Выступление музыканта с гитарой

Уличный гитарист с Арбата, играющий на необычном инструменте. Сергей Садов и его Садора

Если Москву принято называть сердцем России, то как назвать Арбат?
Ведь сердцем столицы разнообразные справочники называют Красную площадь.

Арбат приобрёл тот вид, к которому мы привыкли, в 1986 году.
До этого несколько лет велась реконструкция. Асфальт заменили брусчаткой, скамейки для отдыхающих, ретро-фонари.
Булат Окуджава, певец Арбата, тогда лаконично высказался о проведенной реконструкции «Арбат офонарел»

Сегодня расскажу вам про одного профессионального музыканта, композитора, вот уже 20 лет играющего на Арбате.

Сергей Садов.
Если вы бывали на Арбате, вы наверняка видели и слышали музыку этого человека, исполняемую на необычном инструменте.
Сергей Садов играет на инструменте Садора.
Этот инструмент много лет назад музыкант создал сам.

Сергей Садов имеет высшее музыкальное образование, закончил Гнесинку.
Когда-то, в молодости, Сергей Михайлович Садов играл в группе.
В 70-х они ездили по санаториям и домам отдыха, играли в основном хард-рок.
Сегодня 59-летний музыкант вот уже 20 лет исполняет музыку в стиле этно на собственном эксклюзивном авторском инструменте — двухгрифовой Садоре.

Сам музыкант говорит, что его инструмент — это не гитара, это смесь русских гуслей, восточных щипковых, гитары, арфы, ситара и балалайки.
Диапазон возможностей инструмента- от славянских мотивов, до восточных и даже кельтских.

Музыкант считает, что игра на улице помогает ему самовыражаться. Кроме того, это как экзамен, который может показать человеку, чего он стоит.
Сергей советует музыкантам проверить себя таким образом.
Он говорит, что буквально за один день выступлений на разных точках, человек поймёт, чего он на самом деле стоит как музыкант.

Сам музыкант меняет несколько точек ежедневно.
Есть, конечно, и негативные стороны уличных выступлений — это постоянные проблемы с полицией и разными тёмными личностями, старающимися заработать на музыкантах, а то и просто обок расть.
Нередко встречаются и активисты из числа проживающих рядом с местами выступлений, которые считают своим долгом вызвать полицию.
Как говорил когда-то Аркадий Райкин,- «Вы знаете, есть люди, которые чувствуют себя плохо, когда другим хорошо»

Выступать на улицу нередко выходят профессиональные музыканты, у которых на данный момент туго с работой или большие перерывы в выступлениях. Часто это те, кто играет в увеселительных заведениях- барах, ресторанах. Но это разовые акции, с целью заработать немного сию минуту.
Нередко на улицах можно встретить молодых выпускников или студентов музыкальных заведений, выступающих с той же целью — немного заработать. Но и они, как правило, тут не задерживаются.
Тех же, для кого выступления на улицах и в переходах становится образом жизни — не так уж и много. И они, как правило, хорошо знают друг друга.
Сергей Садов утверждает, что в своей основе это люди с музыкальным образованием, нередко и с консерваторским.

» Улица-это свобода самовыражения и даже возможность личностного роста. Если ты вышел на улицу и смог своим творчеством остановить слушателей, значит сможешь сделать это на любой концертной площадке. Работать музыкантом в таких условиях может только по-настоящему сильный, свободный и искренний человек»
(Сергей Садов)

Музыканта вполне устраивает его жизнь, и заканчивать с уличными выступлениями, несмотря на возраст, он пока не собирается.

Ссылка на страницу Сергея Садова вконтакте:
https://vk.com/sadovsadora

Ссылка на сайт Сергея Садова, где можно подробно узнать о жизни и творчестве уличного музыканта:
http://www.sadora.su/

На этом закругляюсь,
Женщин с праздником!
Хорошего всем настроения!

Источник

Какой самый важный совет для гитариста, собирающегося на свой первый концерт?

Сценическое волнение — неизбежный спутник музыканта, особенно начинающего. Есть и другие практические моменты, которые познаются только с опытом. Послушаем пару мнений.

