Рондо французских клавесинистов ноты

Средства музыкальной выразительности

Существует четыре типа форма рондо :

Рондо 19 и 20 века ,

1. Старинное рондо , или рондо французских клавесинистов

Характерно для музыки французских клавесинистов (композиторов 17 -18 века). Старинное рондо — это небольшое инструментальное сочинение – миниатюра – для клавесина ( клавесин – старинный щипковый клавишный инструмент, на смену которому в 19 веке пришло фортепиано) с программным названием, напр., “ Курица “ или “ Тамбурин ” Жана Филиппа Рамо .

Клавесинисты представляют в музыке стиль рококо . Для этого стиля характерна элегантность, утонченная красота, которая в музыке выражается в украшениях – мелизмах (трели, форшлаги, морденты).

В старинном рондо повторения главной темы — рефрена — чередуются с эпизодами — куплетами — различного характера. Главное значение имеет рефрен в форме периода. В куплетах (эпизодах) рондо обычно не бывает новых тем, куплеты основываются на музыкальном материале рефрена. Количество куплетов — от 2 до 9.

2. Классическое рондо, или рондо Венских классиков

В творчестве композиторов 18 века, живших в австрийском городе Вена — венских классиков – Йозефа Гайдна , Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена — форма рондо встречается главным образом в финалах сонат или симфоний (ф и н а л – последняя часть ц и к л а , т.е. многочастного произведения ).

Класическое рондо — это пятичастное рондо A B A C A , где рефрен образует простую форму, а повторения рефрена могут быть в а р ь и р о в а н ы – изменены (иногда даже становятся короче). Первый эпизод (B) – это развивающий раздел в доминантовой тональности, он близок рефрену. Второй эпизод (C ) с новой темой ярко контрастирует с рефреном, имеет определенную (простую) форму. Характерна субдоминантовая или одноименная тональность. Между эпизодами и повторами рефрена обычно бывают с в я з к и — связующие разделы, которые обеспечивают непрерывность музыкального развития.

3. Рондо в музыке 19 и 20 века

В 19 веке к форме рондо обращались западноевропейские композиторы-романтики Роберт Шуман , Франц Шуберт , Фредерик Шопен (в фортепианной музыке), русские композиторы Михаил Глинка и Александр Бородин ( в вокальной музыке, напр., Рондо Фарлафа из оперы М. Глинки “Руслан и Людмила” ), а также латышский композитор Эмилс Дарзиньш . Все они в основном использовали рондо в качестве самостоятельного произведения, напр., “Вальс- фантазия” М. Глинки :

или “Меланхолический вальс” Э. Дарзиня для оркестра.

Для рондо 19 века характерно большое количество эпизодов, контрасты между рефреном и эпизодами, свободные тональные планы.

В 20 веке форму рондо широко использовал русский композитор Сергей Прокофьев .

4. Народное рондо

В народном рондо рефрен и эпизоды меняются местами . В результате вся форма рондо начинается с эпизода, за которым следует рефрен — B A C A D A и т.д. Например, “ Шесть экосезов” для фортепиано Людвига ван Бетховена (э к о с е з — старинный шотландский народный танец веселого характера, в быстром темпе в двухдольном метре. В 18 веке был популярен во всей Европе).

В АРИА ЦИОННАЯ ФОРМА (ВАРИАЦИИ)

Вариационную форму образуют начальное изложение т е м ы и ее измененные (минимум два) повтора – в а р и а ц и и .

Общая схема формы вариаций :

A A 1 A 2 A 3 . где A – это т е м а , а A 1 A 2 A 3 . — это в а р и а ц и и.

Форма вариаций берет свое начало в народной музыке, особенно в инструментальных танцевальных жанрах. В 16 веке из практики народного музицирования эта форма переходит в профессиональную музыку.

Различают п я т ь видов вариаций :

Вариации b a s s o o s t i n a t o (вариации на выдержанный бас)

Вариации s o p r a n o o s t i n a t o (вариации на выдержанную мелодию)

С т р о г и е, или к л а с с и ч е с к и е вариации

Д в о й н ы е вариации

С в о б о д н ы е вариации

1. Вариации b a s s o o s t i n a t o

Вариации b asso ostinato (ит.- непрерывный, выдержанный бас) – это вариации, в основе которых лежит одноголосная, неизменно повторяющаяся тема в басу, в то время как верхние голоса развиваются свободно, меняя свою мелодию, ритм, фактуру и динамику.

