серия классных часов для учащихся ДМШ и ДШИ «С музыкой играя. »
классный час по музыке по теме
Предлагаемая программа для внеурочных занятий с учащимися ДМШ и ДШИ представляет собою цикл классных часов, направленных на расширение кругозора учащихся (особенно в области музыкальных знаний), на получение ими более обширных сведений о главных «музыкальных составляющих», на раскрепощение учащихся, повышение их активности как на данных классных часах и обычных уроках, так и на всевозможных концертах и конкурсах различного уровня.
Основной целью данной работы является наиболее полное раскрытие основных музыкальных понятий, закрепление раннее полученных знаний и возможности их применения на практике.
Программа предусматривает раскрытие наиболее важных, основных вопросы, таких как:
- Что такое музыка? Как она влияет на человека?
- Каковы основные средства музыкальной выразительности? Музыкальный звук – что это?
- Что такое музыкальный ритм? Что такое музыкальный темп?
- Как избежать негативных проявлений сценического волнения?
- Что такое музыкальный слух? Как его развивать?
- Что такое музыкальная память? Каковы ее возможности?
Предложенный материал излагается в понятной, доступной для учащихся форме – форме диалога лектора с аудиторией. Отсутствие контроля полученных знаний (за исключением итоговой викторины) наиболее полно раскрепощает учащихся, позволяет им увереннее выступать на классных часах и обычных уроках.
Программа рассчитана на один учебный год. Периодичность проведения – один раз в месяц (за исключением января – неполный учебный месяц, и мая – большая загруженность учебными предметами: контрольные уроки, зачеты, экзамены). В апреле вместо лекционного классного часа предусматривается Итоговая викторина. Она представляет собой свободную форму проверки и закрепления полученных знаний. В данной работе предлагается форма брейн-ринга (соревнования между командами).
Программа рассчитана на учащихся младших и средних классов, однако она будет также очень полезна старшеклассникам. Во время проведения классных часов разделять аудиторию по классам совершенно не обязательно, однако во время проведения Итоговой викторины желательно, чтобы в каждой команде было приблизительно равное количество участников разных возрастных категорий. Использовать эти лекции можно как отдельные классные часы, каждая лекция абсолютно самостоятельна.
Скачать:
| Вложение | Размер |
|---|---|
| классный час «средства музыкальной выразительности» | 17.69 КБ |
| классный час «Ритм и темп в музыке» | 893.46 КБ |
| классный час «Эстрадное волнение» | 24.66 КБ |
| классный час «музыкальная память» | 17.75 КБ |
| классный час «Музыкальный слух» | 23.03 КБ |
| классный час «Музыка и мы» | 17.76 КБ |
Предварительный просмотр:
Классный час на тему:
«Средства музыкальной выразительности. Музыкальный звук».
В прошлый раз мы говорили с вами о музыке и о том, какое влияние она оказывает на человека. А как вы считаете, музыка – выразительное искусство? (дети отвечают)
Безусловно, выразительное искусство. И я уверена, что многие средства музыкальной выразительности, то есть то, что помогает нам исполнять музыку интереснее, понятнее, вы знаете. Давайте попробуем вместе их вспомнить. (дети называют знакомые им средства)
Итак, к основным средствам выразительно относятся:
- динамика
- аппликатура
- артикуляция
- фразировка
- агогика
Существуют также и такие средства музыкальной выразительности, которые необходимы при игре на одном инструменте, но их совершенно невозможно использовать на другом. Это:
- педализация (фортепиано)
- туше (фортепиано)
- интонирование (струнные инструменты)
Кроме того, есть и:
- различные приемы игры
- темп
- движения исполнителя
- целостность произведения
- нюансировка
Их также можно отнести к средствам музыкальной выразительности, правда, уже к косвенным, не основным.
Давайте, кратко поговорим о каждом из них. (Предлагаю детям из зала таблички с названием средств, прошу охарактеризовать своими словами.)