Chris Eastwood , «исполнитель и автор музыки на протяжении свыше 50 лет».

Пункты, которые я считаю важными, и которые доказали свою ценность на протяжении 4500 выступлений:

• Занимайтесь тщательно. Хорошее знание ваших вещей приведет к лучшему исполнению как для вас, так и для вашей аудитории.
• Размер аудитории не имеет значения (это действительно так). Если вы выступаете только для одного человека, вы все равно выступаете за себя.
• Играйте в данном моменте. Нервы иногда трудно преодолеть, но как только вы начнёте, это просто «сейчас», просто живите этим. Мне нравится цитата Ty Murray, 9-кратного чемпиона мира по родео на быках. Когда его спросили после его первого выступления на «Dancing With The Stars», готов ли он к этому, он сказал: «Ну, это похоже на езду на быке. Ты никогда не готов, это просто твоя очередь». Как только вы выходите на сцену, наступает «ваша очередь» — забудьте обо всех «что если» и просто сосредоточьтесь на том, чтобы делать всё возможное.
• Ходите на другие шоу и подражайте игрокам, которые вам нравятся. Лично мне нравятся исполнители, которые очаровательны, выразительны, и с которыми незаметно летит время. Это то, что я хочу проецировать на свою аудиторию. Даже музыканты-монстры не произведут впечатления на широкую публику, если они будут стоять на сцене как бревно.
• Моя оценка музыкантов, включая себя самого, основана на компетентности, но ещё важнее адаптивность. Если допущена ошибка и вы её демонстрируете (или, что ещё хуже, просто останавливаетесь), все это видят. Все делают ошибки. Если вы смиритесь с этим, соберётесь и продолжите, подавляющее большинство зрителей этого даже не заметят (я доказал это много, много раз). Музыканты в аудитории, которые это заметят, будут уважать вас за то, что вы играете и продолжаете работать.
• Будьте религиозны в отношении проверки всего вашего оборудования перед выходом в эфир. Я прекрасно знаю, что я чувствую, когда начинаю играть свой лучший номер и вдруг замечаю, что что-то не работает.
• Следите за своим уровнем громкости. За все эти годы одной из моих любимых тем было то, что гитаристы или басисты играли слишком громко (я играю на обоих инструментах). Громкий звук может быть мощным, но слишком громкий звук — это просто больно. Не знаю, сколько раз мне приходилось указывать другим, что мы играем для заднего ряда, в то время как у слушателей перед сценой сейчас пойдёт кровь из носа. Мое эмпирическое правило заключается в том, что каждый музыкант должен быть в состоянии услышать любую другую партию. Если вы не можете слышать каждый из остальных инструментов, значит, вы играете слишком громко, или кто-то другой. Излишняя громкость действительно показывает отсутствие уважения и внимания к другим игрокам.
• Играйте так, чтобы хорошо провести время, и спроецируйте эту радость даже в грустных песнях. Это именно то, что люди хотят видеть. Это то, что заставит вас получить обратную связь от аудитории, а не играть в стену.

Rob Babbish , «выпускающий менеджер с 2000 года».

Я съел на этом пуд соли, потому что мои клубные концерты были в начале и середине 90-х.

• Если вы играете оригинальные вещи, не удивляйтесь, если у вас меньше десяти человек в аудитории. Это случается с любыми группами, которые на самом деле чертовски хороши.
• Вы являетесь частью группы. Важно то, что ваше шоу звучит хорошо, и ваша аудитория наслаждается им. Не важно, думают ли они, что вы лично герой группы или виртуоз. Успех группы — это ваш успех.
• Не говорите слишком много.
• Как бы хорошо вы не играли на репетиции, вы будете на 70% хуже на сцене. Таким образом, вы должны тренировать свою задницу, чтобы справиться с этим.
• Не берите в голову и повеселитесь.

Источник

«Виртуозы гитары». XIII Московский международный фестиваль

Концертный зал имени П. И. Чайковского Московской государственной академической филармонии

Зоран Дукич

Зоран Дукич (1969, Загреб) взял гитару в руки, когда ему было шесть лет. Сегодня он — один из выдающихся классических гитаристов нашего времени. Его концертные выступления, сольные или в сопровождении оркестра, надолго остаются в памяти слушателей.