Обычно т е м а b asso ostinato — это простой нисходящий ход от тоники к доминанте (диатонический или хроматический ход от I ступени к V), о б ъ е м темы – четыре или восемь тактов, напр., тема из Мессы И.С. Баха :

Вариации b asso ostinato – самый старинный тип вариаций, известный уже с 16 века в старинных танцах – пассакалия и чакона . Это танцы испанского происхождения – торжественного характера, которые исполнялись в медленном темпе в трехдольном метре. Пассакалия обычно исполнялась в конце праздника, уже на улице, когда гости разъезжались по своим домам. Выдающийся пример этого жанра – это органная Пассакалия И.С.Баха :

2. Вариации s o p r a n o o s t i n a t o

Это вариации на неизменно повторяющуюся м е л о д и ю . При каждом повторе мелодии изменяется – в а р ь и р у е т с я – сопровождение: меняется фактура, гармония, ритм, тембры инструментов или другие элементы музыкального языка. Этот тип вариаций также называют глинкинскими вариациями , т.к. их часто использовал русский композитор 19 века Михаил Глинка, хотя встречаются они уже в 18 веке в сочинениях В.А. Моцарта.

Вариации sоprano ostinato распространены в хоровой музыке a cappella ( без сопоровождения), напр., обработка латышской народной песни для хора “Ej, saulīte, drīz pie dieva” Язепа Витола:

Яркими примерами этой формы в инструментальной (симфонической) музыке ХХ века является “ Болеро ” французского композитора Мориса Равеля (б о л е р о – испанский народный танец в умеренном темпе в размере 3 4 ) :

3. С т р о г и е, или к л а с с и ч е с к и е вариации

Этот тип вариаций представлен в музыке второй половины 18 века в творчестве композиторов венской классической школы (Гайдна, Моцарта и Бетховена).

Название “ строгие ” обозначает, что композиторы строго сохраняют контуры темы : во всех вариациях сохраняются форма темы, ее гармония, метр (за исключением последней вариации), тональность и лад (если вариаций больше четырех, то между мажорными вариациями появляется вариация в миноре — Minore , а между минорными – мажорная вариация Maggiore ).

Обозначение “ классические ” подчеркивает простоту и ясность музыкального языка таких вариаций, соразмерность частей – все те черты, которые характерны для музыкального стиля музыки Венских классиков.

Для темы вариаций композиторы обычно используют двухчастную репризную форму .

Количество вариаций : в самостоятельных произведениях обычно бывает от пяти до двенадцати вариаций, а в сонатах не более шести (но не менее четырех) вариаций.

Приемы варьирования : изменения мелодии, ритма и фактуры . Большое значение имеет м е л о д и ч e с к а я ф и г у р а ц и я (движение голоса по неаккордовым звукам – проходящим, вспомогательным, задержаниям, из которых складывается самостоятельная мелодия) и г а р м о н и ч е с к а я фигурация (движение сопровождающих голосов по звукам аккорда – Альбертиевы басы ). Напр., I часть сонаты Ля мажор В.А.Моцарта :

Д в о й н ы е вариации

Это вариации на д в е темы. Все приемы варьирования в этих вариациях такие же, как и в строгих вариациях. Свободные вариации для оркестра сочиняли Йозеф Гайдн и Л. ван Бетховен, напр., II часть 103 симфонии Гайдна: 1 тема:

С в о б о д н ы е вариации

В этих варициях тема подвергается гораздо большим изменениям, чем в строгих вариациях . Для свободного варьирования характеры изменения почти всех элементов музыкального языка: темпа, ритма, метра, гармонии, тональности, формы. Композиторы могут также варьировать даже не всю тему, а ее отдельные части, или даже вводить совершенно новые темы. Свободные вариации появились в 19 веке, сменив строгий (классический) тип вариаций. Используются свободные вариации композиторами и в наши дни.

Одним из лучших примеров этого типа вариаций в латышской фортепианной музыке являются Вариации для фортепиано на тему латышской народной песни “Ej, saulīte, drīz pie dieva” Язепа Витола.