- Динамика – уровень силы звучания и изменение этого уровня
- Аппликатура – способ расположения и порядок чередования пальцев в процессе игры
- Артикуляция – слитное или расчлененное исполнение последовательности звуков
- Туше – характер прикосновения к клавишам
- Агогика – небольшие, незначительные колебания темпа, в целом не приводящие к его замедлению или ускорению
- Фразировка – художественно – смысловое раграничение, отчетливое выделение музыкальных фраз
- Интонирование – выразительное осмысленное исполнение с точным звуконахождением
- Педализация – искусное владение педалями фортепиано
- Темп – скорость движения в музыке
- Нюансировка – (от слова нюанс) оттенок звучания
- Движения исполнителя – спонтанные, но четко необходимые для выражения эмоционального исполнения, незначительные движения
- Целостность произведения – следование одной мысли
Замечательно, а теперь давайте посмотрим и поговорим о звуке. (Приглашаю из зала несколько детей для наглядного пояснения.)
Что мы можем сказать о звуке? Каким вы его себе представляете? Что можно сделать со звуком, а чего нельзя? (дети отвечают)
Краткая характеристика звука. Что важно:
- долгота (протяженность либо угасание)
- высота (фиксированная или нет)
- есть возможность меня звук или нет
- тембр (окраска звучания, зависит от обертонов)
- сила прикосновения
(По мере рассказа о звуке прошу детей наглядно, с помощью табличек иллюстрировать мои слова.)
А теперь давайте послушаем как звучат некоторые музыкальные инструменты. (Предлагаю несколько инструментов, попутно объясняя какой инструмент играет в данный момент и показываю карточку с его изображением).
Сегодня мы снова узнали много нового о мире музыки, надеюсь, что наши совместные с вами старания помогут вам на занятиях и выступлениях.
Предварительный просмотр:
Классный час для учащихся музыкальных школ на тему:
«Ритм и темп в музыке».
Безусловно, чувство ритма можно и нужно воспитывать. Особенно важно чувствовать ритм музыкантам. Почему? Как вы считаете? (дети отвечают) А что вообще такое ритм? А темп? (дети отвечают) Сегодня мы с вами познакомимся с этими терминами поближе. (Во время лекции на экране идет Слайд – шоу «см. приложение №1» Слайд №1.)
Итак, начнем с темпа. (Слайд №2.) Темп – (от латинского — время) скорость движения в музыке, определяемая числом метрических долей в единицу времени (такт). Кстати говоря, тактовая черта (все знают, что это такое?) появилась в 16 – 17 в.
Различают 3 основных вида темпа:
Какие вы знаете медленные темпы? Средние? Быстрые? (дети отвечают)
(Слайд №3.) Самым медленным считается темп Largo – то есть широко, самым скорым – Prestissimo, что означает быстррее, чем Presto (Скоро, Быстро).
Давайте сравним темпы. (Провожу небольшую игру. Для этого приглашаю из зала несколько участников, вручаю им таблички с темпом и предлагаю шагать в зависимости от своего темпа, то есть медленно, умеренно или быстро. Использую для точности эксперимента метроном. Суть игры в том, чтобы дети наглядно увидели основную разницу в темпах.)
Однако, темповая шкала не имеет определенной градации и вы, наверное, уже это заметили. И все же основной принцип различия темпов мы сейчас с вами увидели. А кто знает, как называется устройство, которое помогает нам определить темп и не сбиться с него, устройство, благодаря которому мы смогли с вами определить точный темп? (дети отвечают) Правильно, метроном. (Слайд № 4.) А изобрел его Мельцель в 1814 году.
Кроме основного деления существуют и всевозможные «приставки»: assai (весьма), di molto (очень), non troppo (не слишком), non molto (не очень) и другие. Давайте сейчас посмотрим как они «работают». (Приглашаю новых участников с новыми табличками. Поочередно «добавляю» приставки к различным темпам – дети начинают шагать быстрее или медленнее, в зависимости от того, какая приставка им «досталась».)
Кстати говоря, темп, обозначенный в начале произведения, может меняться неограниченное число раз, в зависимости от замысла композитора. И сейчас многие темповые обозначения значительно «ускорились». Средним темпом в XVIII веке считался – 80 ударов в минуту.