Зоран Дукич получил образование в Музыкальной академии Загреба (педагог Дарко Петриньяк) и завершил учебу у Хуберта Кеппеля в Кёльнской Высшей школе музыки. В период с 1990 по 1997 он стал рекордсменом среди гитаристов по количеству завоеванных наград на музыкальных конкурсах. Дукич — единственный, кто выиграл оба конкурса имени А. Сеговии, в Гранаде и Пальма де Майорке. Подтверждением его универсализма и мастерским владением музыкальных стилей разных эпох, стали полученные премии на конкурсах имени Фернандо Сора, Мануэля Понсе, Мануэля де Фальи, Франциско Тарреги и других. На знаменитом гитарном конкурсе в Мадриде, проходящем под патронажем Королевской семьи, музыкант был удостоен I премии и специального приза за лучшее исполнение испанской музыки (впервые эту награду получил не-испанец). На многих конкурсах З. Дукич удостаивался приза зрительских симпатий, что свидетельствует о его способности устанавливать контакт с публикой посредством музыки.

Выступления Дукича на пяти континентах вдохновили многих композиторов на создание и посвящение ему своих произведений. Его великолепное понимание современной музыки украсило премьеры сочинений Такемицу, Хенце, Рейли, Картера, Губайдулиной и других авторов.

Важное место в репертуаре Дукича отведено музыке Баха. В свои программы гитарист включает все лютневые, скрипичные и виолончельные сюиты композитора.

Дукичу также прекрасно удается передать дух испанской и латиноамериканской музыки, составляющей основу репертуара классического гитариста. В настоящее время гитарист исполняет программу, представляющую панораму музыки от Баха до Бриттена, от Сора до Альбениса, от Тарреги до Вила-Лобоса и Брауэра.

Мастерство его игры по-достоинству оценено критиками:

Дукич с большим энтузиазмом делится опытом с молодыми музыкантами. Впечатляет его педагогическая деятельность. Он преподавал в Загребской музыкальной академии и Высшей школы музыки в Аахене (Германия), сейчас ведет класс гитары в Королевской консерватории музыки в Гааге и Высшей школе музыки в Барселоне, считаясь одним из лучших педагогов в Европе. Регулярно проводит мастер-классы и приглашается на различные гитарные фестивали.

Зоран Дукич увлечен камерной музыкой и часто играет в составе основанного им «Кёльнского трио».

Записи гитариста выпущены звукозаписывающими фирмами Германии, Испании, Бельгии и Канады.

Павел Штайдл

Павел Штайдл — выдающийся музыкант нашего времени, обладающий мощной харизмой, ярким индивидуальным стилем игры, уникальным репертуаром. Он умеет всецело завладеть вниманием публики и покорить ее навсегда.

Павел Штайдл родился в 1961 году в чешском городе Раковнике. Обучался в Праге у гитаристов Милана Зеленки и Штефана Рака. Поворотным пунктом в его карьере стала победа на Международном конкурсе французского радио в Париже (1982), после которой Штайдл заявил о себе как один из самых ярких солистов своего поколения. Авторитетное жюри конкурса — а в его составе были такие прославленные музыканты, как Александр Тансман, Антонио Лауро, Мария Луиза Анидо — единодушно присудило гитаристу первую премию.

В 1987 году Павел Штайдл переехал в Нидерланды, где занимался изучением старинной музыки и общался со специалистами в этой области. Тогда же он открыл для себя целый пласт романтической гитарной музыки (Н. Кост, И. К. Мерц, Л. Леньяни) и начал исполнять произведения XIX века на исторических инструментах. Другая большая «страсть» П. Штайдла — музыка чешских композиторов эпохи барокко. Он изучил много старинных рукописей и проделал огромную работу по восстановлению музыкальных раритетов и адаптации их для современного исполнителя. В свои выступления гитарист включает также собственные композиции.

Музыкант выступил более чем в 40 странах мира, включая Канаду, США, Китай, Индию, Японию, страны Европы и Латинской Америки. С 2000 года он снова живет в Чехии.