ФОРМЫ ПОЛИФОНИЧЕСКОЙ МУЗЫКИ

KAНОН – музыкальная форма многоголосной музыки, в которой два или более голоса исполняют оджну и ту же мелодию, вступая друг за другом, по очереди.

Фуга (lat. fuga — бег, один голос как бы убегает от другого) – форма полифонического произведения, основанная на имитационном (лат. имитация – подражание ) проведении одной, двух и большего количества тем во всех голосах.

Фуга на несколько тем называется с л о ж н о й (фуга на две темы — двойная, фуга на три темы – тройная ). Величайшим мастером фуги был немецкий композитор 18 века И.С. Бах.

В основе фуги — пять элементов : тема, ответ, противосложение, интермедия, стретта .

Элементы фуги

Характеристика элементов фуги

Одноголосное изложение главной музыкальной мысли . Длина темы — от 1 до 10 тактов. Развиваясь, тема появляется в разных тональностях, регистрах, динамике.

Имитация темы в другом голосе в S или D тональности . Бывают два вида ответа: реальный (точный повтор темы ) и тональный (варьированный, т.е. измененный повтор темы).

Мелодическая линия, которая появляется во время ответа в голосе, начавшем фугу, и в дальнейшем звучит вместе с темой или ответом. Бывают два вида противосложения: свободное (для каждого ответа разное) и выдержанное (не изменяется на протяжении всей фуги).

П ромежуточный эпизод, соединяющий проведения тем. Часто используются секвенции.

Стретта

(ит. stretta сжато) Проведение темы, при котором ответ в имитирующем голосе вступает раньше окончания темы в предыдущем голосе (как в каноне).

Фуга состоит из трех разделов : экспозиция, средняя часть и реприза .

Характеристика частей фуги

Экспозиция

Тема звучит последовательно во всех голосах. Ответ начинается после окончания темы.

Развивающий раздел, в котором тема проводится в разных тональностях, используются интермедии и стретты .

Часть фуги, в которой возвращается тема в основной тональности. Часто используют стретту в качестве кульминации фуги.

Жанр (франц. Genre — вид, род) В литературе, музыке и в других искусствах сложились различные виды произведений. В литературе это, например, роман, повесть, рассказ; в поэзии — поэма, сонет, баллада; в музыке — опера, симфония, соната. Род произведения в пределах одного какого-то искусства называются французским словом «жанр». В музыке в широком смысле это различные отрасли музыки — опера, симфоническая, балетная, камерная, эстрадная . В узком смысле — разновидности основных отраслей. Например, жанры оперы : комическая (opera buffa), лирическая, серьезная (opera seria), большая . Жанры симфонической музыки: симфония, симфоническая поэма, увертюра . Жанры камерной музыки : романс, квартет, соната и т.д. Кроме того, выделяют жанры, непосредственно связанные с бытом: марш, танец, песня .

Жанры делятся по :

1) количеству исполнителей ( кто исполняет?): соло, ансамбль, оркестровые ;

2) назначению ( где исполняют?): бытовые, концертные, театральные ;

3) видам исполнения ( как исполняют?): вокальные, инструментальные, вокально-инструментальные .

Инструментальная музыка предназначена для исполнения отдельными инструментами, ансамблями, оркестрами. Симфоническая — музыка для исполнения симфоническим оркестром.

Вокальная музыка — которую исполняет человеческий голос. Вокальная музыка бывает двух видов два вида: 1) сольная и 2) хоровая. Жанры вокальной сольной музыки : песня, романс (лирическая), баллада — песня повествовательного характера, часто фантастические, исторические образы, контрастные — лирические и драматические темы. Вокализ — вокальное произведение без слов. Часто это этюд, упражнение для развития вокальной техники. Но существуют и концертные вокализы. Хоровые песни очень разнообразны по содержанию: революционные, боевые, гимны, лирические, юмористические и т.д.

Вокально-инструментальные жанры – оратория, кантата .

Музыкально-театральные жанры : опера, оперетта, мюзикл, балет .

Жанры инструментальной музыки

Делятся на две группы:

1) произведения малых форм – миниатюры : прелюдия, этюд, ноктюрн, токката и т.д.