Давайте сейчас попробуем определить какое произведение в каком темпе необходимо исполнять. Рассмотрим два примера: Песенка «Маленькой елочке» и «Регтайм» С. Джоплина. (Слайд № 5.) В обоих примерах мы видим, что длительность, взятая за основу – четверть. Только в первом примере («Маленькой елочке») четверть равна 60, а во втором («Регтайм») – 120. Путем несложных математических вычислений мы можем точно определить, что «Регтайм» будет звучать быстрее, а если быть точнее, быстрее в два раза. Рассмотрим еще два музыкальных отрывка. (Слайд №6.) Это: некоторое упражнение и снова «Маленькой елочке». В этом случае мы видим две разные цифры – 80 и 60. И, исходя из предыдущего примера, можно сделать вывод, что упражнение быстрее, нежели любимая всеми детская песенка. Однако, если внимательнее изучить предложенный материал, то будет очевидно, что упражнение медленнее. И вот почему: Взятая за основу длительность в обоих примерах разная. В первом примере ( Упражнение) это половинная нота, а во втором («Маленькой елочке») – четвертная нота. Также зная элементарные музыкальные знания, мы можем определить, что четверть в два раза быстрее половинной ноты, поэтому в данном случае Упражнение будет исполняться медленнее.
Следующий термин сегодня – метр. (Слайд № 7.) Метр – (от греческого – мера, размер) деление музыки на такты, содержащие определенное количество равномерных долей. Основная функция метра – регулировать акцентуацию. Тактовая черта показывает не акцент, а его нормативное положение. То есть совсем не обязательно выделять первую долю, если этого не требует замысел композитора или «музыкальные законы». (Например, в вальсе выделение первой доли обязательно.) Перейдем к следующему термину. (Слайд № 8.)
Ритм – (от греческого- течь, теку) организация музыки во времени. В узком смысле Ритм – это чередование и отношение музыкальных длительностей и акцентов. Как вы думаете, для чего нам нужен ритм? (дети отвечают)
Особенности музыкального ритма:
- времяизмерительная функция
- образно – поэтическая функция
Важно помнить, что, ощутить полноценное чувство ритма – значит постигнуть самое сокровенное в содержании музыки. Все оживает только после постижения ритмического пульса.
(Провожу небольшую игру с использованием ударных инструментов. ( Слайд № 9.) Воспроизводим ритм музыкального произведения. Пример № 1 на слайде. Предлагаю детям самим выбрать подходящие инструменты.
Следующим участникам предлагаю выбрать себе инструменты и прошу их исполнять только метрическую сетку. То есть один инструмент играет только целые ноты, второй – половинные ноты, третий – четверти, четвертый – восьмые ноты. Сама исполняю знакомое всем музыкальное произведение и прошу его узнать. Часто исполняю «Маленькой елочке». Дети – помощники включаются в «игру» и своими метрическими акцентами «помогают» угадать мелодию.)
( Слайд № 10.) В завершении нашей встречи хочу прочитать вам высказывания известных людей о ритме. Надеюсь, вы их запомните.
Ганс фон Бюлов: «Вначале был ритм».
Антон Рубинштейн: «Ритм в музыке – пульсация, свидетельствующая о жизни».
Предварительный просмотр:
Классный час на тему:
Цель исполнителя (т. е. нас с вами) – вовлечь слушателей в музыкальное переживание, заставить их «жить» в музыке, музыкальном произведении, исполняемом артистом. Для того, чтобы передать свои чувства, свое отношение, от исполнителя требуется богатство душевных сил и полное владение ими.
- Ребята, поднимите руки, кто хотя бы раз волновался перед выходом на сцену? А кто никогда не волнуется? Таких нет.
- А что, на ваш взгляд, необходимо уметь, чтобы меньше волноваться? (крепко держать текст в голове, отработать все технические места, продумать эмоциональную часть произведения…) Всегда ли все вышеперечисленное помогает?
Но давайте сначала разберем с вами не само выступление, а предшествующий ему день.
- Например, концерт, в котором вы выступаете, назначен на пятницу. Попробуйте сейчас рассказать, что вы чувствуете в четверг. (волнение, переживание, часто «выпадает» текст…)
Раскрою вам небольшой секрет – волнуются все. Ни эстрадный опыт, ни исполнительское дарование, вплоть до гениального, не спасают от волнения.
До болезненного состояния доходило оно у Шопена и Рубинштейна, у Казальса и Скрябина, у Шаляпина и Софроницкого. И даже малыши, для которых, казалось бы, выступление на эстраде скорее занимательное, чем волнующее событие, и те не избавлены от нервозности, иногда дорого им стоящей.