В 2004 году, по опросу итальянского журнала Guitart, читатели выбрали П. Штайдла «гитаристом года».

Дискография исполнителя включает альбомы: «Гитарная музыка XVIII–XIX веков», «Мастера чешской классической гитары», «Леньяни — 36 каприсов и фантазия», «Н. Кост — музыка для гитары», «Паганини — Сонаты и Фантазии», «Мерц — Bardenklange», Four Agreements — fast book.

П. Штрайдл использует струны D’Addario для современных инструментов и струны Savarez для романтической гитары.

Томас Феллоу

Томас Феллоу — музыкант неисчерпаемой творческой энергии. Он — первоклассный акустический гитарист, потрясающий виртуоз и чуткий ансамблист, композитор, педагог, организатор фестивалей и конкурсов.

Томас родился в 1966 году в Лейпциге, на гитаре начал заниматься с семи лет. В 16 лет, уже будучи лауреатом нескольких национальных конкурсов, он поступил в Веймарскую консерваторию, где обучался у профессоров Моники и Юргена Рост. В 19 лет его имя было внесено в реестр государственного концертного агентства ГДР. Став лауреатом ряда международных конкурсов (в том числе в Эстергоме и Маркнойкирхене), Томас начал вести активную концертную деятельность. Он играл в сопровождении известных оркестров — например, Берлинского камерного оркестра имени К.Ф. Э. Баха, гастролировал в Индии, Бразилии, США, России и многих европейских странах. Представил премьеры сочинений современных авторов (Карло Доменикони, Хайме Зенамоном и других), написанных специально для него. Концерт в Берлинской филармонии, состоявшийся в 1992 году, подвел итог его сольной карьере классического гитариста. С того момента Томас начал развиваться в другом творческом направлении.

В 1991 году он образовал дуэт «Фринд и Феллоу» с певицей Констанцей Фринд. Это был один из успешных ансамблей: музыканты провели более 1500 концертов и выпустили записи, тираж которых превысил 100 000 экземпляров. Они гастролировали по всему миру, в том числе в Китае и США, выступали на одной сцене с такими музыкантами, как Лютер Эллисон, Томми Эммануэль, Рэй Чарльз, Эл Джерро. Другим успешным проектом Томаса стал дуэт HANDS ON STRINGS, образованный в 2000 году с гитаристом Стефаном Борманом. Музыканты выступали на знаменитых фестивалях, в том числе в Риме, Гамбурге и Колумбусе (США). В 2012 году Томас Феллоу вошел в состав «Европейского гитарного квартета» вместо с гитаристом Ринтко и звёздами классической гитары Павлом Штайдлом и Зораном Дукичем. Артисты создали оригинальный репертуар, сочетающий классику, элементы современной этнической музыки и стиля «фингерстайл». Уже после дебютного концерта они выступили на известных фестивалях. Записав свой первый альбом «Danza», они совершили турне по Мексике, США, Франции, Сербии, Испании, Швейцарии, Колумбии, а также выступили в амстердамском Консертгебау.

Томас Феллоу проявил себя как талантливый и увлеченный педагог. Он разработал и ввел в учебный план Дрезденской консерватории курс акустической гитары, включающий исполнение классики, этнической музыки, джаза и поп-музыки. Кроме того, он проводит семинары по этнической музыке и импровизации в Веймарской консерватории, в качестве приглашенного доцента дает мастер-классы в вузах США, Испании и Австрии, а также на различных фестиваля — в Малайзии, Италии, Австрии, Швейцарии, Чехии.

Феллоу также востребован как композитор. Его произведения исполнялись на фестивале «Фогтландские дни», Берлинском фестивале гитарной и камерной музыки. Музыка к документальному фильму о Хосе Каррерасе и композиция «9 pm» получили Премию Геллерта (культурную премию Лейпцига). Феллоу является автором пособия по игре на акустической гитаре, опубликованном в издательстве Schott в 2009 году. Начиная с 2016 года при участии Феллоу здесь же выходит многотомная серия концертной музыки для гитары FELLOW GUITAR MUSIC COLLECTION.

