельканто

Вокал — такой же инструмент, он подчеркивает и входит в общее направление истории музыки. Тем не менее пути развития итальянской и пекинской оперы привели совершенно к разной локализации. Как рассказала Ирэн, в первом случае это вибрация купального звучания — школа бельканто, диатоника. Во втором — идет вибрация высоких частот верхней челюсти в нос — пентатоника. У китайцев богатый вокальный инструментарий. Только современные китайские поп и рок заимствуют аппарат и инструменты — клавишные, ритм-секцию, электрогитары. Традиционная пекинская опера сохраняет свою старую школу. Вокал пекинской оперы идеально сочетается с инструментами и репертуаром, пронесенными через века. В свою очередь бельканто идеально соответствует звучанию оркестра и акустике европейских театров, отражению звука и воздействию на слушателя. Итальянская опера моложе китайской. В разных операх и слушатели разные. Что европейцу в диковинку — китайцу привычно и близко. Это подтверждает тезис о разных типах музыкального мировосприятия.

Источник