2) произведения крупных форм : симфония, концерт, соната, квартет.

Прелюдия (рге — ludus — перед игрой). Раньше прелюдией называли вступительную часть к фуге. Прелюдии и фуги Баха — двух частный цикл. Обе части равноправны и одинаково важны. По характеру и темпу они немного различаются. Позже прелюдия стала самостоятельным жанром. Польский композитор Ф.Шопен утвердил прелюдию самостоятельным произведением. После Шопена прелюдии пишут многие композиторы. Прелюдии Шопена (24) — во всех мажорных и минорных тональностях. В прелюдиях видно мастерство Шопена – умение в маленькой (порой 8-12 тактовой) миниатюре выразить глубокую мысль. Каждая прелюдия выражает одно настроение.

Элегия (греческ. Elegos — жалоба). Название «элегия» вначале обозначало поэтическое произведение, содержанием которого была именно жалоба на неразделенную любовь. Позднее слово элегия приобрело более широкое значение. Так стали называть поэтические, затем и музыкальные произведения печального, задумчивого характера. Очень популярна элегия Ж.Массне, также и С.Рахманинова.

Этюд (франц. etude — изучение) — упражнение для развития техники музыканта. Жанр этюда возник в начале 19 века, когда расцвела концертная жизнь в Европе. Произведения становились все виртуознее. Поэтому были необходимы упражнения для развития техники игры. Так возникли этюды Черни, Клементи, Мошелеса, Крамера. Каждый этюд рассчитан на освоение какого-то технического приема, например, игры октавами, техника двойных терций, трелей и т.д. Существуют этюды для всех музыкальных инструментов. В творчестве Шопена этюд стал глубоко содержательным, настоящим художественным произведением, предназначенным для концертного исполнения. В основе каждого этюда Шопена лежит какой-то технический прием — арпеджио, хроматические пассажи, движение терциями, секстами, мелодия — в левой руке и т.д. Концертные этюды писал и Ф.Лист, С.Рахманинов, а для скрипки — Н.Паганини.

Экспромт (латинский expromtus — готовый, быстрый). В музыке это пьеса, сочиненная сразу без подготовки, импровизационно созданная и затем сразу записанная, без предварительного обдумывания.

Ноктюрн (итальянок. Notturno — ночной). В музыке этот термин появился в 18 веке. Тогда ноктюрнами называли пьесы, предназначенные для исполнения на открытом воздухе в ночное время. Состояли они из нескольких частей. В 19 веке сложился совершенно другой ноктюрн — мечтательная, певучая фортепьянная пьеса, навеянная образами ночи, ночной тишины, ночными думами. Впервые лирические ноктюрны стал сочинять ирландский композитор и пианист Джон Фильд. Писали ноктюрны: Чайковский, Григ, Шопен, Лист. Особенно известны ноктюрны Шопена. Они очень разнообразны — то мечтательные, поэтичные, то строгие и скорбные, то бурные и страстные.

Баркарола (итал. Barka — лодка) — песня лодочника. Баркарола возникла в Венеции. Построенная на многочисленных островах, Венеция почти совсем не имеет улиц. Вместо них город прорезают каналы. По ним бесшумно скользят лодки — гондолы. В таких лодках и возникли песни лодочников — гондольеров. Эти песни плавны и певучи, в аккомпанементе — мерное покачивание в своеобразном ритме, словно от набегающих одна за другой волн. Баркаролы сочиняли композиторы разных стран — и вокальные и инструментальные: Чайковский, Глинка, Шопен, Рахманинов, Мендельсон, Оффенбах.

Бурлеска (итал. Burlesca — шутка). Музыкальная пьеса шутливого, причудливого, комического характера. Обычно в быстром темпе. Родственна юмореске, каприччио.

Багатель (франц. Bagatelle — безделушка). Небольшая музыкальная пьеса, преимущественно для фортепиано, игривого характера. Впервые название «багатель» встречается в творчестве Куперена. Багатели сочинял и Бетховен, Ладов, Барток.