Томас Феллоу — один из основателей Тюрингского фестиваля гитарной и этнической музыки (1996) и «Струнного весеннего фестиваля» в Дрездене (2000). По его инициативе с 2006 года в Дрездене проводится конкурс молодых гитаристов EUROPEAN GUITAR AWARD.

Еще одна грань деятельности Томаса Феллоу связана со звукозаписью. Совместно с кардиологом Хубертом Зеггевиссом он основал в 2014 году лейбл DOCTOR HEART MUSIC. Целью этого начинания является предоставление свободы и оптимальных условий артистам для реализации своих проектов и записей. Особое внимание уделяется жанрам этнической музыки, песне, джазу, классике. На этом лейбле были сделаны записи всех ансамблей, в которых играл Томас Феллоу.

Ринтко Диркс

Ринтко Диркс — немецкий гитарист, композитор и продюсер, автор музыки к кинофильмам, представлениям «Цирка дю солей» и балета дрезденской «Земпер Опер». Он — один из немногих гитаристов в мире, которые востребованы как в классическом репертуаре, так и в популярной музыке. Его музыка — своеобразный микс неортодоксальных техник, охватывающих широкий спектр стилей.

«Абсолютно выдающийся музыкант!« — сказал о Ринтко Дирксе американский гитарист Эл ди Меола. Кларнетист-виртуоз Гиора Фейдман, один из сценических партнеров Ринтко, назвал его «удивительной душой, уникальным музыкантом, волшебником». А ещё один коллега Ринтко, немецкий гитарист Томас Феллоу, заметил: «Ринтко — удивительный музыкант, и для каждого из нас истинная радость играть с ним в любом проекте. Его творческие возможности и эмоциональный диапазон в высшей степени вдохновляют и захватывают. Для меня, однако, самым замечательным является то, что, играя в ансамбле, он всегда стремится к идеальному балансу звучания и никогда не теряет ощущения партнёра. Это очень редкая способность».

Ринтко Диркс родился в 1979 году в городке Бад-Гандерсхайме (вблизи Гёттингена) и в возрасте 7 лет начал учиться игре на гитаре, хотя мечтал стать барабанщиком. В 2000 году он переехал в Дрезден, где изучал гитару и world music. В этот период он активно увлёкся джазом, фламенко, неевропейской музыкой и даже провёл полгода в Иерусалиме, где изучал арабскую музыку.

Дебютный альбом музыканта — Sounds For The Silver Screen — включил сочинения американского композитора Ричарда Горовица, известного своей музыкой для Голливуда, а второй альбом — Le Cirque — был номинирован на звание диска года в Германии.

Гитарист активно гастролирует, выступая и проводя мастер-классы на концертных площадках и фестивалях по всему миру, включая Карнеги-холл в Нью-Йорке, амстердамский Консертгебау. Он выступал в ансамблях с такими артистами, как виолончелист Йо-Йо Ма, аккордеонистка Ксения Сидорова, кларнетист Гиора Фейдман, звёзды немецкой поп-музыки Ивонн Каттерфельд, Андреас Бурани, Тим Бендцко.

Музыкант входит в состав «Европейского гитарного квартета» и ведёт авторскую программу на немецком телевидении.

Ринтко — обладатель многих музыкальных наград, в том числе премий European Guitar Award, Germany Cabaret Award. С 2007 года он занимает пост профессора Музыкальной академии в Дрездене.

Европейский гитарный квартет:

Зоран Дукич (гитара), Павел Штайдл (гитара), Томас Феллоу (акустическая гитара), Ринтко Диркс (акустическая гитара).

Первое выступление Европейского гитарного квартета состоялосьв Дрездене весной 2012 года. Встреча на сцене двух мировых звёзд классической гитары и двух выдающихся мастеров акустической гитары вызвала восторженную реакцию публики и музыкальных критиков, назвавших этот концерт «рождением новой сияющей звезды на небосклоне гитарной музыки». За успешным дебютом ансамбля последовали приглашения на престижные международные фестивали, включая «Равинию» в Чикаго и крупнейший в Скандинавии фестиваль в Бергене, а также на многие видные музыкальные форумы в Мексике, США, Франции, Испании, Австрии, Швейцарии и Колумбии.