В чем же суть и причина этой болезни, беспощадно преследующей артистов всех специальностей и рангов? Что же терзает артиста, честно подготовившегося к выступлению и даже многократно взыскательно проверившего себя на эстраде?
Как ни странно, но эта столь важная проблема не нашла еще серьезного освещения в литературе. На эту тему имеется немало высказываний музыкантов и актеров, но они носят описательный, а не исследовательский характер. Пытаясь объяснить причины волнения и указать средства преодолеть его, чаще всего ссылаются на авторитетные высказывания Станиславского. Однако, не будем забывать, что необходимо «переводить» утверждения и примеры Станиславского с театрального языка на язык музыкальный. Попробуем это сделать.
Ошибочно было бы представлять себе исполнительский процесс как ряд подсознательных действий. И при вдохновенном исполнении внимание всегда начеку. Стоит исполнителю отдаться во власть непосредственного переживания, как какой-нибудь ляпсус свергнет его «с неба на землю». Играя, музыкант воспринимает не только «стихию музыки», но и поток игровых и слуховых ощущений, которые непрерывно сигнализируют о том, как протекают пианистические действия. Пока «обратная связь» говорит: «Все идет благополучно!» — они не привлекают к себе внимания, и артист заполнен переживанием музыки. Но чуть что сыграно не так — чуткий часовой — внимание направляется на игровой процесс и следит за его организацией, пока не будут устранены неполадки.
Играть в забытьи, как неправильно было бы понять Рихтера, нельзя не только потому, что этого не допускает сложность игровых действий — техника, но и в силу специфики художественного творчества. Потрясавший своим исполнением слушателей А. Рубинштейн говорил: «Если в то время, когда я играю на эстраде, я сам взволнован, я на слушателей не действую».
Исполнителю должно быть присуще чувство зала. «Для того, чтобы художник был действительно на высоте, чтобы превзойти самого себя, чтобы увлечь аудиторию, ему надо почувствовать, что он потрясает, волнует своих слушателей, находит отголоски своим чувствам. ». Это — слова великого чародея, владевшего несравненной, магической силой воздействия на слушателей — Ф. Листа.
Великое счастье для исполнителя, когда он чувствует, что зал замер и чутко внимает ему. Бывает и иное — не только бурные аплодисменты, но и холодное молчание говорит исполнителю о реакции слушателей. Стоит исполнителю на миг ослабить сосредоточенность, как тотчас же в зале кто-то кашлянет, ему откликнется другой, и заразительный кашель пойдет гулять по залу. Подлинный артист не растеряется. Он непрерывно чувствует, воспринимаются или отталкиваются слушателями излучаемые им «токи», Словно электромагнитное поле объединяет его и публику.
Посмотрим, как протекает «болезнь» (предконцертное состояние). Бывает, что волнение нередко начинается за несколько дней до выступления и в день концерта оно достигает болезненной степени. Ночь накануне концерта — нередко бессонная ночь. День концерта тягостен с утра: мучают сердцебиение, тошнота, пища не идет в горло, кружится голова, и, самое страшное, перестала выходить подготовленная программа — изменяет память, не слушаются пальцы. Хоть отменяй концерт!
Но, по мере приближения решительного часа, болезненные признаки обычно начинают проходить. Нередко упадок сил сменяется возбуждением: не найти себе места, не оторваться от рояля, хочется еще и еще раз попробовать тот или иной пассаж, пальцы бегут неудержимо. Скорее бы на эстраду!
И вот этот миг наступил. Полный страха и надежд переступает волнующийся артист порог эстрады. Как по льду, чужой походкой идет он, не зная куда девать руки, как держать голову! (Курьезно переживал этот момент Чайковский. При дирижировании ему казалось, что его голова клонится набок, и он поддерживал ее левой рукой.)
Зал затих. Секунды покоя. Мысль отключается от внешних впечатлений. Надо заполнить сознание представлением пьесы. Если это удастся, то все пойдет ладно. Особенно важно установить темп исполнения. Волнение часто мешает правильному ощущению темпа. Изменить же темп на ходу очень трудная задача, требующая ясного сознания и большой силы воли. Негативные самоприказы вроде: «Не гони!», «Не тяни!»—недостаточны. Чтобы быть действенными, представление музыки и приказы должны быть позитивными. Надо четко представить себе и предуказать темп исполнения. Точнее говоря, надо представить себе музыку в избранном характере, звучании и темпе.