Серенада — первоначально музыкальное произведение, исполняемое в вечернее или ночное время перед домом какого-нибудь лица в знак почитания или любви. Более часто — песня в честь возлюбленной. В 17-18 веках особенное распространение получила инструментальная серенада — род сюиты для небольшого оркестра или ансамбля. В 19 веке сольная вокальная серенада стала одним из жанров камерной музыки, а инструментальная серенада произведением обычного концертного типа для камерных ансамблей, струнного оркестра, существует также сольная инструментальная серенада — лирическая пьеса. Инструментальная серенада, например, Моцарт «Маленькая ночная серенада», состоящая из 4 частей. Для струнного оркестра — Чайковский; для симфонического оркестра -Глазунов.

Пастораль (итал. Pastorale — пастушеский). Инструментальная пьеса или часть циклического произведения программно-изобразительного характера, рисующая жанровые сцены безмятежной сельской жизни, картины природы. Типично плавное, размеренное движение мелодии, воспроизведение особенностей тембрового звучания народных духовых инструментов.

Токката (итальянск. Toccare — трогать, касаться). Когда-то так называли всякое произведение для клавишных инструментов — клавесина, органа. А в 19 веке токкатой стали называть инструментальные пьесы быстрого, равномерно-четкого движения. Таковы токкаты Шумана, Прокофьева, Хачатуряна. В характере токкаты написаны и некоторые страницы оркестровой музыки.

Скерцо (итальянск. Scherzo — шутка). Издавна это слово привилось в музыке для обозначения ее характера — живого, веселого, шутливого. Бетховен ввел название «скерцо» для одной части симфонии вместо традиционного ранее менуэта. А в середине 19 века композиторы стали называть так и самостоятельные пьесы, причем не только шутливые, но иногда и драматические.

Баллада (итальянск. Ballare — плясать). Когда-то очень давно балладами назывались плясовые песни. В средние века балладами называли песни повествовательного характера. Рассказывалось в них о разных исторических событиях, о народной жизни, о рыцарских подвигах. В 19 веке баллада родилась заново в профессиональном искусстве. Она стала литературно-поэтическим жанром. Баллады писали Гете, Гюго, Гейне, Мицкевич, Пушкин, Лермонтов. Баллада — это повествование. В нем должны присутствовать элементы фантастики. За внешним спокойствием всегда скрыт большой драматизм. Вслед за поэтами к балладе стали обращаться композиторы: «Лесной царь» Шуберта, «Ночной смотр» Глинки — большие вокальные произведения, использующие тексты стихотворных баллад. Композиторы стремились передать в музыке развитие сюжета баллады и нередко наделяли ее чертами изобразительности. Например, в аккомпанементе баллады Шуберта «Лесной царь» явственно слышен ритм стремительной скачки. Далее появились и инструментальные баллады, не связанные со словом. Первым такие баллады стал сочинять Шопен — для фортепиано.

Рапсодия (греческ. Rhapsodia — народная эпическая песнь). Так называли древние греки сказания, которые пели народные певцы — рапсоды , аккомпанируя себе на кифаре или лире. В 19 веке название «рапсодия» пришло в профессиональную европейскую музыку и стало обозначать крупное одночастное произведение для рояля или оркестра, в котором звучат разные народные мелодии. Широко известны венгерские рапсодии Листа, славянские рапсодии Дворжака, испанская рапсодия Равеля.

Романс — пьеса для голоса с инструментальным сопровождением отражает чувства, переживания человека. Бывают и романсы для инструментального исполнения. Они имеют напевные, кантиленные мелодии широкого дыхания. Обычно лирические, мечтательные, иногда навеяны грустью. Например, романсы Глиэра, Шостаковича — из музыки к кинофильму «Овод», Чайковского, Рахманинова и др.

Каприччио (ит. Caprìccio — каприз, прихоть). Пьеса капризного, изменчивого характера. Каприс — французская форма этого термина.

Интермеццо (ит. Intermezzo — пауза, антракт) — произведение, помещенное между другими более значительными частями циклических произведений. Интермеццо может быть между картинами, действиями опер, балетов — как оркестровый фрагмент. Иногда композиторы дают название «интермеццо» и самостоятельным произведениям.

Интродукция (ит. Introducilo — вступление). В музыкальном произведении означает вступительный раздел (обычно медленный) к главной части произведения. Интродукции могут быть в начале действий, картин опер, балетов.