Новая программа ансамбля объединяет яркую, виртуозную, бурлящую музыку Южной Америки с европейской, приглашая слушателей в захватывающее музыкальное путешествие. Оригинальные аранжировки произведений Астора Пьяццоллы и танцевальных мелодий легенды парагвайской гитары Агустина Барриоса соседствуют в ней с сочинениями Никколо Паганини и сложными ритмами балканских танцев, написанных сербским композитором Душаном Богдановичем. Также в ней звучат композиции двух музыкантов квартета — Томаса Феллоу и Ринтко Диркса, сочетающие в себе классическую музыку, этно и джаз.

Зоран Дукич — один из выдающихся классических гитаристов нашего времени. Его выступления всегда производят неизгладимое впечатление как на слушателей, так и на музыкальных критиков. Мастер-классы, которые музыкант проводит во многих вузах Европы, в том числе в Барселонском и Гаагском университетах, признаны одними из наиболее успешных курсов по подготовке солистов-инструменталистов в мире.

Павел Штайдл — настоящая легенда классической гитары. Со времени победы на Международном конкурсе Радио Франции в 1982 году он завоевал репутацию одного из наиболее интригующих гитаристов своего поколения, чья техника игры на гитаре делает каждый его концерт уникальным.

Томас Феллоу — первоклассный акустический гитарист, отличающийся небывалой виртуозностью техники, признанный мастер ансамблевой игры. Дуэт Friend‘n Fellow, созданный музыкантом, дал более полутора тысяч концертов по всему миру (в том числе концерты с Реем Чарльзом и Элом Джерро) и считается одним из лучших гитарных ансамблей в мире.

Ринтко Диркс — всемирно известный гитарист и композитор, обладатель многочисленных музыкальных наград. Он пишет музыку для представлений Цирка дю Солей и Земпер-оперы в Дрездене. Его искусство одинаково востребовано как в мире классической гитары, так и в сфере популярной и этнической музыки.

Астор Пьяццолла

Астор Пьяццолла родился 11 марта 1921 года в небольшом аргентинском городке Мар дель Плато. Детство провел с родителями в Нью-Йорке, где в девять лет начал обучение на бандонеоне, а чуть позже стал брать уроки по фортепиано у Белы Вильды (ученика Рахманинова), одновременно изучая основы аранжировки и переложения фортепианных произведений для бандонеона. В Нью-Йорке великий Карлос Гардел (один из самых известных исполнителей танго) пригласил юного Пьяццоллу на запись музыки к своему фильму.

Вернувшись в 1937 году на родину, Пьяццолла успешно выступает с оркестром Анибала Тройло, продолжая свое классическое образование у Альберто Хинастеры. В 1946 году Пьяццолла создает свой первый оркестр, в репертуар которого входили в основном произведения классической оркестровой и камерной музыки. В 1950 году он получает приз «Empier Tractor C.O. USA» за свою работу «Rapsodia Portena», в 1953 — премию Фабиана Севицкого за симфонию «Буэнос-Айрес», а в 1954 — приз музыкальных критиков Аргентины за «Симфониетту».

В эти же годы Астор Пьяццолла много выступает вместе с Германом Шерхеном, затем получает стипендию от правительства Франции и возможность обучаться в Париже у Нади Буланже, по совету которой композитор продолжает свои изыскания в оригинальной музыке. По возвращении в Аргентину он создает сразу две группы: «El Octeto De Buenos Aires» и «La Orquesta De Cuerdas». Его музыка совершенно изменилась, и, несмотря на негативную реакцию критики, он продолжает исполнять то, что ему больше по душе. «Моя музыка — это просто новый способ ощущения моего города, Буэнос-Айреса, — писал Пьяццолла. — Некоторым музыкантам и просто любителям она нравится, но наши „тангеро“ меня ненавидят и только потому, что я изменил старое танго».

Он раздвигал устоявшиеся рамки старых песенных форм, а затем и вовсе отказался от них. Сохранив присущий танго романтизм, он отверг его склонность к ностальгии. Он пересмотрел гармонический язык и включил туда Равеля и Мессиана, Шёнберга и Бартока, а потом добавил туда подвижный «гуляющий» бас. Включив в свой язык фуги и джазовую импровизацию, все это оживил невероятной смесью традиционного пульса танго и ритмами в духе Стравинского.