Часто приходится слышать от учеников после неудачного исполнения: «Вот бы сыграть второй раз!». Чтобы подобного не случалось достаточно начинать исполнение сразу со второго раза, при этом первый проиграть мысленно про себя.
Для этого надо сосредоточиться. А для того, чтобы сосредоточиться, нужно спокойствие. Заданная себе задача — исполнительски представить себе музыку.
Но бывает, что нервы не успокоились, и мысли скачут. Очевидно, возбуждение перешло допустимые границы. Следствие — дезорганизация исполнительского процесса.
И, наконец, страшное бедствие, одна мысль о котором парализует волю к выступлению даже у выдающихся исполнителей — вдруг отказывает память. В некоторых случаях артиста спасают двигательные автоматизмы — «вывозят пальцы». Если же и они не помогут, неизбежна остановка, а когда артист не потерял самообладания, — скачок на ближайшую точку опоры впереди. (Возвращение вспять опасно,— нередко память снова отказывает в том же месте.) Но всего ужаснее, если туман застилает сознание и теряется представление о том, в каком месте пьесы находишься. Остается одно — вернуться к началу пьесы. Подобное случается, когда исполнитель отвлечен резко ворвавшимся восприятием: окриком, внезапным шумом в зале и т. п.
И. Гофман на вопрос, как преодолеть нервность при игре «перед чужими», дал ряд советов. «Если вы уверены, что здесь виновата «нервность», то укрепляйте нервы на чистом воздухе и спросите совета врача», — пишет он. Но тут же Гофман задает вопрос: а не кроется ли нервозность в «самосознании» или в «нечистой совести» из-за недостаточной уверенности в технике? В последнем случае предписание ясно: совершенствуйте технику! В первом же случае Гофман повторяет обычное: научитесь забывать свое драгоценное «я» и отношение к вам слушателей и сосредоточьте мысль на исполняемом. Гофман уверяет нас, что этого можно отлично добиться силой воли и упорной тренировкой.
Приходится сожалеть, что мудрый мастер не указал, как следует этого добиваться. Но, действительно, практика знает немало случаев «выздоровления», как, впрочем, и ухудшения болезни. Здесь многое зависит от индивидуальности, возрастных свойств и жизненных условий, а также практики и методики занятий и самих выступлений.
Кстати говоря, многие физиологи и педагоги тоже считают, что можно «натренировать» ученика на выступление. То есть после нескольких удачных выступлений у артиста остается все меньше сомнений в успехе собственного исполнения. А сцена больше не вызывает неприятных ощущений.
Работу над произведением нельзя считать законченной, если оно не было исполнено публично несколько раз. Проницательный наблюдатель И. Гофман заметил, что, изучая пьесу, мы бессознательно ассоциируем ее исполнение не только с игровыми ощущениями, свойствами механики инструмента, — тугой или легкой, — за которым работаем, но и с внешней обстановкой — меблировкой комнаты, обоями и т. п.
Поэтому очень важную роль играют обыгрывания на публике. Это могут быть как ученики, так и родители, и специально приглашенные педагоги.
Существует еще специальная дыхательная гимнастика: медленный глубокий вдох через нос, небольшая задержка дыхания и спокойный выдох через рот, отдых и повторение цикла. Паузу между циклами каждый раз удлинять. Проделывать такую гимнастику рекомендуется перед выходом на эстраду и на самой эстраде до начала исполнения и в перерыве между пьесами.
Впрочем, необходим довольно длительный период времени и не одно выступление на сцене, чтобы понять какое «лекарство» необходимо принимать для успешного выступления.
Давайте кратко подытожим все вышесказанное.
Для того, чтобы избежать сильного сценического волнения необходимо:
- проиграть произведение по нотам и без в том зале, в котором будет выступление
- мысленно заранее представлять себе свое исполнение
- проиграть произведение перед зеркалом
- постоянство выступлений
- творческая приподнятость во время концертного исполнения
Источник