Симфоническая поэм а . Этот жанр возник в 1854 году, в творчестве Ференца Листа. Это одночастное симфоническое произведение. Форма может быть различная — сонатная, рондо, свободная. Обычно это программное произведение, связано с образами литературы или поэзии. Например, симфонич.-поэма Листа «Орфей», «Tacco», Рихарда Штрауса «Дон Кихот», «Дон Жуан», Я.Сибелиуса «Калевала» и др., Сметана «Влтава». К произведениям такого типа относятся симфоническая картина, увертюра-фантазия (Чайковский «Ромео и Джульетта»), симфоническая фантаз

Жанры вокальной музыки

ПЕСНИ рождаются, когда человеку радостно или грустно, когда хочется выразить такие чувства, которым не хватает слов. С незапамятных времен человека на протяжении всей его жизни сопровождали народные песни. Нам не известны ни авторы этих песен, ни точное время их сочинения. Народные песни, передаваясь из поколения в поколение, живут и сейчас. Композиторы часто используют их, делая различные обработки – для хора, для солистов, для разных музыкальных инструментов и оркестров. Песни, сочиненные композиторами, называют оригинальными песнями . П е с н я – жанр вокальной музыки (ит. voce — голос). Песни обычно исполняют голосом, хотя «пропеть» ее может и музыкальный инструмент. Если песня предназначена для исполнения одним человеком, то такие песни называют сольными . У них обычно есть инструментальное сопровождение – аккомпанемент . Объединяяя несколько голосов и голосовых групп, образуются ансамбли и хоры. В зависимости от состава голосов бывают хоры разных видов: женские, мужские, смешанные, детские хоры. Вокальные ансамбли различают по количеству исполнителей: терцет, квартет, секстет и т.д. Вершиной в развитии вокальной музыки является жанр о п е р ы. Характер песни определяется ее содержанием и выбранными композитором средствами музыкальной выразительности, т.е. элементами музыкального языка.

Колыбельные – это первые песни, которые слышит ребенок. Их ласковые, нежные интонации и спокойный, «укачивающий» ритм выражают нежность матери, качающей колыбель.

Гимны – это торжественные, приподнятые песни, объединяющие людей. Существуют гимны государственные, военные, революционные, в честь какого-нибудь события, праздника или героя. Мелодии гимнов обычно выразительны, но просты, чтобы все могли их запомнить. Автор текста и музыки гимна Латвии Dievs, svētī Latviju! — Карлис Бауманис (Kārlis Baumanis,1835-1905). Dievs, svētī Latviju! является одной из первых оригинальных латышских песен. Ее впервые исполнили на Первом празднике песни(1873), как приветственную песню для участников праздника.

Есть песни, мелодии которых очень выразительны, напевны. В них красота мелодии порою затмевает слово. Для таких песен (часто медленных, лирических) типична кантилена (ит. – «пение») — певучая мелодия широкого дыхания и длительного развертывания. Плавное соединение нскольких фраз создает ощущение бесконечной мелодии. Среди знаменитых произведений с кантиленной мелодией ария Нормы « Casta diva » ( «О, богиня») из оперы итальянского композитора Винченцо Беллини «Норма» (а р и я — сольный номер певца в опере). Широко известны кантиленные произведения на латинский текст католической молитвы « Ave Maria » (лат. «Радуйся, Мария» — обращение к деве Марии, матери Иисуса Христа). Один из первых образцов этой молитвы принадлежит итальянскому композитору 16 века Джулио Каччини . Не менее известны « Ave Maria » австрийского композитора Франца Шуберта и французского композитора Шарля Гуно (с аккомпанементом прелюдии из «Хорошо темперированного клавира» И.С. Баха ). Бывает, что кантиленное пение достигает такой выразительности и красоты, что слова отступают на второй план, а то и вовсе исчезают. Недаром говорят, что музыка начинается там, где кончаются слова. Образец такой кантилены – «Вокализ» Сергея Рахманинова . (В о к а л и з — (от лат . voce – голос ) — это упражнение для голоса для развития вокальной (певческой) техники без текста, на любую гласную или слог. Образцами кантилены также считаются многие народные народные песни и лирические романсы.

Источник