В 1958 году музыкант-новатор — в Нью-Йорке, где его буквально атаковали компании звукозаписи, радио и телевидение. Через два года Пьяццолла возвращается в Буэнос-Айрес, организовывает квинтет «Нуэво Танго», твердо убежденный в том, что новое танго — это музыка, скорее предназначенная для слушания, чем для танцев.

В 1967 году Пьяццолла и поэт Горацио Феррера пишут небольшую оперу «Maria de Buenos Aires», появляются также и другие сочинения, такие как «Tangazo», написанное для Игнасио Кальдерона, «Milonga en re», посвященная скрипачу Сальваторе Аккардо, баллада «Para un loco», исполненная в 1969 году Амелитой Бальтар и имевшая в течение года большой успех в разных странах.

В начале 70-х годов Астор Пьяццолла снова приезжает в Париж. За пять месяцев, проведенных по Франции, композитор пишет ораторию «El Pueblo Joven», другие произведения.

В августе 1973 года в Театре Колон Буэнос-Айреса состоялось значительное событие — презентация нового сочинения «Concierto de Nacar» для 9 солистов и ансамбля. Совместный альбом Пьяццоллы и саксофониста Джерри Маллигана, записанный в 1974 году, впервые позволил многим почитателям джаза получить представление о выразительных возможностях бандонеона (немецкий бандонеон, «двоюродный брат» аккордеона с более густым звуком). Но еще больше слушатели были покорены новейшим сплавом танго и джаза в «Сюите для вибрафона и «Нью танго квинтете», исполненных на фестивале в Монтре вместе с одним из лучших джазовых вибрафонистов Гэри Бертоном.

В 1988 году Пьяццолла, Лало Шифрин и «Сент-Люк Оркестр» записали «Концерт для бандонеона» и «Три танго для бандонеона и оркестра». Год спустя аргентинский композитор с костюмированным струнным квартетом «Кронос» представил свое новое произведение «Пять ощущений танго».

За последние десять лет Пьяццолла написал свыше трехсот танго, около 50 звуковых дорожек, сотрудничал с Жаном Моро, Аленом Делоном, многими известными режиссерами театра и кино.

Скончался А. Пьяццолла в Буэнос-Айресе на 72-м году жизни 4 июля 1992 года. В феврале 1993 года за сочинение «Oblivion» Астору Пьяццолле посмертно был присужден приз «Грэмми» в категории «Лучшая инструментальная композиция».

Дюшан Богданович

Душан Богданович (Dusan Bogdanovic), гитарист и композитор. Родился в Югославии в 1955 году. Окончательное музыкальное образование получил в Женевской консерватории в Швейцарии, где изучал гитару, оркестровку и композицию. В 1975 году стал обладателем первого приза на Женевском международном конкурсе исполнителей и в 1977 году с успехом дебютировал в Карнеги-Холл в Нью-Йорке. В возрасте немногим более 20 лет Д. Богданович стал преподавателем Женевской консерватории; позднее преподавал в Белградской академии и университете Южной Калифорнии, а с 1990 года по настоящее время работает в консерватории Сан-Франциско. Как сольный исполнитель, композитор и член Falla Guitar Trio участвовал в нескольких музыкальных фестивалях и гастролировал с концертами по Европе, Азии и США. Записал более полутора десятка альбомов: от Баха до современных композиторов. Автор теоретических работ по гитаре.

Никколо Паганини

В Италии, в муниципалитете Генуи хранится скрипка гениального Паганини, которую он завещал своему родному городу. На ней раз в год, по установленной традиции, играют самые известные скрипачи мира. Паганини называл скрипку «моя пушка» — так музыкант выражал свое участие в национально-освободительном движении Италии, развернувшемся в первой трети XIX в. Неистовое, бунтарское искусство скрипача поднимало патриотические настроения итальянцев, призывало их к борьбе против социального бесправия. За сочувствие движению карбонариев и антиклерикальные высказывания Паганини был прозван генуэзским якобинцем и преследовался католическим духовенством. Его концерты нередко запрещались полицией, под надзором которой он находился.

Паганини родился в семье мелкого торговца. С четырех лет мандолина, скрипка и гитара стали спутниками жизни музыканта. Учителями будущего композитора сначала был отец — большой любитель музыки, а затем Дж. Коста — скрипач собора Сан-Лоренцо. Первый концерт Паганини состоялся, когда ему было 11 лет. Среди исполняемых сочинений в нем прозвучали и собственные вариации юного музыканта на тему французской революционной песни Карманьола.

Очень скоро имя Паганини приобрело широкую известность. Он концертировал по Северной Италии, с 1801 по 1804 г. жил в Тоскане. Именно к этому периоду относится создание знаменитых каприсов для скрипки solo. В расцвете своей исполнительской славы Паганини на несколько лет сменил концертную деятельность на придворную службу в Лукке (1805-08), после которой вновь и окончательно вернулся к концертированию. Постепенно слава о Паганини вышла за пределы Италии. Многие европейские скрипачи приезжали померяться с ним силами, но никто не мог стать его достойным конкурентом.

Виртуозность Паганини была фантастической, воздействие ее на слушателей невероятно и необъяснимо. Для современников он казался загадкой, феноменом. Одни считали его гением, другие — шарлатаном; имя его еще при жизни начало обрастать различными фантастическими легендами. Тому, впрочем, немало способствовало своеобразие его демонической внешности и романтические, связанные с именами многих знатных женщин, эпизоды биографии.

В возрасте 46 лет, на вершине славы, Паганини впервые выезжает за пределы Италии. Его концерты в Европе вызвали восторженную оценку передовых деятелей искусства. Ф. Шуберт и Г. Гейне, И. В. Гёте и О. Бальзак, Э. Делакруа и Т. А. Гофман, Р. Шуман, Ф. Шопен, Г. Берлиоз, Дж. Россини, Дж. Мейербер и многие другие находились под гипнотическим влиянием скрипки Паганини. Ее звуки возвестили о новой эре в исполнительском искусстве. Феномен Паганини оказал сильнейшее воздействие на творчество Ф. Листа, называвшего игру итальянского маэстро сверхъестественным чудом.

Европейское турне Паганини продолжалось 10 лет. На родину он вернулся уже тяжело больным человеком. После смерти Паганини папская курия долго не давала разрешения на его погребение в Италии. Лишь много лет спустя прах музыканта был перевезен в Парму и захоронен там.

Ярчайший представитель романтизма в музыке Паганини был в то же время глубоко национальным художником. Его творчество во многом исходит из художественных традиций итальянского народного и профессионального музыкального искусства. Произведения композитора и сегодня широко звучат на концертной эстраде, продолжая пленять слушателей нескончаемой кантиленой, виртуозной стихией, страстностью, беспредельной фантазией в раскрытии инструментальных возможностей скрипки. К наиболее часто исполняемым сочинениям Паганини относятся Кампанелла (Колокольчик) — рондо из Второго скрипичного концерта и Первый скрипичный концерт.

Венцом виртуозного мастерства скрипачей до сих пор считаются знаменитые 24 каприччи для скрипки solo. Остаются в репертуаре исполнителей и некоторые вариации Паганини — на темы опер Золушка, Танкред, Моисей Дж. Россини, на тему балета Свадьба Беневенто Ф. Зюсмайера (композитор назвал это сочинение Ведьмы), а также виртуозные сочинения Венецианский карнавал и Вечное движение.

Паганини превосходно владел не только скрипкой, но и гитарой. Многие его сочинения, написанные для скрипки и гитары, до сих пор входят в репертуар исполнителей.

Музыка Паганини вдохновляла многих композиторов. Некоторые его произведения обработаны для фортепиано Листом, Шуманом, К. Шимановским. Мелодии же Кампанеллы и Двадцать четвертого каприса легли в основу обработок и вариаций композиторов различных поколений и школ: Листа, Шопена, И. Брамса, С. Рахманинова, В. Лютославского. Сам же романтический образ музыканта запечатлен Г. Гейне в его повести Флорентийские ночи.

Источник